Vienos klasikinės mokyklos bruožai. Pristatymas „Vienos klasikinės mokyklos kompozitoriai“. Būdingi Vienos klasicizmo epochos bruožai

Vienos klasika – XVIII amžiaus antrosios pusės ir XIX amžiaus pirmojo ketvirčio Europos muzikos kryptis. Šiai krypčiai būdingas akompanimentas, skersinės temos, taip pat darbas pagal formą ir temą. Vienos klasicizmas nuo kitų klasikinės muzikos sričių skiriasi savo logika, universalumu ir meninio mąstymo bei formos aiškumu. Kūriniuose harmoningai dera komiškos ir tragiškos natos, natūralus skambesys, skaičiavimas, intelektualinė ir emocinė tematika.

Vienos klasikos muzika turi aiškiai išreikštą dinamiką, kuri visiškai atsispindi sonatos formoje, kuri paaiškina daugelio šio žanro kūrinių simfoniją. Būtent su šia kryptimi – su simfonizmu – siejasi pagrindinių Vienos klasikinės eros instrumentinių žanrų raida: kamerinis ansamblis, koncertas, simfonija ir sonata. Kartu baigiamas keturių dalių sonatos-simfoninio ciklo formavimas. Vienos klasikos mokyklos sukurta formų, žanrų ir harmonijos taisyklių sistema tebegalioja.

Vienos klasicizmo klestėjimas sutapo su simfoninio orkestro raida, kurią nulėmė orkestro grupių funkcionalumas ir stabili kompozicija. Susiformavo pagrindiniai klasikinių kamerinių ansamblių tipai: styginių kvartetas, fortepijoninis trio ir kt. Tarp solo instrumentalų labiausiai išsiskyrė fortepijoninė muzika.

Vienos klasika

Sąvoką „Vienos klasika“ 1834 m. pirmą kartą paminėjo austrų muzikologas Raphaelis Georgas Kiesewetteris, susijęs su Haydnu ir Mocartu, kiek vėliau, Beethoveną paminėjo ir kiti autoriai. Vienos klasikai laikomi Pirmosios Vienos mokyklos atstovais.

Kiekvienas iš trijų Vienos klasikos meistrų prisidėjo prie muzikos plėtros šia kryptimi. Bethovenas, kaip ir Haidnas, pirmenybę teikė muzikai, bet jei Bethovenas traukė į herojiškumą, Haidnas linko prie liaudies žanro įvaizdžių.

Universalesnis Mocartas vienodai rodė save ir instrumentiniame, ir operiniame žanre, tačiau pirmenybę teikė dainų tekstui. Mocarto operiniai kūriniai padėjo plėtoti įvairias šio žanro kryptis: lyrinę, muzikinę dramą, socialiai kaltinamąją komediją ir filosofinę pasakų operą.

Tris skirtingus kompozitorius vienija puikus kompozicijos technikų įvaldymas ir gebėjimas kurti įvairią muziką: nuo baroko polifonijos iki liaudies dainų. Viena tuo metu buvo muzikinės kultūros sostinė, centrinė jos vystymosi platforma.

Vienos klasikinė mokykla (vok. Wiener Klassik) – XVIII a. II pusės – XIX amžiaus pradžios Europos muzikinės kultūros meninis judėjimas. Atstovai - J. Haydnas, W. A. Mocartas, Bethovenas. Meniniai principai atstovaujami 1780–1810-ųjų muzikoje, nes ankstyvuosiuose Haidno ir Mocarto kūriniuose jie dar tik formuojasi, o vėlesniuose Bethoveno kūriniuose jaučiamas apčiuopiamas artumas romantizmui.

Vienos mokyklos kompozitorių veiklą parengė jų pirmtakų ir amžininkų meninė patirtis, apimanti italų ir prancūzų operos ir instrumentinę kultūrą, vokiečių muzikos pasiekimus (G. F. Handelis, J. S. Bachas ir jo sūnūs, Manheimo mokykla). Vienos, didžiausio muzikinio centro, muzikinis gyvenimas ir daugianacionalinės Austrijos muzikinis folkloras suvaidino didžiulį vaidmenį formuojant Vienos mokyklą. Vienos klasika glaudžiai susijusi su bendru Austrijos-Vokietijos kultūros iškilimu, su Apšvietos epocha Didžiosios prancūzų revoliucijos išvakarėse. Vienos klasikų kūrybinės idėjos glaudžiai susijusios su G. E. Lessingo, I. G. Herderio, J. V. Gėtės, F. Šilerio, I. Kanto, Hegelio pažiūromis ir su kai kuriomis prancūzų enciklopedistų nuostatomis.

Vienos mokyklos atstovų menui būdingas meno universalumas, mąstymas, logika, meninės formos aiškumas. Jų kūriniuose organiškai susijungia jausmas ir intelektas, tragiškumas ir komiškumas, tikslus skaičiavimas ir natūralumas, raiškos lengvumas. Vienos klasikų kūriniai išreiškė dinamišką gyvenimo procesų supratimą, kuris visapusiškiausią įkūnijimą rado sonatos formoje ir nulėmė daugelio jų kūrinių simfoniją. Simfonizmas plačiąja prasme siejamas su pirmaujančių epochos instrumentinių žanrų – simfonijos, sonatos, koncerto ir kamerinio ansamblio – suklestėjimu, galutiniu 4 dalių sonatos-simfoninio ciklo susiformavimu (žr. Ciklinės formos). Vienos klasikinės mokyklos kompozitorių muzika – naujas muzikinio mąstymo raidos etapas; Jų muzikinei kalbai būdingas tvarkingumas ir centriškumas kartu su vidine įvairove ir turtingumu. Jų kūryboje formuojasi klasikiniai muzikos struktūrų tipai – periodas ir kt.; muzikinė tematika individualizuojama.

Vienos mokyklos suklestėjimas sutapo su bendru simfoninio orkestro formavimosi procesu – stabilia jo sudėtimi, orkestrinių grupių funkciniu apibrėžimu. Išryškėjo pagrindiniai klasikiniai kamerinių ansamblių tipai - fortepijoninis trio, styginių kvartetas ir kt.; Tarp solo instrumentalams skirtos muzikos ypač išsiskyrė fortepijoninė muzika. Mocarto operinė kūryba atvėrė plačias perspektyvas plėtoti įvairias operos rūšis – lyrinę ir socialiai kaltinamąją komediją, muzikinę dramą, filosofinę operą-pasaką ir kt. (Figaro vedybos, Don Žuanas, Stebuklinga fleita).

Kiekvienas Vienos mokyklos meistras buvo savita asmenybė. Jei Haydnas ir Bethovenas buvo artimesni instrumentinės muzikos sferai, tai Mocartas vienodai rodė save ir operos, ir instrumentiniame žanre; Haydnas labiau traukė į liaudiško žanro įvaizdžius, humorą, pokštus, Bethovenas – į herojiškumą, Mocartas, būdamas universalus menininkas – į įvairius lyrinės patirties atspalvius. Vienos mokyklos kompozitorių kūryba priklauso pasaulio meninės kultūros viršūnėms ir turėjo įtakos tolesnei muzikos raidai.

Simfonija

Sudėtingiausia instrumentinės muzikos forma yra simfonija (gr. sąskambis). Jis skirtas atlikti simfoniniam orkestrui. Šio žanro galimybės didžiulės: leidžia muzikinėmis priemonėmis reikšti filosofines ir moralines idėjas, kalbėti apie jausmus ir išgyvenimus. Žanras susiformavo XVIII amžiaus viduryje Vienos klasikinės mokyklos atstovų kūryboje. Kompozitoriai sukūrė keturių dalių sonatą-simfoninį ciklą, kurie skiriasi muzikos pobūdžiu, tempu ir temos plėtojimo metodais. Pirmoji dalis, pastatyta sonatos forma ir dažniausiai atliekama greitu tempu, pripildyta dramatiško turinio. Kartais prieš tai vyksta lėta įžanga. Antrasis judesys lėtas ir kontempliatyvus; tai yra lyrinis kompozicijos centras. Trečiasis yra priešingas antrajam: aktyvi, gyva muzika yra šokio arba humoristinio pobūdžio. Iki XIX amžiaus pradžios. kompozitoriai naudojo menueto formą (pranc. menuet, iš meniu - „mažas, mažas“), įprastą XVIII a. saloninį šokį. Vėliau meniuetą pakeitė scherzo (iš italų scherzo - „pokštas“) - vadinamieji maži vokaliniai ar instrumentiniai kūriniai, greito tempo ir humoristinio turinio. Ketvirtasis, dažniausiai greitas, judesys – simfonijos finalas; čia apibendrinama kūrinio temų ir vaizdų raida.

Vienos mokyklos kompozitoriai suteikė simfonijai nepaprasto lankstumo ir sugebėjimo apibendrinta forma įkūnyti įvairius žmogaus būties aspektus. Jie kūrė įvairių rūšių simfoniją – liaudies žanro, lyrinę-dramatinę, herojinę-dramatinę, kurias vėliau plėtojo ir praturtino romantiški kompozitoriai.

Sonata

Vienas pagrindinių instrumentinės muzikos žanrų yra sonata (italų sonata, iš sonare – „skambėti“). Tai kelių dalių (dažniausiai trijų ar keturių dalių) darbas; antrosios pusės – XX amžiaus pradžios kompozitorių tarpe. Yra ir vienos dalies kūrinių. Vienos klasikinės mokyklos meistrų kūryboje sonata, kaip ir simfonija, pasiekė savo viršūnę. Skirtingai nuo simfonijos, sonata yra skirta arba vienam instrumentui (dažniausiai fortepijonui), arba dviems (vienas iš jų – fortepijonas). Pirmoji šio žanro kūrinių dalis parašyta sonatos forma. Čia nurodytos pagrindinės kūrinio muzikinės temos. Antroji dalis, dažniausiai rami ir lėta, smarkiai skiriasi nuo pirmosios. Trečiasis – finalas, atliekamas greitu tempu. Jis apibendrina rezultatus ir galiausiai nustato bendrą darbo pobūdį.

Mocarto kūryba

Volfgangas Amadėjus Mocartas (1756–1791)

austrų kompozitorius. Jis turėjo fenomenalią klausą muzikai ir atmintį.

Koncertavo kaip virtuozas klavesinininkas, smuikininkas, vargonininkas, dirigentas, genialus

improvizuotas. Muzikos studijas pradėjo vadovaujamas tėvo L. Mocarto.

Pirmieji kūriniai pasirodė 1761. Nuo 5 metų su triumfu

gastroliavo Vokietijoje, Austrijoje, Prancūzijoje, Didžiojoje Britanijoje, Šveicarijoje,

Italija. 1765 m. Londone buvo atlikta jo pirmoji simfonija. 1770 m. Mocartas kai

praleido laiką lankydamas pamokas pas J. B. Martini ir buvo išrinktas Filharmonijos akademijos nariu

Bolonija. 1769-81 (su pertraukomis) tarnavo arkivyskupo teisme

Zalcburge kaip akompaniatorius, o nuo 1779 m. – vargonininkas. 1781 m. persikėlė į Vieną.

kur sukūrė operą „Pagrobimas iš Serajo“. „Figaro vedybos“; atliktas in

koncertai („akademijos“). 1787 m. Prahoje Mocartas baigė operą „Don Džovanis“,

Tuo pačiu metu jis buvo paskirtas į „imperatoriškąjį ir karališkąjį

kamerinis muzikantas“ Juozapo II dvare. 1788 metais jis sukūrė 3 garsiausius

simfonijos: Es-dur, g-moll, C-dur. 1789 ir 1790 metais koncertavo

Vokietija. 1791 metais Mocartas parašė operą „Stebuklinga fleita“; dirbo

requiem (baigė F.K. Zyusmayr). Mocartas buvo vienas pirmųjų

kompozitorių, pasirinkusių nesaugų laisvo menininko gyvenimą.

Mocartas kartu su I. Haydnu ir L. Bethovenu yra Vienos atstovas

klasikinė mokykla, viena iš klasikinio muzikos stiliaus pradininkų,

susijęs su simfonizmo, kaip aukščiausios rūšies muzikinio mąstymo, raida,

pilna klasikinių instrumentinių žanrų sistema (simfonija, sonata,

kvartetas), klasikinės muzikos kalbos normos, jos funkcinės

organizacijose. Mocarto kūryboje idėja įgijo visuotinę reikšmę

dinamiška harmonija kaip pasaulio matymo principas, meninis metodas

tikrovės transformacija, tuo pačiu metu jie rado joje naujų savybių vystymąsi

tam laikui psichologinis tikrumas ir natūralumas. Atspindys

derinamas darnus būties vientisumas, aiškumas, šviesumas ir grožis

Mocarto muzikoje su gilia drama. Didinga ir įprasta, tragiška

ir komiškas, didingas ir grakštus, amžinas ir praeinantis,

universalus ir individualiai unikalus, tautiškai būdingas

Mocarto kūriniuose atsiranda dinamiška pusiausvyra ir vienybė. Centre

Mocarto meninis pasaulis – žmogaus asmenybė, kurią jis atskleidžia

kaip lyrikas ir kartu dramaturgas, siekiantis meniškumo

atkuriant objektyvią žmogaus charakterio esmę. Mocarto dramaturgija

yra paremta kontrastingų muzikinių vaizdų universalumo atskleidimu

jų sąveikos procesas.

Mocarto muzika organiškai įkūnija skirtingų epochų meninę patirtį,

tautines mokyklas, liaudies meno tradicijas. Turėjo didelį poveikį

XVIII amžiaus italų kompozitoriai, Manheimo mokyklos atstovai ir

taip pat vyresnieji amžininkai I. Haydnas, M. Haydnas, C. W. Gluckas, I. K. ir C. F. E.

Bahi. Mocartas vadovavosi epochos sukurta tipiškų raštų sistema

muzikinius vaizdus, žanrus, raiškos priemones, tuo pačiu juos eksponuojant

individualus pasirinkimas ir permąstymas.

Mocarto stilius išsiskiria intonaciniu ekspresyvumu, plastika

melodijos lankstumas, kantiliškumas, turtingumas, išradingumas,

vokalinių ir instrumentinių principų susipynimas. Mocartas labai prisidėjo

indėlis į sonatos formos ir sonatos-simfoninio ciklo raidą. Mocartas

pasižymi padidintu toninės-harmoninės semantikos jausmu,

išraiškingos harmonijos galimybės (moll, chromatizmas,

pertrauktos revoliucijos ir pan.). Mocarto kūrinių faktūra kitokia

įvairūs homofoninio-harmoninio ir polifoninio pobūdžio deriniai,

jų sintezės formos. Instrumentuotės srityje klasikinė pusiausvyra

kompozicijas papildo įvairių tembrų derinių paieška,

individualizuota tembrų interpretacija.

Mocartas sukūrė Šv. 600 įvairaus žanro kūrinių. Svarbiausia jos sritis

kūryba – muzikinis teatras. Mocarto kūryba sudarė vystymosi erą

operos. Mocartas įvaldė beveik visus šiuolaikinės operos žanrus. Jo

brandžios operos pasižymi organiška dramos ir muzikos vienybe

simfoniniai raštai, dramos individualumas. Atsižvelgiant į patirtį

Gluckas, Mocartas sukūrė savo herojišką dramą „Idomeneo“ ir „Vestuvėse“.

Figaro". Remdamasis opera buffa, jis atėjo į realistinę muzikinę komediją

personažai. Mocartas „Singspiel“ pavertė filosofine pasaka-palyginimu,

persmelktas edukacinių idėjų („Stebuklinga fleita“). Universalumas

kontrastai, dramaturgija išsiskiria neįprasta operos žanro formų sinteze

opera „Don Žuanas“.

Pagrindiniai Mocarto instrumentinės muzikos žanrai yra simfonijos ir kameriniai ansambliai.

koncertai. Doveno laikotarpio Mocarto simfonijos artimos kasdienybei ir pramogai

to meto muzika. Jo brandos metais simfonija įgauna Mocarto reikšmę

konceptualus žanras, vystosi kaip kūrinys su individualizuotu

dramaturgija (simfonija D-dur, Es-dur, g-moll. C-dur). Mocarto simfonijos – svarbios

pasaulio simfonijos istorijos etapas. Tarp kamerinių instrumentinių

savo svarba išsiskiria ansambliai: styginių kvartetai ir kvintetai, smuikas ir

sonatos fortepijonui. Orientuodamasis į I. Haydno pasiekimus, Mocartas vystėsi

kamerinio instrumentinio ansamblio tipas, išsiskiriantis lyrinio įmantrumu

filosofinė emocija, išvystyta homofoninė-polifoninė prigimtis, kompleksiškumas

kalbos harmonija.

Mocarto klavišinė muzika atspindi naujo atlikimo stiliaus bruožus,

susijęs su perėjimu nuo klavesino prie fortepijono. Veikia klaveriui,

daugiausia koncertai fortepijonui ir orkestrui suteikia idėją

paties Mocarto atlikimo menas su jam būdingu briliantu

virtuoziškumas ir kartu dvasingumas, poezija, grakštumas.

Mocartui priklauso daugybė kitų žanrų kūrinių, įskaitant dainas,

arijos, kasdieninė muzika orkestrams ir ansambliams. Iš vėlesnių pavyzdžių daugiausia

garsioji „Mažoji nakties serenada“ (1787). Mocarto chorinė muzika apima

mišios, litanijos, vakarienės, pasiūlymai, motetai, kantatos. oratorijos ir kt.: tarp

išskirtiniai kūriniai: motetas „Ave verum corpus“, requiem.

Esė:

operos - dvasinė daina (scenos oratorija) Pirmojo įsakymo pareiga (Die

Schuldigkeit des ersten Gebotes, 1-oji kolektyvinio kūrinio dalis, 1767 m.

Zalcburgas), mokyklinė opera (lot. komedija) Apolonas ir hiacintas, arba

Hiacinto metamorfozė (Apollo et Hyacintus, seu Hyacinth Metamorphosis,

P. Widl libretas pagal Ovidijaus metamorfozes, 1767, Zalcburgo universitetas);

3 įvadas

1. Vienos klasikinė mokykla kaip meninis judėjimas

XVIII–XIX amžiaus pradžios muzikinėje kultūroje 4

1.1. Vienos klasikinės mokyklos stiliaus ypatybės 4

1.2. Muzikos žanrai 7

2. F.Y. Haydnas – Vienos klasikinės mokyklos įkūrėjas 10

3. Muzikos genijus – V.A. Mocartas 12

4. L. van Bethoveno kūrybinis kelias 16

19 išvada

Naudotos literatūros sąrašas 20

Įvadas

Visą XVIII amžių daugelyje šalių (Italijoje, Vokietijoje, Austrijoje, Prancūzijoje ir kt.) vyko naujų instrumentinės muzikos žanrų ir formų formavimosi procesai, kurie galutinai susiformavo ir savo viršūnę pasiekė vadinamojoje. „Vienos klasikinė mokykla“.

Vienos klasikinė mokykla, organiškai perėmusi pažangius nacionalinių muzikinių kultūrų laimėjimus, pati buvo giliai nacionalinis reiškinys, įsišaknijęs Austrijos žmonių demokratinėje kultūroje. Šio meninio judėjimo atstovai buvo J. Haydnas, V.A. Mocartas, L. van Bethovenas. Kiekvienas iš jų buvo ryški asmenybė. Taigi Haydno stilius išsiskyrė ryškia pasaulėžiūra ir pagrindiniu žanro bei kasdienybės elementų vaidmeniu. Lyrinis-dramatinis pradas buvo labiau būdingas Mocarto stiliui. Bethoveno stilius – tai herojiško kovos patoso įkūnijimas. Tačiau kartu su skirtumais, nulėmusiais kiekvieno iš šių kompozitorių savitą individualumą, juos vienija realizmas, gyvenimą patvirtinantys principai ir demokratija.

Vienos klasikų menas į pasaulio muzikos kultūrą įvedė galingą realistinę ir demokratinę srovę, paremtą liaudies meno turtais, todėl išlaikė mums visą savo vertę ir meninę reikšmę.

1. Vienos klasikinė mokykla kaip meninis judėjimas muzikinėje kultūroje XVIII – pradėjo XIX amžiaus

1.1. Vienos klasikinės mokyklos stiliaus ypatybės

Meninis klasicizmo stilius (iš lot. classicus - „pavyzdingas“) atsirado XVII amžiuje Prancūzijoje. Remdamiesi idėjomis apie pasaulio tvarkos taisyklingumą ir racionalumą, šio stiliaus meistrai siekė aiškių ir griežtų formų, harmoningų raštų, aukštų moralinių idealų įkūnijimo. Antikos meno kūrinius jie laikė aukščiausiais, nepralenkiamais meninės kūrybos pavyzdžiais, todėl kūrė senovinius dalykus ir įvaizdžius. Klasicizmas iš esmės priešinosi barokui savo aistra, kintamumu ir nenuoseklumu, tvirtindamas jo principus įvairiose meno formose, įskaitant muziką.

Vienos klasikinės mokyklos kompozitorių veiklą parengė jų pirmtakų ir amžininkų meninė patirtis, įskaitant italų ir prancūzų operos bei instrumentinę kultūrą, vokiečių muzikos pasiekimus. Vienos, didžiausio muzikinio centro, muzikinis gyvenimas ir daugianacionalinės Austrijos muzikinis folkloras suvaidino didžiulį vaidmenį formuojant Vienos klasikinę mokyklą. Vienos klasikos menas glaudžiai susijęs su bendru Austrijos-Vokietijos kultūros iškilimu, su Apšvietos epocha, atspindėjusiu humanistinius Trečiojo dvaro idealus Didžiosios Prancūzijos revoliucijos išvakarėse. Vienos klasikų kūrybinės idėjos glaudžiai susijusios su G.E. Lessinga, I.G. Herdera, I.V. Gėtė, F. Šileris, I. Kantas, G. Hegelis su kai kuriomis prancūzų enciklopedistų nuostatomis.

Vienos klasikinės mokyklos atstovų menui būdingas meninio mąstymo universalumas, logika, meninės formos aiškumas. Jų kūriniuose organiškai susijungia jausmai ir intelektas, tragiškumas ir komiškumas, tikslus skaičiavimas ir natūralumas, raiškos lengvumas.

Vienos klasikų kūryba išreiškia dinamišką gyvenimo procesų supratimą, kuris labiausiai įkūnijo sonatos formą ir nulėmė daugelio jų kūrinių simfoniją. Simfonizmas plačiąja prasme siejamas su pirmaujančių epochos instrumentinių žanrų – simfonijos, sonatos, koncerto ir kamerinio ansamblio – suklestėjimu bei galutiniu 4 dalių sonatos-simfoninio ciklo susiformavimu.

Vienos klasikinės mokyklos kompozitorių muzika – naujas muzikinio mąstymo raidos etapas; Jų muzikinei kalbai būdingas griežtas tvarkingumas ir centralizacija, derinama su vidine įvairove ir turtingumu. Jų kūryboje formuojasi klasikiniai muzikos struktūrų tipai – periodas, sakinys ir kt.

Vienos klasikinės mokyklos suklestėjimas sutapo su bendru simfoninio orkestro formavimosi procesu – jo stabilia kompozicija, orkestrinių grupių funkciniu apibrėžimu. Išryškėjo pagrindiniai klasikiniai kamerinių ansamblių tipai - fortepijoninis trio, styginių kvartetas ir kt. Iš muzikos solo instrumentams ypač išsiskyrė fortepijoninė muzika. Mocarto operinė kūryba atvėrė plačias perspektyvas plėtoti įvairias operos rūšis – lyrinę ir socialiai kaltinamąją komediją, muzikinę dramą, filosofinę pasakų operą ir kt.

Kiekvienas Vienos klasikinės mokyklos meistras buvo savita asmenybė. Instrumentinės muzikos sfera pasirodė artimiausia Haydnui ir Bethovenui, vienodai atsiskleidė tiek operos, tiek instrumentinio žanro srityse. Haydnas labiau traukė į objektyvius liaudiško žanro įvaizdžius, humorą, pokštus, Bethovenas - į herojiškumą, Mocartas, būdamas universalus menininkas - į įvairius lyrinės patirties atspalvius.

Vienos klasikinės mokyklos kompozitorių, priklausančių pasaulinės meninės kultūros viršūnėms, kūryba turėjo didžiulę įtaką tolesnei muzikos raidai.

1.2. Muzikos žanrai

Kaip minėta pirmiau, Vienos mokyklos kompozitorių kūriniuose daugelis muzikos žanrų įgavo klasikinę išvaizdą. Šioje savo rašinio dalyje apžvelgsime svarbiausius iš jų.

Simfonija

Sonatos forma

Viena sudėtingiausių ir turtingiausių muzikinių formų – sonata – pradėjo formuotis XVIII a. pirmoje pusėje. ir galutinę formą rado antroje amžiaus pusėje Vienos klasikinės mokyklos kompozitorių kūryboje. Sonatos forma yra muzikinės medžiagos pateikimo principas. Tai ne mechaninis dalių ir skyrių kaitaliojimas, o temų ir meninių vaizdų sąveika. Temos – pagrindinės ir antrinės – arba prieštarauja viena kitai, arba viena kitą papildo. Temų plėtojimas vyksta trimis etapais – ekspozicija, plėtojimas ir apibendrinimas. Ekspozicijoje iškyla temos (iš lot. expositio – „pristatymas, demonstravimas“). Pagrindinis klavišas skamba pagrindiniame klaviše, kuris lemia visos kompozicijos klavišo pavadinimą (pavyzdžiui, Simfonija C-dur). Šalutinė istorija dažniausiai pateikiama kitu tonu – tarp temų atsiranda kontrastas. Tolesnė temų plėtra yra darbuose. Jie gali patekti į aštrų tarpusavio prieštaravimą. Kartais vienas nuslopina kitą arba, atvirkščiai, nueina į šešėlį, palikdamas „varžovui“ visišką veiksmų laisvę. Abi temos gali pasirodyti skirtinga šviesa, pavyzdžiui, jos bus atliekamos skirtingu instrumentų rinkiniu arba kardinaliai pakeis charakterį. Reprize (pranc. reprise, iš reprendre - „atnaujinti, kartoti“) temos iš pirmo žvilgsnio grįžta į pradinę būseną. Tačiau antraeilis jau skamba pagrindiniu klavišu, taip susijungdamas su pagrindiniu. „Reprise“ yra sudėtingo kelio, į kurį temos praturtintos ekspozicijos ir tobulinimo patirtimi, rezultatas. Kūrimo rezultatai kartais fiksuojami papildomame skyriuje - kode (iš italų coda - „uodega“), tačiau tai nėra privaloma. Sonatos forma dažniausiai naudojama pirmoje sonatos ir simfonijos dalyje, taip pat (su nedideliais pakeitimais) antroje dalyje ir finale.

Sonata

2. F.Y. Haydnas – Vienos klasikinės mokyklos įkūrėjas

Apie vieno iš Vienos klasikinės mokyklos įkūrėjų Josepho Haydno muziką jo draugas ir jaunesnysis amžininkas Wolfgangas Amadeusas Mocartas rašė: „Niekas nesugeba visko: juokauti ir šokiruoti, sukelti juoką ir giliai liesti, ir viskas vienodai gerai. , kaip gali“. Haydno kūryba siejama su tokių žanrų suklestėjimu kaip simfonija (jų jis turėjo šimtą keturių, neskaitant dingusių), styginių kvartetas (aštuoniasdešimt trys), klavišinė sonata (penkiasdešimt du). Daug dėmesio kompozitorius skyrė koncertams įvairiems instrumentams, kameriniams ansambliams, sakralinei muzikai.

Franz Joseph Haydn gimė Rohrau kaime (Austrija) vežimų gamintojo šeimoje. Nuo aštuonerių metų pradėjo dainuoti Šv. Stepono koplyčioje Vienoje. Būsimam kompozitoriui teko užsidirbti kopijuodamas natas, grodamas vargonais, klaveriu ir smuiku. Būdamas septyniolikos Haydnas prarado balsą ir buvo pašalintas iš koplyčios. Tik po ketverių metų susirado nuolatinį darbą – įsidarbino akompaniatoriumi pas garsų italų operos kompozitorių Nicola Porpora (1686-1768). Jis įvertino Haydno muzikinį talentą ir pradėjo jį mokyti kompozicijos.

1761 metais Haydnas stojo į turtingų Vengrijos kunigaikščių Esterhazy tarnybą ir beveik trisdešimt metų praleido jų rūmuose kaip kompozitorius ir koplyčios vadovas. 1790 metais koplyčia buvo panaikinta, tačiau Haidnas išlaikė atlyginimą ir dirigento pareigas. Tai suteikė meistrui galimybę apsigyventi Vienoje, keliauti, koncertuoti. 90-aisiais Haydnas ilgą laiką vaisingai gyveno ir dirbo Londone. Jis pelnė europinę šlovę, jo kūrybą įvertino amžininkai – kompozitorius tapo daugelio garbės laipsnių ir vardų savininku. Josephas Haydnas dažnai vadinamas simfonijos „tėvu“. Būtent jo kūryboje simfonija tapo pagrindiniu instrumentinės muzikos žanru.

Haydno simfonijose įdomi pagrindinių temų raida. Diriguodamas melodiją skirtingais klavišais ir registrais, suteikdamas jai vienokią ar kitokią nuotaiką, kompozitorius taip atranda paslėptas jos galimybes, atskleidžia vidinius prieštaravimus: melodija arba transformuojama, arba grįžta į pradinę būseną. Haydnas turėjo subtilų humoro jausmą ir šis asmenybės bruožas atsispindėjo jo muzikoje. Daugelyje simfonijų trečiosios dalies (menueto) ritmas yra sąmoningai apmąstytas, tarsi autorius bandytų pavaizduoti gremėzdiškus paprasto žmogaus bandymus pakartoti elegantiškus galantiško šokio judesius. Simfonija Nr. 94 (1791) šmaikšti. Antrosios dalies viduryje, kai muzika skamba ramiai ir tyliai, staiga pasigirsta timpanų smūgiai, kad klausytojams „nenuobodžiautų“. Neatsitiktinai kūrinys vadinosi „Su kovojančiais Timpanais arba staigmena“. Haydnas dažnai naudojo onomatopoėjos techniką (paukščiai gieda, meška klaidžioja po mišką ir pan.). Savo simfonijose kompozitorius dažnai kreipdavosi į liaudies temas, daugiausia slavų – slovakų ir kroatų.

Vienos klasikinės mokyklos atstovams, o ypač Haidnui, priskiriami nuopelnai už stabilios simfoninio orkestro sudėties sukūrimą. Anksčiau kompozitoriai tenkindavosi tik tais instrumentais, kurie šiuo metu buvo prieinami. Stabilaus orkestro atsiradimas – aiškus klasicizmo požymis. Taigi muzikos instrumentų garsas buvo įtrauktas į griežtą sistemą, kuri pakluso instrumentavimo taisyklėms. Šios taisyklės pagrįstos žiniomis apie instrumentų galimybes ir daro prielaidą, kad kiekvieno iš jų skambesys yra ne tikslas savaime, o priemonė išreikšti tam tikrą idėją. Stabili kompozicija suteikė orkestrui solidų, vienalytį skambesį.

Be instrumentinės muzikos, Haydnas atkreipė dėmesį į operą ir dvasinius kūrinius (Hendelio įtakoje sukūrė daugybę mišių), pasuko į oratorijos žanrą („Pasaulio sutvėrimas“, 1798 m.; „Metų laikai“, 1801).

3. Muzikos genijus – V.A. Mocartas

Mocarto kūryba Vienos klasikinėje mokykloje užima ypatingą vietą. Jo kūriniuose klasicistinis griežtumas ir formos aiškumas buvo derinamas su giliu emocionalumu. Kompozitoriaus muzika artima toms XVIII a. antrosios pusės kultūros tendencijoms, kurios buvo skirtos žmogaus jausmams („Storm and Drang“, iš dalies sentimentalizmas). Būtent Mocartas pirmasis parodė prieštaringą individo vidinio pasaulio prigimtį.

Wolfgangas Amadeusas Mocartas gimė Zalcburge (Austrija). Turėdamas fenomenalią klausą muzikai ir atmintį, jis jau ankstyvoje vaikystėje išmoko groti klavesinu, o būdamas penkerių metų parašė pirmuosius kūrinius. Pirmasis būsimojo kompozitoriaus mokytojas buvo jo tėvas Leopoldas Mocartas, Zalcburgo arkivyskupo koplyčios muzikantas. Mocartas meistriškai įvaldė ne tik klavesiną, bet ir vargonus bei smuiką; garsėjo kaip genialus improvizatorius. Nuo šešerių metų gastroliavo Europos šalyse. Vienuolikos jis sukūrė savo pirmąją operą „Apollo ir Hiacintas“, o keturiolikos jau dirigavo savo operos „Mitridatas, Ponto karalius“ premjerai Milano teatre. Maždaug tuo metu jis buvo išrinktas Bolonijos filharmonijos akademijos nariu.

Kaip ir daugelis to laikmečio muzikantų, Mocartas tarnavo teisme (1769-1781) – buvo Zalcburgo arkivyskupo akompaniatorius ir vargonininkas. Tačiau nepriklausomas meistro charakteris sukėlė aštrų arkivyskupo nepasitenkinimą, ir Mocartas nusprendė palikti tarnybą. Iš iškilių praeities kompozitorių jis pirmasis pasirinko laisvo menininko gyvenimą. 1781 metais Mocartas persikėlė į Vieną ir sukūrė šeimą. Jis uždirbo iš retų savo kūrinių leidimų, fortepijono pamokų ir pasirodymų (pastarasis buvo paskata kurti koncertus fortepijonui ir orkestrui).

Mocartas ypatingą dėmesį skyrė operai. Jo darbai reprezentuoja visą šios rūšies muzikos meno raidos erą. Kompozitorių į opera patraukė galimybė parodyti žmonių tarpusavio santykius, jų jausmus ir siekius.

Mocartas nesistengė sukurti naujos operinės formos – pati jo muzika buvo naujoviška. Brandžiuose kūriniuose kompozitorius atsisakė griežto skirtumo tarp rimtosios ir komiškos operos – atsirado muzikinis ir draminis spektaklis, kuriame šie elementai susipynę. Dėl to Mocarto operose nėra aiškiai teigiamų ir neigiamų herojų, veikėjai yra gyvi ir daugialypiai, nesaistomi vaidmenų.

Mocartas dažnai kreipdavosi į literatūros šaltinius. Taigi opera „Figaro vedybos“ (1786) buvo parašyta pagal prancūzų dramaturgo P.O. pjesę. Beaumarchais „Pamišusi diena, arba Figaro vedybos“, kuri buvo uždrausta cenzūros. Pagrindinė operos tema – meilė, kurią galima pasakyti apie visus Mocarto kūrinius. Tačiau kūrinyje yra ir socialinė potekstė: Figaro ir jo mylimoji Suzanne – protingi ir energingi, tačiau kuklios kilmės, tiesiog tarnai grafo Almavivos namuose. Jų priešprieša šeimininkui (kvailui ir kvailam aristokratui) sukelia autoriaus simpatiją – visiškai akivaizdu, kad jis yra įsimylėjėlių pusėje.

Operoje „Don Žuanas“ (1787) viduramžių siužetas apie moterų širdžių užkariautoją gavo muzikinį įsikūnijimą. Energingam, temperamentingam, savanaudiškam ir nuo visų moralinių standartų nepriklausančiam herojui Vado asmenyje priešinasi aukštesnė jėga, personifikuojanti protingą tvarką. Filosofinis apibendrinimas čia sugyvena su meilės reikalais ir žanriniais bei kasdieniniais elementais. Tragiškumas ir komiškumas sudaro neatskiriamą vienybę. Pats autorius pabrėžė šį operos bruožą, suteikdamas savo kūriniui paantraštę „Linksmoji drama“. Atrodytų, kad finale teisingumas triumfuoja – yda (Don Žuanas) nubaudžiama. Tačiau operos muzika yra subtilesnė ir sudėtingesnė už šį supaprastintą kūrinio supratimą: ji klausytoje sukelia užuojautą herojui, kuris net mirties akivaizdoje liko ištikimas sau.

Filosofinė pasaka-parabolė „Stebuklingoji fleita“ (1791) parašyta Singspiel žanru. Pagrindinė kūrinio mintis – gėrio pergalės prieš blogį neišvengiamumas, kvietimas tvirtybei, meilei, jo aukščiausios prasmės supratimui. Operos herojai patiria rimtų išbandymų (tyla, ugnis, vanduo), tačiau juos oriai įveikia ir pasiekia grožio ir harmonijos karalystę.

Mocartas pagrindiniu dalyku laikė muziką, nors buvo labai reiklus libreto tekstui. Jo operose orkestro vaidmuo gerokai išaugo. Būtent orkestrinėje partijoje dažnai atsiskleidžia autoriaus požiūris į personažus: arba blykstels pašaipus motyvas, arba graži poetiška melodija. Dėmesingam klausytojui šios detalės pasako daugiau nei tekstas. Pagrindinėmis portretinėmis savybėmis išlieka arijos, o veikėjų santykiai pasakojami vokaliniuose ansambliuose. Kompozitoriui pavyko ansambliuose perteikti kiekvieno personažo charakterio bruožus.

Būdamas Vienos klasikinės mokyklos atstovu. Mocartas didelę reikšmę skyrė simfonijos žanrui. Ypač populiarios paskutinės trys simfonijos – Trisdešimt devintoji, Keturiasdešimtoji ir Keturiasdešimt pirmoji (Jupiteris), sukurtos 1788 m. Šio žanro kūriniuose galutinai įsitvirtino keturių dalių ciklas ir sonatos formos taisyklės. Mocarto simfonijose yra daug subtilių emocinių niuansų. Temos dažnai nevienodo charakterio, sudėtingo ritmo, kartais lydimos aštrių harmonijų, tačiau muzika išlaiko aštrias, aiškias formas.

Mocartas tapo ir vienu iš klasikinio koncertinio žanro kūrėjų. Koncerto pagrindas – solisto ir orkestro konkurencija, o šis procesas visada pavaldus griežtai logikai. Kompozitoriui priklauso dvidešimt septyni koncertai fortepijonui ir orkestrui, septyni smuikui ir orkestrui. Vienuose kūriniuose klausytoją pribloškia virtuoziškas meistriškumas ir šventiškumas, kituose – drama ir emociniai kontrastai.

Mocarto fortepijoninėje kūryboje – devyniolika sonatų, kuriose jis toliau plėtojo sonatos formą, taip pat fantastinio žanro kūriniai (improvizacija paremtas ir laisvos formos muzikinis kūrinys). Kompozitorius atsisakė klavesino ir klavikordo, kurių skambesys yra švelnesnis, bet silpnesnis, palyginti su fortepijonu. Mocarto fortepijoninis stilius yra ryškus, elegantiškas, su kruopščiu melodijos ir akomponavimo užbaigimu.

Meistro interesai neapsiribojo opera ir instrumentine muzika. Taip pat kūrė dvasinius kūrinius: mišias, kantatas, oratorijas, rekviem. Requiem (1791), skirto solistams, chorui ir orkestrui, muzika yra giliai tragiška (Mocartas prie kompozicijos dirbo jau sirgdamas, tiesą sakant, prieš pat mirtį). Kūrinio partijos, primenančios operų arijas ir ansamblius, labai emocionalizuoja muziką, o polifoninės (pirmiausia „Viešpatie, pasigailėk!“) personifikuoja dvasinį pradą, aukščiausią teisingumą. Pagrindinis requiem įvaizdis – kenčiantis žmogus griežto dieviškojo teisingumo akivaizdoje.

Meistras niekada neturėjo laiko užbaigti requiem, jį pagal kompozitoriaus eskizus užbaigė jo mokinys F.K. Zyusmayr.

Mocartas muziką kūrė labai lengvai, kartais net be juodraščių, kurdamas meniniu grožiu ir harmonija nepralenkiamą kūrybą. Šiuolaikiniai muzikantai labai vertino Mocarto talentą, tačiau didžioji dalis aristokratų visuomenės nesuprato jo kūrybos, o paskutiniais gyvenimo metais kompozitoriaus visiškai nepriėmė. Mocartas mirė skurde ir buvo palaidotas bendrame kape Vienoje.

4. L. van Bethoveno kūrybinis kelias

„Muzika turi smogti ugnį iš žmogaus krūtinės“ – taip sako vokiečių kompozitorius Ludwigas van Bethovenas, kurio kūriniai priklauso aukščiausiems muzikinės kultūros pasiekimams.

Bethoveno pasaulėžiūra formavosi veikiama Apšvietos epochos idėjų ir laisvę mylinčių Prancūzijos revoliucijos idealų. Muzikiniu požiūriu jo kūryba, viena vertus, tęsė Vienos klasicizmo tradicijas, kita vertus, užfiksavo naujojo romantinio meno bruožus. Iš klasicizmo Bethoveno kūryboje – turinio didingumas, puikus muzikos formų įvaldymas, apeliacija į simfonijos ir sonatos žanrus. Iš romantizmo, drąsaus eksperimentavimo šių žanrų srityje, domėjimosi vokalo ir fortepijono miniatiūromis.

Ludwigas van Bethovenas gimė Bonoje (Vokietija) dvaro muzikanto šeimoje. Nuo ankstyvos vaikystės pradėjo mokytis muzikos, vadovaujamas tėvo. Tačiau tikrasis Bethoveno mentorius buvo kompozitorius, dirigentas ir vargonininkas K.G. Nefe. Jaunąjį muzikantą jis išmokė kompozicijos pagrindų, išmokė groti klaveriu ir vargonais. Nuo vienuolikos metų Bethovenas dirbo vargonininko padėjėju bažnyčioje, vėliau – teismo vargonininku ir akompaniatoriumi Bonos operos teatre. Būdamas aštuoniolikos jis įstojo į Bonos universitetą Filosofijos fakultete, bet nebaigė ir vėliau daug lavinosi.

1792 metais Bethovenas persikėlė į Vieną. Muzikos pamokas jis vedė pas J. Haydną, I.G. Albrechtsbergeris, A. Salieri (didžiausi to laikmečio muzikantai). Albrechtsbergeris supažindino Bethoveną su Hendelio ir Bacho kūryba. Iš čia ir puikios kompozitoriaus žinios apie muzikos formas, harmoniją ir polifoniją.

Netrukus Bethovenas pradėjo koncertuoti; tapo populiarus. Jis buvo atpažįstamas gatvėse ir pakviestas į iškilmingus priėmimus aukšto rango asmenų namuose. Daug kūrė: rašė sonatas, koncertus fortepijonui ir orkestrui, simfonijas.

Ilgą laiką niekas nesuprato, kad Bethoveną užklupo sunki liga – jis pradėjo netekti klausos. Įsitikinęs ligos nepagydomumu, kompozitorius 1802 metais nusprendė mirti. parengė testamentą, kuriame paaiškino savo sprendimo motyvus. Tačiau Bethovenas sugebėjo įveikti neviltį ir rado jėgų toliau rašyti muziką. Išeitis iš krizės buvo Trečioji („Herojinė“) simfonija.

1803-1808 metais kompozitorius dirbo ir kurdamas sonatas; ypač Devintoji smuikui ir fortepijonui (1803 m.; skirta Paryžiaus smuikininkui Rudolfui Kreutzeriui, todėl gavo „Kreutzer“ pavadinimą), dvidešimt trečioji („Appassionata“) fortepijonui, Penktoji ir Šeštoji simfonijos (abi 1808 m. ).

Šeštoji („Pastoracinė“) simfonija paantraštė „Prisiminimai apie kaimo gyvenimą“. Šiame kūrinyje vaizduojamos įvairios žmogaus sielos būsenos, laikinai atitrūkusios nuo vidinių išgyvenimų ir kovų. Simfonija perteikia jausmus, kylančius iš sąlyčio su gamtos pasauliu ir kaimo gyvenimu. Jo struktūra neįprasta – penkios dalys vietoj keturių. Simfonijoje yra figūratyvumo ir onomatopojiškumo elementų (gieda paukščiai, riaumoja perkūnas ir kt.). Bethoveno išvadomis vėliau pasinaudojo daugelis romantiškų kompozitorių.

Bethoveno simfoninės kūrybos viršūnė buvo Devintoji simfonija. Jis buvo sumanytas 1812 m., tačiau kompozitorius prie jo dirbo nuo 1822 iki 1823 m. Simfonija yra grandiozinio masto; Finalas ypač neįprastas, reprezentuojantis kažką panašaus į didelę kantatą chorui, solistams ir orkestrui, parašytą J. F. Šilerio odės „Džiaugsmui“ tekstui.

Pirmoje dalyje muzika atšiauri ir dramatiška: iš garsų chaoso gimsta aiški ir labai plataus masto tema. Antroji dalis, scherzo, savo pobūdžiu panaši į pirmąją. Trečioji dalis, atliekama lėtu tempu, – ramus nušvitusios sielos žvilgsnis. Du kartus fanfarų garsai įsiveržia į neskubų muzikos srautą. Jie primena perkūniją ir mūšius, tačiau nesugeba pakeisti bendro filosofinio vaizdo. Ši muzika yra Bethoveno dainų tekstų viršūnė. Ketvirtoji dalis – finalas. Ankstesnių dalių temos sklando prieš klausytoją lyg blėsta praeitis. Ir čia ateina džiaugsmo tema. Nuostabi vidinė temos struktūra: drebulys ir griežtas santūrumas, didžiulė vidinė stiprybė, išleista grandioziniu gėrio, tiesos ir grožio himnu.

Simfonijos premjera įvyko 1825 m. Vienos operos teatre. Autoriaus planui įgyvendinti nepakako teatro orkestro: dvidešimt keturių smuikų, dešimt altų, dvylika violončelių ir kontrabosų. Vienos klasikiniam orkestrui tokia kompozicija buvo neįprastai galinga. Be to, kiekvienoje choro partijoje (bosas, tenoras, altas ir sopranas) buvo dvidešimt keturi dainininkai, o tai taip pat viršijo įprastas normas.

Bethovenui gyvuojant Devintoji simfonija daugeliui liko nesuprantama; ja žavėjosi tik artimai kompozitorių pažinoję, jo mokiniai ir muzikos šviesuolio klausytojai. Laikui bėgant, geriausi pasaulio orkestrai ėmė įtraukti simfoniją į savo repertuarą ir ji rado naują gyvenimą.

Vėlyvojo kompozitoriaus kūrybos laikotarpio kūriniams būdingas jausmų santūrumas ir filosofinis gilumas, išskiriantis juos iš aistringų ir dramatiškų ankstyvųjų kūrinių. Per savo gyvenimą Bethovenas parašė 9 simfonijas, 32 sonatas, 16 styginių kvartetų, operą Fidelio, Iškilmingas mišias, 5 koncertus fortepijonui ir vieną smuikui ir orkestrui, uvertiūras, atskirus kūrinius įvairiems instrumentams.

Keista, kad daugelį savo kūrinių (tarp jų ir Devintąją simfoniją) kompozitorius parašė jau būdamas visiškai kurčias. Tačiau naujausi jo kūriniai – fortepijoninės sonatos ir kvartetai – nepralenkiami kamerinės muzikos šedevrai.

Išvada

Taigi klasicizmo meninis stilius atsirado XVII amžiuje Prancūzijoje, remiantis idėjomis apie pasaulio tvarkos taisyklingumą ir racionalumą. Šio stiliaus meistrai siekė aiškių ir griežtų formų, harmoningų raštų, aukštų moralinių idealų įkūnijimo. Antikos meno kūrinius jie laikė aukščiausiais, nepralenkiamais meninės kūrybos pavyzdžiais, todėl kūrė senovinius dalykus ir įvaizdžius.

Muzikinio klasicizmo raidos viršūnė buvo Josepho Haydno, Wolfgango Amadeuso Mocarto ir Ludwigo van Bethoveno kūryba, kurie daugiausia dirbo Vienoje ir suformavo XVIII a. antrosios pusės – XIX amžiaus pradžios – Vienos muzikos kultūros kryptį. klasikinė mokykla. Atkreipkite dėmesį, kad klasicizmas muzikoje daugeliu atžvilgių skiriasi nuo klasicizmo literatūroje, teatre ar tapyboje. Muzikoje neįmanoma pasikliauti senosiomis tradicijomis, nes jos beveik nežinomos. Be to, muzikinių kūrinių turinys dažnai siejamas su žmogaus jausmų pasauliu, kuris nėra griežtai kontroliuojamas proto. Tačiau Vienos klasikinės mokyklos kompozitoriai sukūrė labai darnią ir logišką kūrinio konstravimo taisyklių sistemą. Tokios sistemos dėka sudėtingiausi jausmai buvo aprengti aiškia ir tobula forma. Kančia ir džiaugsmas kompozitoriui tapo apmąstymų, o ne patirties objektu. O jei kitose meno rūšyse klasicizmo dėsniai jau XIX a. daugeliui atrodė pasenę, tuomet muzikoje Vienos mokyklos sukurta žanrų, formų ir harmonijos taisyklių sistema savo reikšmę išlaiko iki šių dienų.

Dar kartą pažymėkime, kad Vienos klasikos menas mums yra labai vertingas ir meniškai reikšmingas.

Naudotos literatūros sąrašas

1. Alshvang A.A. Liudvikas van Bethovenas. Esė apie gyvenimą ir kūrybą. – M.: Sovietų kompozitorius, 1971. – 558 p.

2. Bachas. Mocartas. Bethovenas. Meyerbeer. Šopenas. Šumanas. Wagneris / Komp. „LIO redaktorius“. – Sankt Peterburgas: „LIO redaktorius“ ir kt., 1998. – 576 p.

3. Velikovičius E. Puikūs muzikiniai vardai: Biografijos. Medžiagos ir dokumentai. Pasakojimai apie kompozitorius. – Sankt Peterburgas: Kompozitorius, 2000. – 192 p.

4. Muzikinis enciklopedinis žodynas / Ch. red. G.V. Keldysh. – M.: Tarybinė enciklopedija, 1990. – 672 p.

5. Osenneva M.S., Bezdorodova L.A. Jaunesniųjų klasių mokinių muzikinio ugdymo metodai: Vadovėlis. pagalba studentams pradžios fak. pedagoginiai universitetai. – M.: „Akademija“, 2001. – 368 p.

6. Aš tyrinėju pasaulį: Det. encikl.: Muzika / Autorius. A.S. Klenovas. Pagal generolą red. O.G. Hinn. – M.: AST-LTD, 1997. – 448 p.

Taikymas

Haydnas parašė 24 operas, daugiausia italų opera buffa ir opera seria žanro, 3 oratorijas, 14 mišių ir kitų dvasinių kūrinių, 104 simfonijas, uvertiūras, maršus, šokius, divertimentus orkestrui ir įvairiems instrumentams, klavierių koncertus ir kt. 83 styginių kvartetai, 41 fortepijoninis trio, 21 styginių trio, 126 trio baritonui (palenktam), altui, violončelei ir kitiems ansambliams, 52 klavišinių sonatos, įvairūs kūriniai klaveriui, dainos, kanonai, škotų, airių, valų dainų aranžuotės balsas su fortepijonu (smuikas arba violončelė pasirinktinai).

Vienos klasikinės mokyklos kompozitoriai

Gedimas gimė Erasbacho miestelyje (Austrija) miškininko šeimoje.

Ūmią krizę išgyvenusi didžioji mitologinė opera Glucko kūryboje įgavo tikros muzikinės tragedijos, kupinos stiprių aistrų, savybių, iškeliančių etinius ištikimybės, pareigos ir pasirengimo pasiaukojimui idealus. Pirmosios reformistinės operos „Orfėjas“ pasirodymą lydėjo ilga kelionė – kova už teisę tapti muzikantu, kelionės, įvaldant įvairius to meto operos žanrus.

Svarbiausias įvykis kompozitoriaus kūrybinėje raidoje ir Vienos muzikiniame gyvenime buvo pirmosios reformų operos „Orfėjas“ (1762) premjera, senovės graikų mitas apie legendinį dainininką Glucką ir R. Calzabigi (autorius). lib., bendraminčiai ir nuolatiniai kompozitoriaus bendradarbiai Vienoje) dvasia interpretavo griežtą ir didingą antikinę dramą. Orfėjo meno grožis ir jo meilės galia gali įveikti visas kliūtis – ši amžina ir visada jaudinanti idėja glūdi operos, vienos tobuliausių kompozitoriaus kūrinių, šerdyje. Orfėjo arijose garsiajame fleitos solo, taip pat žinomas daugelyje instrumentinių versijų pavadinimu „Melodija“, atsiskleidė originali kompozitoriaus melodinė dovana; o scena prie Hado vartų – dramatiška Orfėjaus ir Furijų dvikova – išliko puikiu stambios operinės formos konstravimo pavyzdžiu, kuriame buvo pasiekta absoliuti muzikinio ir sceninio vystymosi vienybė.

Džozefas Haidnas(1732–1809) – austrų kompozitorius.

Haydnas yra Vienos klasikinės mokyklos atstovas. Jis prisidėjo prie klasikinių žanrų (simfonija, sonata, koncertas instrumentams ir orkestrui, kvartetas), formų (pirmiausia sonatos forma ir sonatos-simfoninis ciklas), raidos principų (motyvinė-teminė raida) ir orkestro kompozicijos formavimosi. vadinamasis dvigubas). Haydno kūrybai būdingas optimistinis atspalvis, turinio įvairiapusiškumas, harmonija ir proporcijų proporcingumas. Filosofinis gylis juose derinamas su kasdienybės ir humoristinių vaizdų nepretenzingumu.

Haydno muzika yra „džiaugsmo ir laisvalaikio“ muzika. Jo muzikoje gausu kontrastų, pauzių ir netikėtų netikėtumų. Simfoninėje muzikoje naudojo onomatopoėjos techniką: paukščių giedojimą, upelio čiurlenimą, davė matomus saulėtekio eskizus, gyvūnų portretus.

Mocartas Amadėjus Volfgangas(1756 1 27, Zalcburgas, - 1791 12 5, Viena), austrų kompozitorius. Tarp didžiausių muzikos meistrų Mocartas išsiskiria ankstyvu galingo ir visapusiško talento sužydėjimu, neįprastu gyvenimo likimu – nuo stebuklingo vaiko triumfų iki sunkios kovos už būvį ir pripažinimą suaugus, neprilygstama drąsa menininkas, kuris pirmenybę teikė nesaugiam nepriklausomo meistro gyvenimui, o ne žeminančiai despoto-bajoro tarnybai.

Groti muzikos instrumentais ir kurti M. išmokė jo tėvas smuikininkas ir kompozitorius L. Mocartas. Nuo 4 metų M. grojo klavesinu, o nuo 5-6 metų pradėjo kurti (8-9 metų amžiaus M. sukūrė pirmąsias simfonijas, o 10-11 metų – pirmuosius kūrinius muzikinis teatras). 1762 m. M. su seserimi pianiste Maria Anna pradėjo gastroles Vokietijoje, Austrijoje, vėliau Prancūzijoje, Anglijoje ir Šveicarijoje.

1769-77 dirbo akompaniatoriumi, 1779-81 vargonininku Zalcburgo kunigaikščio arkivyskupo dvare. Po operos „Idomenėjas, Kretos karalius“ pastatymo Miunchene (1781 m.) M. išsiskyrė su arkivyskupu ir apsigyveno Vienoje, užsidirbdamas pragyvenimui iš pamokų ir akademijų (koncertų). Nuo 1787 m. pabaigos M. buvo kamerinis muzikantas imperatoriaus Juozapo II dvare, atsakingas už šokių kūrimą maskaradams.

Gyvenimo sunkumai, poreikiai ir ligos priartino tragišką kompozitoriaus gyvenimo pabaigą, jis mirė nesulaukęs 36 metų ir buvo palaidotas bendrame kape.

Mocarto kūryba – XVIII amžiaus muzikinė viršūnė, Apšvietos epochos sumanymas. M. muzikai toks pat būdingas azartas ir aistra, kaip ir ištvermė, valia, aukšta organizuotumas. M. muzika išlaiko galantiško stiliaus grakštumą ir švelnumą, tačiau šio stiliaus manieringumas įveikiamas, ypač brandžiuose kūriniuose. M. kūrybinė mintis orientuota į gilią dvasinio pasaulio raišką, į tikrą tikrovės įvairovės atspindį. M. muzika vienoda jėga perteikia gyvenimo pilnatvės jausmą, buvimo džiaugsmą – ir neteisingos visuomenės santvarkos priespaudą išgyvenančio ir aistringai laimės, džiaugsmo siekiančio žmogaus kančią. Sielvartas dažnai pasiekia tragediją, tačiau vyrauja aiški, harmoninga, gyvenimą patvirtinanti struktūra.

Operoje Mocartas retai naudojo mitologinius siužetus ir kreipėsi į literatūros šaltinius. Juose jis sujungė dramatiškus ir komiškus principus. Tai jo operos „Figaro vedybos“ pagal Bramarche pjesę „Don Džovanis“. Opera-pasaka „Stebuklinga fleita“ sulaukė didžiulės sėkmės (deja, kompozitoriui neatnešė nė cento).

Mocarto sakralinės muzikos viršūnė buvo „Requiem“ (1791), choro, solistų ir simfoninio orkestro kūrinys. Kūrinio leitmotyvas – kenčiančio žmogaus likimas, laukiantis griežto Dievo teismo.

Su nuostabia dramatine galia jis chore atskleidžia „ Dies irae » mirties ir sunaikinimo paveikslai, kontrastuojami su malda ir jaudinančiomis dejonėmis. Lyrinė „Requiem“ kulminacija buvo „ Lacrimosa “ Mirtinai sergantis Mocartas nespėjo baigti šio kūrinio. Remdamasis eskizais, jį užbaigė vienas iš jo mokinių.

Liudvikas van Bethovenas

Bethoveno kūryba persmelkta revoliucinio herojiškumo, aukštų idėjų ir įvaizdžių, kupina dramos ir didžiulės emocinės galios. „Per kovą – į pergalę“ – tokia yra pagrindinė mintis, įtikinama, viską nugalinčia galia Trečiojoje („Herojiškoje“) ir Penktojoje simfonijose.

Puikaus vokiečių kompozitoriaus kūriniuose slypi aukštas humanizmas, tikroji demokratija, didvyriška didybė, neišsenkantys dvasiniai turtai, išmintis ir žmogiškumas. Perteikti savo mintis ir jausmus jis vis rasdavo naujų išraiškos priemonių, transformuotų ir praturtintų tradicinius muzikos žanrus. Tikras novatorius, nepalenkiamas kovotojas, jis įkūnijo drąsias ideologines koncepcijas stebėtinai paprastoje, aiškioje, plačiausiems klausytojų ratams suprantamoje muzikoje. Keičiasi eros ir kartos, tačiau nemirtinga Bethoveno muzika vis dar jaudina ir džiugina žmonių širdis.

Vienos klasika į pasaulinę muzikos istoriją pateko kaip pagrindiniai reformatoriai. Jų kūryba ne tik unikali pati savaime, bet ir vertinga, nes nulėmė tolesnę muzikinio teatro, žanrų, stilių ir judesių raidą. Jų kūriniai padėjo pagrindą tai, kas dabar laikoma klasikine muzika.

Bendrosios epochos charakteristikos

Šiuos autorius vienija tai, kad jie kūrė dviejų pagrindinių kultūros ir istorijos epochų sandūroje: klasicizmo ir romantizmo. Vienos klasika gyveno pereinamuoju laikotarpiu, kai buvo aktyviai ieškoma naujų formų ne tik muzikoje, bet ir grožinėje literatūroje, tapyboje, architektūroje. Visa tai didele dalimi lėmė jų veiklos kryptį ir raštų problematiką. XVIII – XIX amžiaus pirmoji pusė pasižymėjo rimtais politiniais sukrėtimais, karais, kurie tiesiogine to žodžio prasme apvertė Europos žemėlapį aukštyn kojomis ir stipriai paveikė šiuolaikinės inteligentijos bei išsilavinusių visuomenės sluoksnių protus. Vienos klasika nebuvo išimtis. Pavyzdžiui, gerai žinomas faktas, kad Napoleono karai padarė didelę įtaką Bethoveno kūrybai, kuris savo garsiojoje 9-ojoje simfonijoje („Choras“) perteikė visuotinės vienybės ir taikos idėją. Tai buvo savotiškas atsakas į visus kataklizmus, sukrėtusius Europos žemyną tuo metu, kurį svarstome.

Kultūrinis gyvenimas

Vienos klasika gyveno laikotarpiu, kai barokas nublanko į antrą planą, o nauja kryptis pradėjo vaidinti pagrindinį vaidmenį. Siekta formų harmonijos, kompozicijos vienybės, todėl atsisakė didingų ankstesnės eros formų. Klasicizmas pradėjo lemti daugelio Europos valstybių kultūrinę išvaizdą. Tačiau kartu jau tada buvo tendencija įveikti griežtas šio judėjimo formas ir kurti galingus kūrinius su dramos ir net tragedijos elementais. Tai buvo pirmieji romantizmo atsiradimo ženklai, nulėmę viso XIX a. kultūros raidą.

Operos reforma

Vienos klasika suvaidino lemiamą vaidmenį visų nagrinėjamo laikotarpio muzikos žanrų raidoje. Kiekvienas iš jų, galima sakyti, specializuojasi bet kuriame stiliuje ar muzikinėje formoje, tačiau visi jų pasiekimai buvo įtraukti į pasaulio muzikos aukso fondą. Gluckas (kompozitorius) buvo didžiausias ir vienas žymiausių savo laikų autorių. Sunku pervertinti jo vaidmenį teatro raidoje: juk būtent jis suteikė operos žanrui išbaigtą pavidalą, kokį jį žinome dabar. Christopherio Glucko nuopelnas yra tas, kad jis pirmasis nutolo nuo operos, kaip vokalinių gebėjimų demonstravimo kūrinio, supratimo, tačiau muzikinį principą pajungė dramaturgijai.

Reikšmė

Gluckas yra kompozitorius, kuris operą pavertė tikru spektakliu. Jo kūriniuose, kaip ir jo pasekėjų darbuose, vokalas pradėjo daugiausia priklausyti nuo žodžio. Siužetas ir kompozicija, o svarbiausia – drama, pradėjo lemti muzikinės linijos raidą. Taigi opera nustojo būti išskirtinai pramoginiu žanru, o virto rimta muzikine kūryba su sudėtinga dramaturgija, psichologiniu požiūriu įdomiais personažais ir žavia kompozicija.

Kompozitoriaus kūriniai

Vienos klasikinė mokykla sudarė viso pasaulio muzikinio teatro pagrindą. Didelė dalis nuopelnų už tai tenka Gluckui. Jo opera „Orfėjas ir Euridikė“ tapo šio žanro proveržiu. Jame autorius sutelkė dėmesį ne į spektaklio virtuoziškumą, o į personažų dramatiškumą, kurio dėka kūrinys įgavo tokį skambesį ir yra atliekamas iki šiol. Kita opera „Alceste“ taip pat buvo naujas žodis pasaulio muzikoje. Austrų kompozitorius vėl sutelkė dėmesį į siužetinės linijos plėtrą, kurios dėka kūrinys gavo galingą psichologinį atspalvį. Kūrinys vis dar atliekamas geriausiose pasaulio scenose, o tai rodo, kad Glucko atlikta operos žanro reforma turėjo esminės reikšmės viso muzikinio teatro raidai ir nulėmė tolesnę operos raidą šia kryptimi.

Kitas vystymosi etapas

Austrų kompozitorius Haydnas taip pat priklauso garsiajai autorių galaktikai, svariai prisidėjusiai prie muzikos žanrų reformos. Jis geriausiai žinomas kaip simfonijų ir kvartetų kūrėjas. Jų dėka maestro sulaukė didelio populiarumo ne tik Vidurio Europos šalyse, bet ir už jų sienų. Plačiausiai žinomi jo kūriniai, įtraukti į pasaulinį repertuarą pavadinimu „Dvylika Londono simfonijų“. Jie išsiskiria optimizmo ir linksmumo jausmu, kuris vis dėlto būdingas beveik visiems šio kompozitoriaus kūriniams.

Kūrybiškumo bruožai

Būdingas Josepho Haydno kūrinių bruožas buvo jų ryšys su folkloru. Kompozitoriaus kūryboje dažnai galima išgirsti dainų ir šokių motyvus, dėl kurių jo kūryba buvo tokia atpažįstama. Tai atspindėjo autoriaus pasaulėžiūrą, kuri daugiausia mėgdžiojo Mocartą, laikydamas jį geriausiu kompozitoriumi pasaulyje. Iš jo jis pasiskolino džiugias, lengvas melodijas, dėl kurių jo kūriniai buvo neįprastai išraiškingi ir ryškaus skambesio.

Kiti autorės darbai

Haydno operos nėra tokios populiarios kaip jo kvartetai ir simfonijos. Nepaisant to, šis muzikinis žanras austrų kompozitoriaus kūryboje užima svarbią vietą, todėl reikėtų paminėti nemažai jo tokio pobūdžio kūrinių, juolab kad tai yra pastebimas jo kūrybinės biografijos etapas. Viena iš jo operų pavadinta „Vaistininkas“ ir buvo parašyta naujojo teatro atidarymui. Haydnas taip pat sukūrė dar keletą tokio pobūdžio kūrinių naujiems teatro pastatams. Jis daugiausia rašė italų operos buffa stiliumi ir kartais derino komiškus ir dramatiškus elementus.

Žymiausi kūriniai

Haydno kvartetai pelnytai vadinami pasaulio klasikinės muzikos perlu. Juose susijungia pagrindiniai kompozitoriaus principai: formos elegancija, atlikimo virtuoziškumas, optimistiškas skambesys, teminė įvairovė ir originalus atlikimo būdas. Vienas garsiausių ciklų vadinamas „rusišku“, nes jis skirtas carevičiui Pavelui Petrovičiui, būsimam Rusijos imperatoriui Pauliui I. Kita kvartetų grupė skirta Prūsijos karaliui. Šios kompozicijos buvo parašytos naujai, nes išsiskyrė nepaprastu skambesio lankstumu ir gausybe kontrastingų muzikinių atspalvių. Būtent su šio tipo muzikos žanru kompozitoriaus vardas įgijo pasaulinę reikšmę. Čia reikia pažymėti, kad autorius savo kūriniuose dažnai griebdavosi vadinamųjų „siurprizų“, atlikdamas netikėtas muzikines pasažas ten, kur publika mažiausiai to tikėjosi. Haydno „Vaikų simfonija“ yra vienas iš šių neįprastų kūrinių.

Bendrosios Mocarto kūrybos charakteristikos

Tai vienas garsiausių muzikos autorių, iki šiol sulaukęs nepaprasto populiarumo tarp klasikos gerbėjų ir mėgstamas visame pasaulyje. Jo darbų sėkmė paaiškinama tuo, kad jie išsiskiria logine harmonija ir išbaigtumu. Šiuo atžvilgiu daugelis tyrinėtojų jo darbus priskiria klasicizmo erai. Tačiau kiti mano, kad Vienos kompozitorius tapo romantizmo pranašu: juk jo kūryboje jau buvo ryški tendencija vaizduoti stiprius, nepaprastus įvaizdžius, taip pat gilus psichologinis personažų tyrimas (šiame kalbame apie operą). atvejis). Kad ir kaip būtų, maestro darbai išsiskiria gilumu ir kartu nepaprastu suvokimo lengvumu, dramatiškumu ir optimizmu. Jie lengvi ir visiems prieinami, bet kartu labai rimti ir filosofiški savo turiniu ir skambesiu. Būtent tai yra jo sėkmės reiškinys.

Kompozitoriaus operos

Vienos klasikinė mokykla suvaidino lemiamą vaidmenį plėtojant operos žanrą. Didelis nuopelnas už tai priklauso Mocartui. Pagal jo muziką statomi spektakliai iki šiol itin populiarūs ir mėgstami ne tik tikrų melomanų, bet ir masinės publikos. Galbūt tai yra vienintelis kompozitorius, kurio muzika vienaip ar kitaip žinoma visiems, net jei jie turi miglotą supratimą apie jo kūrybą.

Ko gero, garsiausia opera yra „Figaro vedybos“. Tai bene linksmiausias ir kartu neįprastai juokingas autorės kūrinys. Beveik kiekvienoje dalyje girdimas humoras, todėl jis toks populiarus. Garsioji pagrindinio veikėjo arija jau kitą dieną tapo tikru hitu. Mocarto muzika – ryški, žaisminga, žaisminga, bet kartu neįprastai išmintinga savo paprastumu – iškart pelnė visuotinę meilę ir pripažinimą.

Kita garsi autoriaus opera – „Don Džovanis“. Populiarumu jis gal ir nenusileidžia minėtajam: šio spektaklio pastatymų galima pamatyti ir mūsų laikais. Svarbu tai, kad kompozitorius gana sudėtingą šio žmogaus istoriją pateikė labai paprastai ir kartu rimtai, tuo dar kartą parodydamas gilų jo gyvenimo supratimą. Tuo genijus sugebėjo parodyti tiek dramatiškus, tiek optimistinius komponentus, kurie visuose jo darbuose yra neatsiejamai susiję vienas su kitu.

Šiais laikais ne mažiau žinoma ir opera „Stebuklinga fleita“. Mocarto muzika savo ekspresyvumu pasiekė apogėjų. Šiame kūrinyje jis lengvas, erdvus, linksmas ir kartu neįprastai rimtas, todėl belieka stebėtis, kaip autoriui pavyko tokiais paprastais, harmoningais garsais perteikti ištisą filosofinę sistemą. Žinomos ir kitos kompozitoriaus operos, pavyzdžiui, šiais laikais galima periodiškai išgirsti „La Clemenza di Titus“ tiek teatro, tiek koncertiniuose spektakliuose. Taigi operos žanras užėmė vieną iš pagrindinių vietų genialaus kompozitoriaus kūryboje.

Atrinkti darbai

Kompozitorius dirbo įvairiomis kryptimis ir sukūrė daugybę muzikos kūrinių. Pavyzdžiui, Mocartas, kurio „Nakties serenada“ jau seniai peržengė koncertinių pasirodymų ribas ir tapo plačiai žinomas, parašė labai paprasta ir prieinama kalba. Galbūt todėl jis dažnai vadinamas harmonijos genijumi. Net ir tragiškuose kūriniuose buvo vilties motyvas. „Requiem“ išsakė savo mintis apie geresnį gyvenimą ateityje, kad, nepaisant tragiško muzikos tono, kūrinys paliktų nušvitusios ramybės pojūtį.

Mocarto koncertas taip pat išsiskiria harmoninga harmonija ir loginiu išbaigtumu. Visos dalys pajungtos vienai temai ir jas vienija bendras motyvas, duodantis toną visam kūriniui. Todėl jo muzika klausoma vienu įkvėpimu. Šio tipo žanre įkūnyti pagrindiniai kompozitoriaus kūrybos principai: darnus garsų ir partijų derinys, ryškus ir kartu virtuoziškas orkestro skambesys. Niekas kitas negalėjo taip harmoningai susisteminti jo muzikinės kūrybos kaip Mocartas. Kompozitoriaus „Nakties serenada“ yra savotiškas etalonas harmoningam skirtingų garsų dalių derinimui. Linksmos ir skambios ištraukos labai ritmingai užleidžia vietą vos girdimoms virtuoziškoms partijoms.

Atskirai reikėtų paminėti autoriaus mišias. Jie jo kūryboje užima svarbią vietą ir, kaip ir kiti kūriniai, persmelkti šviesios vilties ir nušvitusio džiaugsmo. Taip pat verta paminėti garsųjį „Turkish Rondo“, kuris peržengė koncertinių pasirodymų ribas, todėl dažnai jį galima išgirsti net televizijos reklamose. Tačiau didžiausias harmonijos pojūtis, ko gero, slypi Mocarto koncerte, kuriame loginio užbaigtumo principas pasiekė aukščiausią laipsnį.

Trumpai apie Bethoveno kūrybą

Šis kompozitorius visiškai priklauso romantizmo dominavimo erai. Jei Johanas Amadeusas Mocartas stovi tarsi ant klasicizmo ir naujos krypties slenksčio, tai Ludwigas Van Bethovenas savo kūriniuose visiškai perėjo prie stiprių aistrų, galingų jausmų ir nepaprastų asmenybių vaizdavimo. Jis tapo bene ryškiausiu romantizmo atstovu. Reikšminga, kad, kreipdamasis į dramatiškas, tragiškas temas, jis parašė tik vieną operą. Pagrindinis žanras jam liko simfonijos ir sonatos. Jam priskiriamas šių kūrinių reformavimas, kaip savo laiku Gluckas reformavo operos spektaklį.

Ryškus kompozitoriaus kūrybos bruožas buvo tai, kad pagrindinė jo kūrinių tema buvo galingos, titaniškos individo valios įvaizdis, kuris didžiulėmis valios pastangomis įveikia sunkumus ir visas kliūtis. L. V. Bethovenas savo kompozicijose taip pat daug vietos skyrė kovos ir konfrontacijos temai, visuotinės vienybės motyvui.

Kai kurie biografiniai faktai

Jis buvo kilęs iš muzikantų šeimos. Jo tėvas norėjo, kad berniukas taptų garsiu kompozitoriumi, todėl su juo dirbo gana atšiauriais metodais. Galbūt todėl vaikas iš prigimties užaugo niūrus ir griežtas, o tai vėliau paveikė jo kūrybiškumą. Bethovenas dirbo ir gyveno Vienoje, kur mokėsi pas Haydną, tačiau šios studijos labai greitai nuvylė ir studentą, ir dėstytoją. Pastarasis atkreipė dėmesį į tai, kad jaunojoje autorėje vyravo gana niūrūs motyvai, o tai tuo metu nebuvo priimta.

Beethoveno biografija trumpai pasakoja ir apie jo aistros išsivadavimo kovai laikotarpį. Iš pradžių Napoleono karus jis sutiko entuziastingai, bet vėliau, kai Bonapartas pasiskelbė imperatoriumi, atsisakė minties jo garbei parašyti simfoniją. 1796 metais Liudvikas pradėjo netekti klausos. Tačiau tai nenutraukė jo kūrybinės veiklos. Jau visiškai kurčias parašė savo garsiąją 9-ąją simfoniją, kuri tapo tikru pasaulio muzikinio repertuaro šedevru. (trumpai apie tai kalbėti neįmanoma) taip pat yra informacijos apie maestro draugystę su iškiliais savo meto žmonėmis. Nepaisant santūraus ir atšiauraus charakterio, kompozitorius draugavo su Weberiu, Goethe ir kitais klasicizmo eros veikėjais.

Žymiausi kūriniai

Aukščiau jau buvo pasakyta, kad būdingas L. V. Bethoveno kūrybos bruožas buvo noras pavaizduoti stiprius, emocingus personažus, aistrų kova ir sunkumų įveikimas. Iš šio žanro kūrinių išsiskiria „Appassionata“, kuri jausmų ir emocijų intensyvumu yra bene viena galingiausių. Paklaustas kompozitoriaus apie jos sukūrimo idėją, jis rėmėsi Šekspyro pjese „Audra“, kuri, anot jo, buvo įkvėpimo šaltinis. Autorius išvedė paralelę tarp titaniškų impulsų dramaturgo kūryboje motyvų ir jo muzikinės šios temos interpretacijos.

Vienas populiariausių autoriaus kūrinių – „Mėnesienos sonata“, kuri, priešingai, persmelkta harmonijos ir ramybės jausmo, tarsi kontrastuojanti su dramatiška jo simfonijų melodija. Reikšminga, kad patį pavadinimą šiam kūriniui davė kompozitoriaus amžininkai, galbūt todėl, kad muzika priminė jūros mirgėjimą ramią naktį. Tokios asociacijos kilo daugumai klausytojų klausantis šios sonatos. Ne mažiau, o gal net populiaresnė yra garsioji kompozicija „Für Eliza“, kurią kompozitorius skyrė Rusijos imperatoriaus Aleksandro I žmonai Elizavetai Aleksejevnai (Luizai). Šis kūrinys stebina nuostabiu lengvų motyvų ir rimtų dramatiškų pasažų deriniu viduryje. Ypatingą vietą maestro kūryboje užima vienintelė jo opera „Fidelio“ (iš italų kalbos išvertus „ištikimasis“). Šis kūrinys, kaip ir daugelis kitų, persmelktas meilės laisvei patoso ir kvietimo į laisvę. „Fidelio“ vis dar nepalieka vedėjų scenos, nors opera pripažinimo, kaip beveik visada, sulaukė ne iš karto.

Devintoji simfonija

Šis kūrinys bene garsiausias iš kitų kompozitoriaus kūrinių. Ji buvo parašyta likus trejiems metams iki jo mirties, 1824 m. Devintoji simfonija užbaigia ilgą ir daugelį metų trukusį kompozitoriaus siekį sukurti tobulą simfoninį kūrinį. Jis skiriasi nuo visų ankstesnių tuo, kad, pirma, įvedė chorinę partiją (garsiajai F. Šilerio „Odei džiaugsmui“), antra, joje kompozitorius reformavo simfoninio žanro struktūrą. Per kiekvieną kūrinio dalį palaipsniui atskleidžiama pagrindinė tema. Simfonijos pradžia gana niūri ir sunki, tačiau ir tada nuskamba tolimas susitaikymo ir nušvitimo motyvas, kuris stiprėja tobulėjant muzikinei kompozicijai. Galiausiai pačioje pabaigoje suskamba gana galingas chorinis vokalas, kviečiantis visus pasaulio žmones vienytis. Taigi kompozitorius dar labiau pabrėžė pagrindinę savo kūrinio idėją. Norėjosi, kad mintys būtų išreikštos kuo aiškiau, todėl neapsiribojo vien muzika, bet supažindino ir su dainininkų pasirodymu. Simfonija sulaukė stulbinančios sėkmės: pirmojo pasirodymo metu publika kompozitoriui plojo. Reikšminga, kad L. V. Bethovenas ją sukūrė jau būdamas visiškai kurčias.

Vienos mokyklos reikšmė

Gluckas, Haydnas, Mocartas, Bethovenas tapo klasikinės muzikos pradininkais, padariusiais didžiulę įtaką visai vėlesnei ne tik Europos, bet ir pasaulio muzikos istorijai. Vargu ar galima pervertinti šių kompozitorių svarbą ir indėlį į muzikinio teatro reformą. Dirbdami įvairiais žanrais, jie kūrė kūrinių stuburą ir formą, kuria remdamiesi jų pasekėjai kūrė naujus kūrinius. Daugelis jų kūrinių jau seniai peržengė koncertinių pasirodymų ribas ir yra plačiai girdimi filmuose bei televizijoje. „Turkish Rondo“, „Moonlight Sonata“ ir daugelis kitų šių autorių kūrinių yra žinomi ne tik melomanams, bet ir tiems, kurie nėra artimai susipažinę su klasikine muzika. Daugelis tyrinėtojų visiškai pagrįstai Vienos klasikos raidos etapą vadina lemiamu muzikos istorijoje, nes būtent šiuo laikotarpiu buvo nustatyti pagrindiniai operų, simfonijų, sonatų ir kvartetų kūrimo ir rašymo principai.