Balladigenren piirteet ja sen kehitys 1700-1800-luvun eurooppalaisessa kirjallisuudessa. Balladin genre

Termi "balladi" tulee provencelaisesta sanasta ja tarkoittaa "tanssilaulua". Balladit syntyivät keskiajalla. Alkuperänsä perusteella balladit liittyvät perinteisiin, kansanlegendaan ja yhdistävät tarinan ja laulun piirteitä. Englannissa oli 1300- ja 1400-luvuilla monia balladeja kansansankarista nimeltä Robin Hood.

Balladi on yksi sentimentaalismin ja romantiikan runouden päälajeista. Maailma balladeissa näyttää salaperäiseltä ja arvoitukselliselta. Niissä on kirkkaita sankareita ja selkeästi määritellyt hahmot.

Genren luoja kirjallinen balladi tuli Robert Burns (1759-1796). Hänen runoutensa perustana oli suullinen kansantaide.

Ihminen on aina kirjallisten balladien keskipisteessä, mutta 1800-luvun runoilijat, jotka valitsivat tämän genren, tiesivät, että ihmisvoimat eivät aina tarjoa mahdollisuutta vastata kaikkiin kysymyksiin ja tulla kohtalonsa ehdottomaksi herraksi. Siksi kirjalliset balladit ovat usein juoniruno kohtalosta, esimerkiksi saksalaisen runoilijan Johann Wolfgang Goethen balladi "Metsäkuningas".

Venäläisen balladiperinteen loi Vasily Andreevich Zhukovsky, joka kirjoitti molemmat alkuperäiset balladit ("Svetlana", "Eolian Harp", "Achilles" ja muut) ja käänsi Burgerin, Schillerin, Goethen, Uhlandin, Southeyn, Walter Scottin. Yhteensä Zhukovsky kirjoitti yli 40 balladia.

Aleksanteri Sergeevich Pushkin loi sellaisia balladeja kuin "Profeetallisen Olegin laulu", "Sulhanen", "Pukkunut mies", "Korppi lentää korpin luo", "Eli kerran köyhä ritari..." . Hänen syklinsä "Länsislaavien lauluja" voidaan myös luokitella balladigenreksi.

Mihail Jurjevitš Lermontovilla on balladeja. Tämä on Seydlitzin "The Sea Princess" "ilmalaiva".

Aleksei Konstantinovitš Tolstoi käytti myös balladigenreä teoksessaan. Hän kutsuu balladejaan teemoihinsa alkuperäisistä antiikin eeposista ("Aljosha Popovich", "Ilja Muromets", "Sadko" ja muut).

A. A. Fet, K. K. Sluchevsky, V. Ya Bryusov käyttivät tätä termiä vapaammin balladeiksi. "Kokeiluissaan" Bryusov, puhuessaan balladista, osoittaa vain kahta hänen perinteisen lyyrisen eeppisen tyyppistä balladia: "Berthan sieppaus" ja "Ennustaminen".

Vl. Soloviev jätti useita koomisia balladiparodioita ("The Mysterious Sexton", "The Autumn Walk of Knight Ralph" ja muut)

Myrskyisän 1900-luvun tapahtumat herättivät jälleen henkiin kirjallisten balladien genren. E. Bagritskyn balladi "Vesimeloni", vaikka se ei kerro tarinaa vallankumouksen myrskyisistä tapahtumista, syntyi juuri vallankumouksesta, sen ajan romanssista.

Balladin ominaisuudet genrenä:

juonen läsnäolo (on huipentuma, alku ja loppu)

yhdistelmä todellista ja fantastista

romanttinen (epätavallinen) maisema

mysteeri motiivi

juoni voidaan korvata dialogilla

lyhyys

lyyristen ja eeppisten periaatteiden yhdistelmä

Tavoitteet (opettajalle):

1. Luo edellytykset balladin piirteiden tunnistamiselle analyyttisen lukemisen kautta lyyrisen eeppisenä genrenä;

2. Opeta lapsia käyttämään metakieltä tekstin analysoinnissa;

3. Jatka ekspressiivisten lukutekniikoiden parissa työskentelemistä;

Tavoitteet (lapsille):

1. Ymmärrä analyyttisen lukemisen kautta, mikä balladi on lyyrisenä genrenä;

2. Hallitse balladien ominaisuudet ja tyypit;

3. Toista teoreettisia ja kirjallisia käsitteitä: eepos, sanoitukset, epigrafi, partituuri ja muut;

Ladata:

Esikatselu:

Kirjallisuustunti 6. luokalla aiheesta "Balladi lyyrisenä eeppisenä genrenä ja sen ominaisuudet".

Tavoitteet (opettajalle):

Luoda olosuhteet balladin piirteiden tunnistamiselle analyyttisen lukemisen kautta lyyrisen eeppisenä genrenä;
Opeta lapsia käyttämään metakieltä tekstin analysoinnissa;
Jatka ilmeikkäiden lukutekniikoiden parissa työskentelemistä;
Kehitä oppimisriippumattomuutta, aktiivista lukuasentoa;

Tavoitteet (lapsille):

Ymmärrä analyyttisen lukemisen avulla, mikä balladi on lyyrisenä tyylilajina;
Hallitse balladien ominaisuudet ja tyypit;
Tarkastele teoreettisia ja kirjallisia käsitteitä: eepos, sanoitukset, epigrafi, partituuri ja muut;

Tuntien aikana.

Tavoitteiden asettaminen.

Opettajan sana:

Rakkaat kaverit! Tänään oppitunnilla tutustumme hämmästyttävään, ainutlaatuiseen ja erittäin mielenkiintoiseen kirjallisuuden genreen nimeltä balladi.

Mitä tiedetään? (Ei mitään). Mitä mielenkiintoisempaa keskustelusta tulee.

Joten katsotaanpa, mitä tavoitteita meillä on tänään saavutettava?

II. Esikommunikaatio.

Työskentely epigrafin kanssa.

Kiinnitä huomiota tauluun, nämä ovat epigrafioita, joita valmistelin oppitunnille tänään.

(Oppilas lukee) Arvokkaita legendoja pimeältä antiikin ajalta...

M.Yu. Lermontov.

Ja kohtalokkaita intohimoja on kaikkialla...

KUTEN. Pushkin.

Mikä on epigrafi? Mitä varten se on? Kuinka nämä epigrafit auttavat meitä ymmärtämään balladin?

Mitä voimme sanoa tästä genrestä, luottaen vain epigrafiin, tietämättä mitään balladista?

(Antiikin genre; tunteellinen.)

Opettajan sana

Itse termi "balladi" on hyvin ikivanha, ja se syntyi ensimmäisten lyyristen teosten kanssa keskiajan ankarina aikoina. Käännettynä tämä termi tarkoitti "tanssilaulua". Kansantarinoiden kertojat loivat balladeja legendojen ja myyttien, muinaisten kirjailijoiden teosten ja tositapahtumien perusteella.

Mikä epigrafi heijastaa juuri kuulemaasi? (Ensimmäinen)

Ja toinen? (Mysteeri)

No, tänään sinun on ratkaistava tämä arvoitus itse.

III. Kommunikaatiokykyinen.

Keskustelu

Lue aihe huolellisesti. Luuletko, että meidän on helppo aloittaa keskustelu?

Ovatko kaikki ehdot selvät? Löytääkö ne sanat (sanat), jotka voivat olla sinulle ainakin jotenkin ymmärrettäviä tai tuttuja? (Lyroeeppinen)

Mistä tutuista sanoista koko termi koostuu?

lyro eepos

Mitä tämä muistuttaa sinua?

(kaksi kirjallista sukupuolta)

lyriikat eeppisiä

(tunteet, tunteet) (juoni, sankari)

Voidaanko nyt, kun tiedät näiden kahden sanan merkityksen, sanoa, mitä lyroeepos tarkoittaa? Työskentele pareittain ja muotoile konsepti itsenäisesti.

Kuka on valmis tekemään johtopäätöksen? (Joidenkin opiskelijoiden vastaukset muiden lasten lisäyksineen ja korjauksin)

Ensimmäinen tulos.

Niin: Lyyriset ja eeppiset genret ovat teoksia, joissa yhdistyvät lyyrisyys (emotionaalisuus) ja eeppisyys (juonen sisältö).

Avataan vihkot, kirjoitetaan aihe, sanasto: lyriikka-eeppiset genret.

Oppilaat kirjoittavat määritelmän muistiin itse, kaksi henkilöä ilmaisee sen uudelleen hallitakseen ja tarkistavat sitten itsensä taululle tai tietokoneelle ilmestyvään opettajan muistiinpanoon.

Siirrytään eteenpäin. Nyt luen teille kansanlyyrisen balladin "Korppi lentää korppiin..." Lukemisen jälkeen keskustellaan yhdessä teoksesta, korostetaan piirteitä, mutta nyt (lukemiseni aikana) teidän tehtävänne on sovittaa teoksen partituuri. balladi.

Muistetaan, mitä tämän eteen on tehtävä, mitä meidän tulisi muistaa?

b) loogiset jännitykset;

c) tauot, taukojen puuttuminen;

d) välimerkit.

Havainnon paljastaminen.

Piditkö?

Mitä tunteita runo herätti? Millaisia tunteita ja assosiaatioita sinulla oli? Millä yhdellä sanalla kuvailisit tätä työtä? (Suru, sääli.)

Ovatko kaikki sanat selvät?

Sanastotyötä diassa. Lapset lukevat.

Rakita - pajuperheen puu tai pensas, joka kasvaa yleensä jokien rannoilla.

Vierailla

1. Vieraile jonkun luona, jota et ole nähnyt pitkään aikaan, josta et tiedä mitään pitkään aikaan. Esimerkiksi: sukulaisten luona.

2. Ota selvää huhujen avulla.

Esimerkiksi: Tarkista ystäväsi saapuminen?

Missä mielessä sanaa "vierailla" käytetään tässä?

Kiinnitä huomiota siihen, mihin tyyliin tämä sana kuuluu (puhekielessä)

Muistetaan tämä, sitten palataan asiaan.

Mitä näimme tässä balladissa eeposesta ja sanoituksesta (tunteet havainnoissa)

Onko juoni (tapahtuma)? Mikä?

Mistä balladissa on kyse? (Sankari tapetaan.)

Mistä tiedämme tämän?

(Korppi varistelee dialogissa.)

Mitä on dialogi?

Mikä paikka dialogilla on balladissa?

Kuinka monta nelikkoa teoksessa on?

Kuinka monta heistä on varattu vuoropuheluun?

Joten mikä sinun mielestäsi on dialogin merkitys?

Opiskelijat tekevät johtopäätökset:

Dialogissa opimme tapahtumasta, se on juonen perusta, siitä

saamme selville mitä sankareille tapahtui.

Tehdään johtopäätös (dialogi on balladin perusta; juoni kehittyy siinä)

Todellakin, kaverit, balladin dialogi on juonen perusta! Juoni pohjimmiltaan näyttää korvautuvan dialogilla, joka kehittää sitä. Tästä ominaispiirteestä tunnistamme balladin.

6) - Päätapahtuma on siis tiedossa.

Kuka tietää tästä tapahtumasta? (Filly, haukka, emäntä)

Eikö sinua haittaa mikään?

Minusta tuntuu, että on outo sarja todistajia?

Miksi minulla on tämä tunne?

Lue viimeinen neliö uudelleen! (Emäntä tietää.)

Missä? Ketä me sitten odotamme?

Keskustelu. Kuka on eri mieltä, kuka ajattelee toisin?

Ketä kohtaan hän sympatiaa? Tuomitseeko hän jotakuta?

Miten hän välittää tunteitaan meille?

Mitä tarkoittaa taiteellista ilmaisua Hän

Käyttääkö hän sitä? Mihin tarkoitukseen? (Anafora, syntaktinen rinnakkaisuus, inversio, dialogi (ja tässä sana puhekieleen)).

Mikä on teoksen idea?

Keskustelu. Johtopäätös.

Idea:

Ajatuksena on, pojat, että elämässä on tragediaa joka käänteessä.

Mikä on sankarien tragedia?

A). Murha on tehty, ihminen on tapettu. Ihmiset ovat rikkoneet Jumalan lakia "älä tapa".

B). Omistaja on luultavasti syyllinen, mutta hänen tragediansa piilee myös siinä, että hän antautuessaan intohimoilleen pakotetaan tekemään tämä, muuten hän ei voi olla rakkaansa kanssa!

SISÄÄN). Tragedia on, että molemmat osapuolet ovat oikeassa (ja rakastajatarilla on oikeus onnellisuuteen, ja hänen kanssaan naimisiin menneellä on oikeus elämään, ja joskus ei ole ulospääsyä).

Mutta palataanpa ominaisuuksiimme.

Voitko mainita toisen balladin piirteen?

Muista, mikä sai sinut keskustelemaan tästä pienestä työstä niin tarmokkaasti (ymmärtämättömyys, mysteeri)

Voimmeko sanoa, että ymmärrämme täysin kaiken? Ymmärsitkö tapahtumat?

Mihin tämä liittyy? (salaisuuden kanssa)

Niin Todellakin, balladissa on aina tietty salaisuus, siksi juoni rakentuu paljastukseksi, tietyn salaisuuden tunnistamiseksi, joka, vaikka se jääkin teoksen ulkopuolelle, aina kiehtoo lukijaa, pitää hänet jännityksessä, saa hänet huolestumaan. , huolehdi, ajattele.

Ja tämä on toinen balladin ominaisuus.

Tiesitkö, että balladilla genrenä on useita lajikkeita.

Missä ja milloin puhuimme jo genren monimuotoisuudesta? (tarina, novelli, 5. luokka)

Muistatko mitä lajityyppejä tunnet? (Rakkaus, humoristinen, fantasia, seikkailu, historiallinen, sosiaalinen, arkipäivä jne.)

Otetaan nyt selvää, minkä tyyppisiä genrejä balladilla on.

Koulutettujen lasten esitys.

Luettuamme opettajan ehdottaman työn, analysoimalla hahmojen otsikon, juonen ja toiminnan, tulimme siihen tulokseen, että balladi on seuraavan tyyppisiä:

Sankarillinen

Historiallinen

Rakkaus

Taika

Koominen

Ja tämä on balladin neljäs ominaisuus. En tehnyt varausta siitä, mitkä ovat 1., 2. ja 3.

Kuka muistaa? Tehdään yhteenvetoTarkastetaan huomiosi.

Muotoile balladin kaikki ominaisuudet!

Kuka on tarkkaavaisempi? Ja kuka lisää, väittää, selventää?

Joten kirjoita kaikki 4 ominaisuutta muistikirjaasi.

A). Eeppisen ja lyyrisen piirteet yhdistyvät.

B). Dialogi on balladin perusta, se kehittää juonetta.

SISÄÄN). Mysteeri on juonen perusta.

G). On olemassa erilaisia tyyppejä.

Kirjoita kaikki muistikirjaasi ja tarkista se dialta..

III.Postikommunikaatio

Keskustelumme päätteeksi palataan epigrafioihin. Mietitkö nyt, mikä niistä heijastaa parhaiten käsitystäsi balladista? (Toinen; molemmat)

Nyt luetaan se ilmeikkäästi, muistetaan partituuri, koko keskustelumme.

Millainen lukumuoto on parempi valita? (Roolien mukaan.)

Kuinka monta lukijaa tarvitaan? (Kolme.)

Mikä kohta on vaikein? Mitä sinun tulee muistaa sitä lukiessa.

Onko ketään kiinnostunut?

Lukeminen roolien mukaan.

Tapahtui? Kuka onnistui paremmin välittämään tilanteen dramaattisuuden lukemisessaan? Mitä neuvoja antaisit lukijoille?

Heijastus.

No, tehdään yhteenveto oppitunnista. Mistä he puhuivat? Mitä uutta opit? Olemmeko saavuttaneet oppituntimme tavoitteet? Oletko saanut selville kaiken? Tai ehkä sinulla on vielä kysymyksiä minulle? Ehkä jokin on epäselvää?

(Mikä on balladi?)

Kotitehtävät.

Tietysti tein tämän tarkoituksella, juuri siksi, että olen itsevarma tämän päivän jälkeen. Tällä oppitunnilla voit itse määritellä termin balladi.

Tämä on kotitehtäväsi.

a) Avaa päiväkirjasi ja kirjoita ne muistiin!

Kirjallisen balladin luoja oli Robert Burns (1759-1796). Hänen runoutensa perustana oli suullinen kansantaide.

Aleksanteri Sergeevich Pushkin loi balladeja kuten "Profeetallisen Olegin laulu", "Sulhanen", "Pukkunut mies", "Korppi lentää korpin luo", "Olipa kerran köyhä ritari..." . Hänen syklinsä "Länsislaavien lauluja" voidaan myös luokitella balladigenreksi.

Mihail Jurjevitš Lermontovilla on balladeja. Tämä on Seydlitzin "The Sea Princess" "ilmalaiva".

Vl. Soloviev jätti useita koomisia balladiparodioita ("The Mysterious Sexton", "The Autumn Walk of Knight Ralph" ja muut).

Balladin ominaisuudet genrenä:

juonen läsnäolo (on huipentuma, alku ja loppu)

yhdistelmä todellista ja fantastista

romanttinen (epätavallinen) maisema

mysteeri motiivi

juoni voidaan korvata dialogilla

lyhyys

lyyristen ja eeppisten periaatteiden yhdistelmä

Balladi: genren historia ja piirteet

Balladi- lyyr-eeppinen runollinen teos, jolla on voimakas historiallinen tai arkipäiväinen juoni, jossa käytetään usein teemoja ja hahmoja myytteistä.
Termi "balladi" tulee provencelaisesta sanasta ja tarkoittaa "tanssilaulua". Balladit syntyivät keskiajalla. Alkuperänsä perusteella balladit liittyvät perinteisiin, kansanlegendaan ja yhdistävät tarinan ja laulun piirteitä. Englannissa oli 1300- ja 1400-luvuilla monia balladeja kansansankarista nimeltä Robin Hood.

Kirjallisen balladin luoja oli Robert Burns (1759-1796). Hänen runoutensa perustana oli suullinen kansantaide.

Aleksanteri Sergeevich Pushkin loi sellaisia balladeja kuin "Song of profeetallinen Oleg", "sulhanen", "hukkunut mies", "korppi lentää korpin luo", "Eli kerran köyhä ritari..." Hänen syklinsä "Länsislaavien lauluja" voidaan myös luokitella balladigenreksi. .

Mihail Jurjevitš Lermontovilla on balladeja. Tämä on Seydlitzin "The Sea Princess" "ilmalaiva".

Vl. Soloviev jätti useita koomisia balladiparodioita ("The Mysterious Sexton", "The Autumn Walk of Knight Ralph" ja muut)

Balladin ominaisuudet genrenä:

juonen läsnäolo (on huipentuma, alku ja loppu)

yhdistelmä todellista ja fantastista

romanttinen (epätavallinen) maisema

mysteeri motiivi

juoni voidaan korvata dialogilla

lyhyys

lyyristen ja eeppisten periaatteiden yhdistelmä

Balladigenre, jolla oli tärkeä rooli romanttisen estetiikan muodostumisessa, on toistuvasti herättänyt tutkijoiden huomion. Romantismin aikakaudella genrepotentiaalinsa täysin toteutuneen balladin genrespesifisyyden ymmärtäminen ei kuitenkaan ole vielä tyhjentävää, sanoo S.I. Ermolenko ja sanoo, että "balladi-ilmiötä" ei voi ymmärtää palaamatta baladin alkuperään. genre, sen synty - kansanballadi, joka tunnetaan kaikille Euroopan kansoille.

Tutkijat määrittelevät venäläisten kansanballadien sisällön ja patoksen eri tavalla. Putilov B.N. sanoo teoksessaan "Slaavilainen historiallinen balladi", että kansanballadi on traagista taidetta, joka heijastaa niitä puolia keskiajan ihmisen maailmankuvasta, jotka liittyivät hänen tietoisuuteensa "traagisesta häiriöstä, katkeruudesta ja ongelmista". elämä"2.

Tätä ajatusta jatkaa S.I. Ermolenko sanoen, että kansanballadissa keskitytään yksilölliseen ihmisen kohtaloon, joka on otettu sen odottamattoman, äkillisen, traagisin seurauksin, tiettyjen tapahtumien (yhteiskunnallis-julkinen, historiallinen tai perhe -arkipäivän) aiheuttaman murron hetkellä. ne), mutta ne menivät varmasti henkilökohtaisten suhteiden prisman läpi.

Samanaikaisesti kaikki genren tutkijat ovat yhtä mieltä siitä, että ennen omaisuutta fiktiota, balladi on erikoisessa kehityksessä kansanperinteen genrenä, joka on laajalti edustettuna eri Euroopan kansojen keskuudessa.

Kirjalliseen kirjallisuuteen siirtynyt se on edelleen joustava ja ilmaisuvoimainen genre pitkään. Jaksojen määrä lisääntyy, sävellys monimutkaistuu, säe venyy (sellaisia ovat Charles of Orleansin, Villonin, Deschampsin, Machautin balladit). 1600- ja 1700-luvuilla se unohtui, balladi käytännössä lakkasi olemasta kirjallisuuden genre, koska siihen aikaan hallitseva klassistinen estetiikka ei tarvinnut tällaista genremuotoa.

Romantismin kehittyminen herätti kiinnostusta kansanballadeja kohtaan eurooppalaiset maat koulutetussa yleisössä heräävän kiinnostuksen historiaa ja ihmisten menneisyyttä kohtaan. Romanttiset runoilijat keräävät ja julkaisevat kansanballadikokoelmia (erityisen kuuluisia ovat Arnimin ja Brentanon "Pojan taikasarve" ja Uhlandin kokoelma Saksassa). Useimmissa julkaisuissa balladeja yhdistettiin muihin kappaleisiin, mikä johti vankan ymmärryksen menettämiseen balladigenren olemuksesta.

Myös kirjallisen balladin elpyminen alkaa useita vuosikymmeniä ennen 1800-luvun alkua. Uudet esitysperiaatteet, erityiset juonentörmäykset ja epätavallisia sankareita(vahvojen intohimojen kantajat) - muotoutuivat teoksissaan ja ennustivat romantiikan taiteellista löytöä. Tällä tiellä 1700- ja 1800-luvun alun venäläinen runous osoittautui valmiiksi ottamaan vastaan kehittyneemmän ja aikaisemman saksalaisen ja englantilaisen kirjallisen balladin perinteen.

”Romantiikkaa koko sen kehityksen saattajana balladi ”uusimman” venäläisen runouden genrenä muodostuu lopulta tämän suunnan puitteissa esiin nousevan romanttisen estetiikan pohjalta, ja siitä tulee yhdessä elegian ja sitten lyyrisen runon kanssa yksi. romantiikan tyypillisimpiä genremuotoja." Ja balladin genrespesifisyyden ymmärtäminen oli samalla tämän genremuodon luovaa hallintaa ja sen muuntamista, joiden toteuttaminen liittyy mielessämme ensisijaisesti V. A. Žukovskin nimeen, joka toimi mm. balladigenren uudistaja 1800-luvun alussa.

Siirrytään balladigenren pääpiirteisiin. S.I. Ermolenko määrittelee teoksensa "Lermontovin sanoitukset: Genreprosessit" balladin genren sen läsnäolon yhteydessä Lermontovin teoksessa. Hän kääntyy kansanballadien historiaan ja paljastaa sen pääpiirteet:

Baladeissa keskitytään yksilölliseen ihmisen kohtaloon (tätä käsiteltiin edellä), jota tarkastellaan traagisena hetkenä, odottamattoman, rajun muutoksen hetkenä, joka johtuu mistä tahansa syystä, tapahtumasta (useimmiten sosiaalisista, historiallisista tai perhekohtaisista), " mutta väistämättä kulkenut henkilökohtaisten suhteiden prisman läpi”;

Sankari kohtaa elämässään ratkaisemattomia ristiriitoja. Hänet esitetään heikkona olentona, joka ei kykene aktiiviseen taisteluun "ja päättäväiseen vastustukseen, mutta houkutteleva moraalisuudessaan ja jonkinlaisessa lapsellisessa epävarmuudessaan";

Traagisen lopputuloksen ennaltamäärääminen paljastaa balladeissa törmäyksiä ja ristiriitoja, joihin vastoin tahtoaan jonkun todella kohtalokkaan voiman vetämänä sankarit vedetään, tietyn kohtalokkaan merkityksen;

Perhe- ja arkidraaman, sosiaalisen eriarvoisuuden, vankeuden - vapauden puutteen jne. luonteenomaisen balladisten tilanteiden takaa nousee korkeampi ja ikuinen taso, jolle kansanballadi vetoaa pyrkien pelkistämään erilaisia elämän konflikteja ja törmäyksiä kaikkein yleisimpiin, yleiset, muuttumattomat vastakkainasettelut: rakkaus - viha, hyvä - paha, elämä - kuolema;

Toinen tärkeä ominaisuus kansanballadin genre - motivoimaton paha. Kuten S.I. Ermolenko kirjoittaa: "Pahuus kansanballadissa ei johdu mistään, sillä ei ole syitä, ja silti se tapahtuu jonkinlaisella synkällä väistämättömyydellä."

Siten ihminen on salaperäisten voimien vallassa, jotka hallitsevat hänen kohtaloaan - kohtalon vallassa;

Tästä syntyy balladi-kaksoismaailma: todellinen maailma, todellinen ja epätodellinen, toisaalta, johon yhteys tuntuu erityisen jännittyneinä hetkinä.

Balladimaailman organisoiva keskus, sen eeppinen perusta, on tapahtuma, jossa mystisten, ihmiselle kohtalokkaiden voimien toiminta paljastuu.

Balladihahmojen paljastaminen tapahtuu ilman kirjoittajan suoraa väliintuloa, hänen arvioita, itse toimintaprosessissa.

Balladilyriikka on siis tulosta tietyn eeppisen tapahtuman vaikutuksesta aiheeseen, balladimaailman löytämisen kokevan sielun reaktioon. Balladitapahtuman irtautuminen havainnoivasta subjektista synnyttää lyyrisen kokemuksen, joka ei ole identtinen - kokemus, - osallistumisen kanssa. Balladissa on erilainen lyyrisyys: ihminen tuntui pysähtyvän hänelle odottamatta avautuneen balladimaailman kuvan edessä ja jähmettyi hämmästyneenä näkemästään, joutuessaan kosketuksiin olemassaolon mystisen salaisuuden kanssa.

Artikkelissa "Romanttisen balladin genre 1800-luvun ensimmäisen kolmanneksen estetiikassa" S.I. Ermolenko erottaa kirjallisten balladien esimerkkiä käyttäen eeppisen ja lyyrisen balladilaadun ja kääntyy myös kategoriaan. balladeissa ihmeellisestä ja tekee seuraavat johtopäätökset: balladi - lyyrinen - eeppinen genre, mutta genren rakennetta ei määritä eepos (tapahtuma), vaikka ilman sitä ei ole balladia, vaan se mikä liittyy sen lyyrisiin ominaisuuksiin : balladitapahtuman "ymmärtäminen", "käsitys", suhtautuminen siihen; Myös balladin ihmeiden luokka on tärkeä. Ihmeellinen ei paljastuu vain eeppisessä, ihmeellisenä tapahtumana tai tapahtumana, vaan myös balladin emotionaalisen vaikutuksen ilmiö lukijaan liittyy ihmeeseen. Ihmeellistä ei ole vain fantastinen, yliluonnollinen, vaan ylipäätään kaikki mikä on poikkeuksellista, epätavallista ja joka ei sovi arjen ideoiden kehykseen.

L.N. Dushina käsittelee käsitteen "ihana" paljastamista balladissa artikkelissa "Ihanomaisen rooli ensimmäisten venäläisten balladien poetiikassa", "ihana" osoittautui yhdeksi niistä periaatteista, joissa venäläinen 1700-1800-luvun vaihteen balladi löysi uuden, romanttisen sisältönsä, uuden, romanttisen runouden piirteet. Tämä salaperäinen, upea, laajalti balladijuoniin sisältyvä, auttoi erottamaan romanssin ja balladin, jotka siihen asti pidettiin yhtenä kokonaisuutena, eriyttämättömänä. Tämän vahvistavat myös 1800-luvun alun teoreettisten tutkimusten kirjoittajat (N. Grech, N. Ostolopov, A. Merzljakov), jotka määrittelevät ihmeen tietyksi voimaksi, joka johtaa balladin pois tavanomaisesta, perinteisestä romanssin laulupoetiikasta. uuteen, "romanttiseen" kerrontatyyppiin.

T.I. Silman analysoi 4 Goethe-balladia: "Metsäkuningas", "Villiruusu", "Nakhodka", "Toukokuun laulu", tarkastelee "liikettä runouden napasta toiseen" - balladista lyyriseen runoon. Meille tässä on tärkeää Silmanin määritelmä balladimuodosta, balladin pääpiirteistä. Vertailemalla näitä teoksia kirjoittaja tekee balladista seuraavat johtopäätökset:

Balladi kuvaa tapahtumia ja ihmisten välisiä suhteita objektiivisesti ja niiden luonnollisessa peräkkäisessä kehityksessä ( lyyrinen runo korvaa tämän luonnollisen tosiasiasarjan heidän sisäisen kokemuksensa logiikalla);

Kertomusmateriaalin tunnearvioinnin hetki balladissa on äärimmäisen neutraloitunut, koska se ilmenee vain epäsuorasti, pääasiassa tunnereaktioiden kautta. hahmoja, kun taas lyyrisessä runossa koko esitys on tunteiden läpäisemä - runoilijasta, lyyrisesta sankarista, lähtöisin oleva arvioiva elementti;

Balladin esittämisen objektiivisuuden illuusion yhteydessä syntyy toinen illuusio - tekijän (ja lukijan) suora, etäinen läsnäolo kuvattujen tapahtumien aikana, koska kirjoittaja seuraa niitä arvioimatta alusta loppuun, yleistämättä. tai arvioimalla niitä omasta puolestaan, ikään kuin "ei olisi aikaa tehdä tätä (Sillä välin lyyrisessä runossa kuvattujen tosiasioiden, ilmiöiden, suhteiden jatkuvan emotionaalisen arvioinnin ansiosta lyyrisen sankarin materiaalista etääntymisen vaikutus todellisuus luodaan);

Tämä johtaa erilaiseen aikaperspektiiviin molemmissa genreissä: balladi näyttää tapahtuvan ja siitä kertovan samanaikaisuuden illuusion vuoksi kokonaan nykymuodossa (itse asiassa balladin eeppiset osat ovat useimmiten esitetään preteriitissä; vain dramaattiset kohtaukset annetaan nykymuodossa). Lyyrisessä runossa kaikki ajat näyttävät olevan "siirretty pois" kuvan hetkestä;

Silman sanoo, että kerronnallisessa osassaan balladi, kuten mikä tahansa todella eeppinen teos, raportoi ihmisistä ja tapahtumista olemassa olevina ja kehittyvinä objektiivisesti, ilman väliintuloa ja jopa ilman suoraa tekijän arviointia. Lisäksi Silman kiinnittää huomiomme siihen, että vaikka sen volyymi ei ole liian suuri, balladin tulee sisältää sekä lyhyt kuvaus että viesti toiminnan kehittymisestä ja näyttää hahmojen kehitystä heidän kohtalokkaan törmäyksen hetkellä. , ja lopuksi raportti lopputuloksesta, enimmäkseen traagisesta (balladin tulisi kuitenkin pysyä runona, kehittymättä runoksi).

"Eksoottista romantiikkaa, sitoutumista "kaukaisten vaeltajien museoon", taistelun estetisointia, vaaraa, riskiä ja teatraalisesti rohkeaa askelta, jonka traagisesti maksoi ensimmäisen Acmeistin kohtalo, vuokrasivat enemmän tai vähemmän lahjakkaat sisäisesti hävinneen totalitaarisen romanssin kantajat. : N. Tikhonovista ja V. Lugovskysta K. Simonoviin ja A. Surkoviin" - tämä on tämän tunnustetun kirjallisuuskriitikon mielipide, mutta meillä ei ole oikeutta arvioida kategorisesti sen tarkkuutta tai epätarkkuutta, koska se heijastaa tärkeää ajatusta: mikään kirjallisuudessa ei ilmesty tyhjästä eikä jätä jälkeä mihinkään katoa. Mutta olisi väärin lukea neuvostorunoilijoiden balladien synty kokonaan vain N. Gumiljovin vaikutukseksi. Uusi aikakausi, uusi aika tuo oman soundinsa tuttuun romanttiseen genreen.

Maamme voimakkaiden shokkien aikakaudella - sisällissodalla - balladigenre herää jälleen henkiin. Pääansio tässä kuuluu Tikhonoville, joka loi sankarillisen balladin genren. Tämä on vauhdikas tarina saavutuksesta yhteisen asian hyväksi. Hänen työnsä liittyy suoraan sisällissodan yleiseen teemaan, sankareihin, juoniin, kuviollinen rakenne vertaavat itseään mielellään historialliseen viitepisteeseen "1918-1921". Täällä on tietoinen suuntautuminen ideoihin rohkeasta, urhoollisesta ja oikeudenmukaisesta sankarista, hänen kuolevaisesta kaksintaistelusta vihollisen kanssa, jotka ovat jo pitkään jääneet kansalliseen tietoisuuteen lukuisista ajatuksista. romanttisia teoksia menneestä. Hänen balladinsa sisältävät lausunnon vallankumouksellisten urotekojen ankarasta urheudesta, uhrautumisesta ja velvollisuudenmukaisuuden kultista.

Tässä on tärkeää huomata, että toisen maailmansodan aikakauden balladit ovat suurelta osin peräisin neuvostovaltion muodostumisen balladeista. Siirrytään nyt suoraan toisen maailmansodan balladeihin. Kuzmichev I.K. kiinnittää huomiomme siihen, että sotavuosien balladit eroavat lukijalle tutuista romanttisista tai kansanballadeista.

Ensinnäkin venäläinen balladi toisesta maailmansodasta ei ole vain kerronnallinen runo, vaan sankarillinen tarina tavallisten Neuvostoliiton ihmisten hyökkäyksistä.

Toiseksi, tämän ajan sankarillisten balladien pääsisältö ei ole antiikin legendat, eivät menneisyyden legendat, vaan neuvostokansan todellinen taistelu. Balladien sankarit ovat kirjoittajien aikalaisia. Juoni on heijastus oikea elämä välittömissä muodoissaan. Tästä syystä sodanaikainen balladi on tästä näkökulmasta uusi ilmiö. Vanhan tyypin balladi yleensä, eepos erityisesti, oli aina käännetty menneisyyteen ja ruokittu puolilegendaarisilla tai fantastisilla juoneilla.

Kolmanneksi 1800-luvun vanhojen romanttisten balladien yksinäinen sankari korvataan kansansankarilla. Runoilijat korostavat kaikin mahdollisin tavoin, että kansan saavutus liittyy kansalliseen taisteluun ja tehtiin kansan nimissä.

Lisäksi kirjoittaja puhuu ei niin merkittävästä, mutta silti tärkeitä eroja sota-ajan balladeja, kuten: sommittelun yksinkertaisuus, realistinen luonne (Kuzmitšev huomauttaa, että runoilijat balladeissaan välttelevät tietoisesti tosiasiallista totuutta ja pyrkivät toistamaan yleistettyjä hahmoja dramaattisimmissa, mutta ei suinkaan fantastisissa ja poikkeuksellisissa olosuhteissa), hahmojen määrä on pieni - yksi -kaksi, tarinalinjojen määrä on vähennetty minimiin; useimmiten balladi rakennetaan yhdelle tarina liittyy yhteen jaksoon. Lopuksi, ominaispiirre on se, että genren erityispiirteistä johtuen ihmiset on kuvattu balladissa yleisellä ja yksipuolisella tavalla, lähinnä heidän sankaritekojensa ilmentymisen näkökulmasta.

Suuren isänmaallisen sodan teema ei mene minnekään 50-luvun runoilijoiden teoksista.

Kirjallisuuden "kokonaisuus" koostuu yksittäisistä elämäkerroista, ja nämä "henkilökohtaiset panokset" ovat arvokkaita omalla tavallaan. Mutta samalla käy ilmi, että henkilökohtaiset, ainutlaatuiset löydöt korreloivat keskenään ja muodostavat monivärisen, mutta silti yhtenäisen kuvan kirjallisesta prosessista. Näemme selvästi, kuinka aika itse astuu kirjoihin, taiteilijoiden kohtaloihin, kuinka he vuorostaan rikastuttavat elämää omilla kuvillaan äärettömän monipuolisen henkilökohtaisen luovan kokemuksen vaikutuksesta. Etusukupolven runoilijoiden polut ovat tästä esimerkki.

On mahdotonta olla huomaamatta niitä erityisolosuhteita, joissa tuon sukupolven runoilijat ovat jo kehittymässä Rauhallista aikaa, mutta muistaa menneen Suuren isänmaallisen sodan. "Tässä tarvitaan kärsivällisyyttä, keskittymistä ja psykologista valppautta, jotta voidaan tunkeutua arjen tosiasioiden ulompaan kerrokseen ja tunnistaa niiden syvä jännitys", kirjoittaa I. Grinberg. Tästä syystä tarve järkeillä, kääntyä menneisyyteen, muistoihin. "Syntyy luottamus siihen, että muisti ei ole vain "sekoitus, aiemmin nähtyjen maiden ja ihmisten siirtymä", vaan myös "paluu ja korvaus peruuttamattomasti menetetyistä päivistä." Runoilijat alkavat pohtia kysymystä: opettiko sota jotain , antoiko se jotain ihmiselle. Siksi he eivät pelkää katsoa tulevaisuuteen. "Huomenissa" "puhuvat selkeästi uudistetun menneisyyden motiivit, joka on saanut oikeuden tulla osaksi tulevia töitä ja saavutuksia."

Näin sanoo I. Grinberg tutkimuksessaan tuosta ajasta ja 50-luvun runoilijasukupolvesta: "Nämä ovat arvoja, joita nuori runoudemme pyrkii ajattelemaan, tuntemaan ja toimimaan. Runollinen sana tarvitsee kognition etsivää intensiteettiä; se ei ole voimakasta tosiasioiden pinnallisen kuvauksen, vaan aikamme tarpeiden ja saavutusten laajan saavuttamisen kautta. Ja nuorten runoilijoiden runot todella jatkavat edeltäjiensä aloittamaa liikettä tuoden siihen omaa, uutta, uutuutta, joka on syntynyt vuosien kulusta, tapahtumista, inhimillisistä asioista ja motiiveista." Ja myös muistoja menneestä - haluaisin lisätä.

Siksi runoilijat kääntyvät balladigenren puoleen. 50-luvulla ja 60-luvun alussa itse balladin käsite yhdistettiin useammin ”erityiseen semantiikan ja juonen sopimukseen kuin terävään juoneeseen. Tämä johtuu pikemminkin lyyrisen kuin eeppisen kerrontaperiaatteen aktivoitumisesta." Tämä heijastaa tuolloin hallitsevien lyyrisen runouden, oodin ja elegian genrejä (esimerkkeinä tällaisista balladeista voidaan pitää V. Lugovskyn kirjaa "Sininen kevät"). Balladin jännitys ja dynaamisuus ovat antaneet paljon runoudellemme. "Ainutlaatuisen liikuttavaa on säe, joka yhdistää runoilijan mielentilan tiiviisti, tiiviisti, erottamattomasti muiden ihmisten kohtaloihin, historiallisiin saavutuksiin - säe, jossa tunne valtaa juonen ja juoni tunteeseen."

Ei ole mikään salaisuus, että maassamme "sulamisen" aikana vakiintui mielipide kirjallisuuden ja erityisesti runouden roolin merkityksestä ja välttämättömyydestä yhteiskunnan elämässä. Balladi ei tietenkään herätä niin paljon kriittistä huomiota kuin lyriikka, oodi ja elgia ("yhteiskunnallista järjestystä" vastaava), mutta joistakin artikkeleista löytyy rohkaisua runoilijoille kääntymään tämän genren puoleen. Nykyaikaiset tutkijat yhdistävät tämän lyyriseen epismiin ja balladin juoneeseen, joka vaikutti elonomaisuuteen (kirjallisuuden päävaatimus) ja toimi siksi "todellisuuden runollisen hallinnan" onnistumisen takeena. ”Ensinnäkin kannustettiin balladeja, jotka olivat suuntautuneet 1920-luvun traditioon (silloin balladi koki uudistumista ja nopeaa kukintaa), eikä ole sattumaa, että runoilijoiden mielessä 20-luku liittyy tähän genreen (Tihonovin balladit). ). Toisaalta samaan aikaan lehden suuntauksen mukaisesti " Uusi maailma”Taipumus kieltää balladissa sovinto on kehittymässä, mutta sen hylkääminen johtaa balladin hylkäämiseen yleensä, se muuttuu runolliseksi tarinaksi, esseeksi, reportaasiksi. Esimerkkinä tästä ovat B. Slutskyn runot, jotka Greenberg tieteellisessä työssään "Three Facets of Lyrics: the Existence of the Ode, Ballad, Elegia in moderni maailma"pitää ja tulkitsee niitä balladeina.

60-luvun puolivälistä 70-luvulle kirjallisessa tietoisuudessa tapahtui muutos. Runoutta aletaan ymmärtää ei "oratorisena toimintakutsuna", vaan "tunnustuksena, keinona muistuttaa ihmisiä korkeimmasta hengellisestä, moraaliarvot"(S. Chuprin). Kysymys jatkuvuudesta, perinteistä, jotka ulottuvat syvälle Venäjän historiaan, kansallisen moraalin alkuperään, nousee esiin. "...tältä osin syntyy vaatimus "kansalliselle" balladille, joka voi koostua balladien arvioinnista kansallisten teemojen ja kysymysten ilmentämisen onnistumisen näkökulmasta tai balladien tekijöiden kutsumisesta venäläisten puoleen. kansanperinteet" Vastaamalla ensimmäiseen kansallisia teemoja ja ongelmia koskevaan pyyntöön runoilijat vahvistavat balladin filosofista periaatetta ja tuovat sen edelleen lähemmäksi elegioita. Useat tutkijat ovat havainneet pyrkimyksen yhdistää näitä genrejä. Syiksi tähän voidaan kutsua ensinnäkin sitä, että venäläisen runouden balladi ja elegia kukoisti 1800-luvun alussa, romantiikan alaisuudessa, Žukovskin teoksessa. Toiseksi, ne paljastavat yhtäläisyyksiä semanttisella tasolla (kaikki samasta esiintymisen samanaikaisuuden syystä) - useimmiten suositeltava aika tapahtumalle on ilta, kuu tapahtumien ja kokemusten osallistujana jne. Elegia ja sen lähentyminen avasi balladille mahdollisuuden syventää ja laajentaa ideologista ja esteettistä aluetta. Esimerkki tämäntyyppisestä balladista on V. Sokolovin "Novoarbatskaya Ballad".

Kummallista kyllä, ehdotukseen kääntyä venäläisten kansanballadien perinteiden puoleen löytyy vastauksia. Chumachenko V.K. tutkiessaan 70-80-luvun sanoituksia hän tulee siihen tulokseen, että Yu. Kuznetsovin runoudessa loistava esimerkki kansanballadiperinnettä ovat "Balladi poistuneista" ja "Atomic Tale". Nämä balladit ovat lähellä vertausta, ja niiden juoni on pääasiassa perhe- ja arkiaiheisia.

Niinpä balladi on 60-70-luvulla olemassa erityispiirteiden leimaamana genrenä, joka ei ole keskeisessä asemassa kirjallisessa prosessissa, mutta ei lakkaa osallistumasta siihen, reagoi virtauksen muutoksiin ja tulos, kehittyy.

Aiheiden ja balladien monimuotoisuus ei jätä suurta isänmaallista sotaa pois heidän näkyvistään, runoilijat viittaavat siihen edelleen teoksissaan. N.L. Leiderman sanoo, että kirjallisuus suuresta isänmaallisesta sodasta "...syntyi kirjaimellisesti 22. kesäkuuta 1941 ja tuo edelleen äänensä meille. Nyt on täysin selvää, että isänmaallista sotaa käsittelevä kirjallisuus muodostaa voimakkaimman ja lahjakkaimman kerroksen venäläisen kirjallisuuden historiassa viimeisen seitsemänkymmenen vuoden aikana. Sodan muisto on ruokkinut kirjailijoiden ja runoilijoiden luovuutta viime vuosina.

Kuusikymmentäluvun sukupolven runoilijat tuovat menneisyyttä runoihinsa ymmärtääkseen paremmin nykypäivää, valaistakseen sen syntymisen syitä ja olosuhteita ja samalla vahvistaakseen arvokkaimpia ja elinkelpoisimpia perinteitä.

Miten 40-, 50-, 60-70-luvun runoilijat muuttavat balladi sodasta, mikä näitä teoksia yhdistää, miten ne ovat läheisiä ja miten ne eroavat toisistaan - näitä kysymyksiä käsittelemme tämän teoksen seuraavissa luvuissa.

V. Lifshits kirjoitti "Balladinsa vanhentuneesta kappaleesta" vuonna 1942.

Sota on täydessä vauhdissa, sen lopputulos on kaikkea muuta kuin ilmeinen. Siksi pääominaisuus toisen maailmansodan fiktio - isänmaallinen paatos ja yleinen saavutettavuus - vahvistetaan täällä täysin (ei ole mikään salaisuus, että tämä balladi oli erittäin suosittu sodan aikana).

”The Ballad of a Stale Piece” on lyyris-eeppinen teos. Se perustuu juoneen, se on erittäin ilmaistu, täydellinen ja ymmärrettävä. Tarina luutnantista, joka vahingossa päätyy kotikaupunkiinsa - Leningradiin, näkee kotinsa, päättää pysähtyä, ja hänen poikansa tapaa hänet siellä. Luutnantti ojentaa pojalleen annoksensa - ummehtunutta leipää - ainoaa mitä hän voi antaa pojalle. Sankari näkee vaimonsa...Mutta hänen on mentävä pidemmälle, he odottavat edessä. Sotilas sanoo hyvästit perheelleen. Ja jo tiellä hän löytää taskustaan palan vanhentunutta leipää, jonka hän äskettäin antoi pojalleen. Osoittautuu, että poika, nähdessään äitinsä olevan sairas, tuo hänelle palan leipää isänsä huomaamatta, ja vaimo puolestaan palauttaa ruuan miehelleen.

Koko balladi kuulostaa vilpittömältä, säälittävältä, rohkealta, selkeältä, yksinkertaiselta - siltä, miltä kaiken kansan tukemiseen vaikean sodan aikana tähtäävän kirjallisuuden kuuluu kuulostaa.

Monet sanovat: mitä runous tässä tarkalleen on? Kaikki edellä lueteltu pätee myös muihin teksteihin. Mutta tämä on juuri sanat: jokainen balladin kuva on syvästi psykologinen, vaikkakaan ei yksilöllinen, mutta ansaitsee huomion nimenomaan tavallisuutensa vuoksi (hän on kuin kaikki ihmiset, mutta tämä on tärkeää). Lisäksi huomiota herättää myös balladin koko: lumoava tetrametrinen anapesti, joka usein hajoaa kahden jalan anapaestiksi (tämä koko näkyy myös Balmontissa). Eli melodialtaan tämä balladi kuulostaa melodiselta, lause on pääosin naispuolinen - mikä lisää balladin melodisuutta entisestään.

Tässä teoksessa voidaan jäljittää kaiken näkevän, kaiken tietävän kohtalon motiivi. Tästä johtuu konflikti - ihmisen ja kohtalon törmäys, ihmisen kohtalon kuva.

Kaksi ensimmäistä säkeistöä näyttävät "esittävän" meidät pääjuonteeseen. Ensimmäinen säkeistö on kuva liikkuvasta koneesta - kolmen tonnin kuorma-autosta, joka kuljettaa "ihanaa" lastia (epiteetti) - ruokaa rintaman sotilaille. Tämä autokuva näyttää olevan toisesta maailmasta, jotain epätavallista, epämaista: väylät ovat "autioituja", intensiivisen hiljaisia, mutta kolmen tonnin kuorma-auto jyrisee "korovaaraan äänekkäästi" rikkoen tämän ahdistavan hiljaisuuden. Auto jyrisee "paholaisseoksesta". Tämä metafora saa sinut ajattelemaan: se näyttäisi olevan arkipäiväinen tosiasia, mutta siitä riippuu satojen ihmisten, sotilaiden kohtalo - kirjailija koskettaa yleismaailmallista inhimillistä ongelmaa - pääseekö auto sinne sellaisella "paholaisen" sekoitus"?

Seuraavaksi tulee kuva kuljettajasta, joka on jäätynyt ohjauspyörään ja hiljainen, kuten kaikki kadut, avenue. Mutta tämä ei tarkoita, että hän olisi "kuollut". Hän "kiroaa säätä" - kylmää, lunta, tuulta, kylmää, koska hän ymmärtää, kuinka tärkeää on tuoda sotilaille ruokaa kaikesta huolimatta. Se on ennen kaikkea sään kiroaminen - muista ihmisistä huolehtiminen, kyky tuntea - toinen yleinen ongelma, johon Lifshitz kosketti.

Kolmannessa säkeistössä näkyy päähenkilö balladit - nuori luutnantti. Emme löydä hänestä muotokuvaa, mutta hänen ainoa ulkoinen piirteensä kiinnittää huomiota - hänen laihtumisensa. "Hän näytti nälkäiseltä linnulta" on metafora, joka luonnehtii päähenkilöä (näemme samanlaisen metaforan myöhemmin seitsemännessä säkeistössä, kun luutnantin poika esiintyy ensimmäisen kerran).

Sotilas ei huomaa vieressään istuvaa kuorma-autonkuljettajaa - taas tuonpuoleisuuden motiivi: "rekka vaelsi toiselle planeetalle" - joten se, että auto täynnä ruokaa, täynnä elämälle tärkeää lastia, ei halua kytkeytyä mielessään ajaa täysin autiota, sukupuuttoon kuollutta ja jäätynyttä katua pitkin.

Neljännessä säkeistössä ”toinen maailmallisuus” haihtuu ja haalistuu taustalle. Maailmanlaajuinen kuva sodasta ilmestyy - tulipalon vahingoittama talo. Täällä oleva talo on "elävä", persoonallinen, se tunsi sodan kauhun (tulipalon) ja siksi "askelee" kohti vain "väriseviä" - eläviä, etsiviä auton ajovaloja. Siten toinen maailma tulee kohtaamaan "rauhallisen" kuorma-auton, joka kuljettaa elämää ihmisille - kotiin, tulisijaan, lämpöön. Maailma voi avautua maailmalle, ilmestyä ilman pelkoa.

Ja ajovalojen lämpimän, "värisevän" valon läpi lumi ei ole enää niin vahvaa, pakkanen ei ole niin kauhea, kun näet talon, jossa elämä vaatii rauhaa maan päällä. Lunta verrataan jauhoihin, ruokaan - alliteraatio on tärkeä, kylläisyyden tunne saavutetaan toistamalla "l", "n" ("tasaisesti, hitaasti"). Sana "hitaasti" puhuu puolestaan - kiirehtimättä minnekään, pelkäämättä mitään, ilman pelkoa, eli hitauden ja kylläisyyden tunne saavutetaan syntaktisella tasolla.

Mutta kirjoittaja keskeyttää tämän ajatuksen tauolla. Seuraava rivi kuulostaa räjähdykseltä (viides säkeistö): "Lopeta!" - tällä huudahduksella luutnantti lähtee avoimeen taisteluun kohtaloa vastaan - hän menee kotiinsa, perheensä luo. Sotilas "juoksee" portaita ylös, kiireen tunne, tapaamisen odotus.

Kuudennen säkeen sisäinen tauko saa meidät ajattelemaan sitä, mitä kirjoittaja halusi välittää: isän tuskaa, joka näkee MITÄ sota teki lapselleen. Vertailu lintuun - "varpusen kylkiluut", metafora "seitsemänvuotias vanha mies" - ja toinen kuva toisesta maailmansodasta ilmestyi meille - harmaatukkainen lapsi, mies, joka iässä 7, koki kaikki sodan kauhut aikuisten kanssa, emmekä enää uskalla kutsua häntä lapseksi... nimenomaan "vanhaksi mieheksi" - hellästi, lapsellisesti, mutta ei pikkuisena, vaan tasa-arvoisena .

Seitsemännessä säkeistössä kuulemme isän puhuvan pojalleen. Hänelle, ei niin kuin kirjoittajalle, hän ei ole "vanha mies", vaan rakas mies, "pikkupoika", hänen isänsä vaatii häneltä rehellisyyttä: "vastaa ilman petosta...". Juoni alkaa samasta säkeestä - isä ottaa taskustaan ummehtaneen leivänpalan ja antaa sen pojalleen - ainoa mitä hän voi tällä hetkellä tehdä.

Kahdeksannessa säkeessä on toinenkin kuva sodasta, piiritetty Leningrad - "turvonneet kädet peiton päällä" - nälkä ja kuolema ovat lähellä, ja turvonnut ruumis on merkki välittömästä kuolemasta. Ja sankari ymmärtää tämän: "pelkää purskahtavansa itkuun", koska hän ei voi muuttaa mitään, "hän lähestyy vaimoaan". Mutta kuoleman vastakohtana on elämä, "turvonneet kädet" ja samaan aikaan "silmät välkkyvät kuin kynttilät" (metafora). Näin ollen näemme miehen ja kohtalon välisen konfliktin luutnantin vaimon kuvassa. Kuolema on lähellä, mutta nainen elävin silmin ei halua eikä uskalla päästää sitä lähelle, varsinkin nyt kun hänen miehensä on lähellä.

Ja yhdeksännessä säkeistössä aikuinen - seitsemänvuotias poika, päättää oman kohtalostaan - antaa palan leipää sairaalle äidilleen, vastustaa kuolemaa. Tämä säkeistö kuulostaa säälittävältä, mutta se on mahdotonta muuten: isän tulee olla ylpeä lapsestaan, sen Lifshits haluaa kertoa kansalle.

Sotilas lähtee, mutta se on "Tule!" poikansa suusta hän sanoo, että he odottavat häntä aina, odottaen, kuten mikä tahansa sen ajan perhe odottaa sukulaisiaan edestä. Neljännen viimeisten rivien toisto 10. säkeessä ei ole sattumaa - muodostuu tietty rengas, jonka sisällä on lyhyt paluu kotiin, taistelu luutnantin kohtalon kanssa. Ja sitten - jatkoa auton tielle.

Mutta myös riimi muuttuu, mikä osoittaa, että tapahtuman loppu on lähestymässä. Jos kymmenes säkeistö kirjoitettiin pareittain, niin nyt se on jo ristiriimi, tempo muuttuu ja jännitys kasvaa. Ja yhdestoista säkeessä odotettu loppu: "Tunsin saman palan samassa taskussa." Mutta paluuta ei ole, pala leipää on kuin kohtalon symboli, joka teki kaiken haluamallaan tavalla, vaikka luutnantti itse sekaantui siihen. Ja jotain toivottomuutta kuuluu näissä riveissä...

Ja Lifshits selittää luutnantin vaimon toiminnan, hän "ei voinut olla toisin" - niin rationaalisesti, toisin on mahdotonta. Balladin viimeiset rivit kuulostavat rohkeilta, sankarillisilta ja säälittäviltä. Mutta tämä vaatimattomuus on perusteltu - runoilija oli lähellä kansaa, kirjoitti kansalle, ja maa tarvitsi silloin juuri tällaista kirjallisuutta.

Semjon Gudzenkon ”Ystävyyden balladissa” juoni on hyvin yksinkertainen: kahta sodan sotilasta yhdistää vahva ystävyys, mutta toinen heistä kuolee seuraavan tehtävän aikana. Ja balladin päätapahtuma on päähenkilön ystävän kuolema.

Balladi alkaa kuvauksella ystävyydestä sodassa: vahva, inspiroiva, tarpeellinen, joskus lapsellisen naiivi, mutta samalla taistelullinen.

Itse tarina kahden sotilaan tarinasta alkaa ellipsillä:

Minulla oli hyvä ystävä

Tulee vaikutelma, että tämä on vain osa tarinaa, pitkä tarina sotilaan sotilaallisesta arjesta. Ja seuraava rivi kuvaa sankarin asennetta ystäväänsä kohtaan: "Ja minä vaalin hiljaa ystävyyttä" - he vaalivat hiljaa eivätkä kerro salaisimmista asioista, vain pyhimmistä asioista, juuri siitä, mitä he eivät halua eivätkä voi jakaa. Seuraavat rivit vain täydentävät tätä kuvaa vahvasta, heleästä ystävyydestä:

Olemme ystävyytemme

Pitää huolta

Kuinka jalkaväki huolehtii

Verinen maa

Kun he vievät hänet taisteluihin.

Huomaa, että toiminta tapahtuu sodan aikana, ja tällainen säilyneen ystävyyden vertailu veriseen maahan vain vahvistaa tunteen voimaa ja vilpittömyyttä. Mutta ystävät kohtaavat kysymyksen: kumpi heistä elää?

Toisin sanoen kohtaamme jälleen konfliktin ihmisen ja hänen kohtalonsa välillä, joka on ominaista balladigenrelle. Vain se ratkaistaan ainutlaatuisella tavalla.

Huomion kiinnittää heti se, että tästä tilanteesta ei ole "ulkopuolista näkemystä". Tarinan ja hänen kokemuksensa paljastaa lyyrinen sankari itse. Todennäköisesti tämä on jopa yleistetty, niin sanotusti tyypillinen tuon ajan lyyrinen sankari - tämä tapahtui tai saattoi tapahtua kaikille, ehkä siksi balladissa ei ole muita ihmisiä; tai pikemminkin ne ovat olemassa, nämä rivit vahvistavat tämän tosiasian:

Korsussa

He kertoivat minulle...

Toiset ovat siis balladissa vain päähenkilön tietolähteenä (kuten käskyn antava kapteeni), mutta kaksi valitsee elämän tai kuoleman. Ja sellainen valinta tapahtui kaikille sodassa, minusta näyttää, siksi haluan kutsua tämän sankarin tyyppiä yleistetyksi, kollektiiviseksi. Jokainen sotilas tekee valintansa itse. Sen yhden muunnelman esittää meille S. Gudzenko balladissa. Lyyrisen sankarin epäilykset, jopa jonkinlainen itsekeskeisyys, itsensä säilyttämisen vaisto, hengissä pysymisen vaisto:

Vaikka erillään

Älkäämme olko ystäviä.

Tärkeintä on, että hän pysyy rehellisenä itselleen, omalletunnalleen, jota hän "kidutti": sankari haluaa elää. Onko tämä oikein? Ja epäitsekkäästi hän kuitenkin päättää kuolla, ja pikemminkin se ei ole edes sankarillista tässä valinnassa, vaan epätoivo: kaikki järjen perusteet osoittavat, että hänen ystävänsä on arvokkaampi pysyä hengissä:

Ja hän muistutti minua taas

Mikä odottaa hänen poikaansa Tjumenissa.

Jokainen taistelija on yksin tässä tilanteessa, ystävyys näyttää katoavan, jokainen ajattelee vain itseään...

Ja silti lyyrinen sankari lähtee jo ennustettuun kuolemaan, mutta kohtalo päättää kaiken toisin: vanhempi ystävä kuolee, joka myös päätti hyväksyä kuoleman antaakseen ystävänsä elää. Nämä rivit kuulostavat säälittävältä:

Joten se on hän

Kaikista palkinnoista

valitsin yhden -

Sotilaan rakkaus!

Ehkä jopa liian vaatimatonta, mutta kuinka muuten selittää sankarin tekoa?

Kohtalo päätti, että lyyrisen sankarin ei pitäisi kuolla, vaan hänen ystävänsä. Tämä ulkomainen voima jättää ihmisen vielä kauheampaan ja toivottomampaan tilanteeseen kuin vaikkapa Druninan balladissa. Siellä tytöt säilyttävät muistonsa, ymmärtävät, että nyt vain heillä on oikeus elää elämänsä kuolleiden puolesta, he eivät tehneet valintaa ystävyyden ja "epäystävyyden" välillä, ne, jotka selvisivät yhdessä, he eivät ole yksin.

Gudzenkossa sankari jätetään yksin, hän menettää arvokkaimman: ja tämä ei ole elämän menetys, kuten hänestä näyttää tarinan alussa, vaan ystävän menetys:

Hän ei palannut.

Ole listalla.

Mutta kenen kanssa olen?

Jaa kohtalo

Sotilaallisella riskillä?

Tämä kysymys jää avoimeksi... sankari on menettänyt arvokkaimman esineensä, hänen ystäväänsä ei voida palauttaa. Ehkä tämä on jonkinlainen rangaistus korkeampia voimia siitä, että sankari ajatteli niin sanotusti pettää ystävänsä ennen lopullista valintaa:

Halusin elää kuin helvetti -

Vaikka erillään

Älkäämme olko ystäviä.

Eräänlainen rangaistus, ilkeä hymy sankarin itsekkyydelle? Niinpä he erosivat toisistaan... mutta vain sanat "MINUA PIDETÄÄN elävänä, lasketaan listoille" kertovat paljon: sankaria pidetään vain muodollisesti elossa, mutta sielussaan ystävänsä kuoltua hän myös kuolee, hän ei tarvitse elämää ilman ystävyyttä. Tämän oppitunnin antaa hänelle kohtalo, tämä on päähenkilön tragedia. Kuolema voittaa lopulta, vain toiselle se on fyysistä ja toiselle henkistä, joka liittyy elämän tarkoituksen menettämiseen.

Yulia Drunina, runoilija, joka kävi läpi koko suuren isänmaallisen sodan, kirjoitti suuren määrän teoksia kokemuksistaan näiden neljän kauhean vuoden aikana kansallemme. Ja mitä tahansa, hänen runoutensa on valoisaa, tulevaisuuteen suuntautunutta, se näyttää olevan täynnä elämää sellaisenaan ja sen kaikissa ilmenemismuodoissa. On mahdotonta olla uskomatta hänen etulinjan runojaan - niiden aitous houkuttelee. Ajatuksia sodassa olevista ihmisistä, kuolleista sotilastovereista kuullaan jatkuvasti Druninan teoksissa. "The Ballad of the Landing" on yksi näistä kirjailijan paljastuksia.

Juoni perustuu tarinaan tytöistä - laskuvarjovarjojoista, heistä kolmen kuolemasta ja selviytyneiden kokemasta tästä menetyksestä. Koko balladi voidaan siis jakaa kahteen osaan: ennen kolmen tytön kuolemaa ja heidän kuolemansa jälkeen.

Haluan sen olevan mahdollisimman rauhallinen ja kuiva

Tarinani ikätovereistani oli...

Tältä balladin ensimmäiset rivit kuulostavat. Kirjoittaja, joka aloittaa tarinan, yrittää ehdottomasti hillitä tunteita ja muistoja, jotka tulevat takaisin. Mutta hän ei myöskään voi olla kertomatta sitä ollenkaan: hän haluaa, että kaikki kuulevat, kuulevat ja ymmärtävät tämän tarinan. Se kuulosti, mutta ei äänekkäältä, ei myrskyiseltä ja uhmakkaalta, vaan "rauhallisemmalta ja kuivemmalta". Näin kuulemme balladin: rauhallisesti, mitattuna, usein pitkillä tauoilla, pysähtyen vaikeimpiin hetkiin (kuten usein esiintyvät ellipsit rivien ja säkeistöjen lopussa osoittavat). Balladin koko, tetrametrinen amfibrach, joka vuorottelee epätäydellisen jalan bimetrin kanssa, edistää rauhallista kerrontaa. Mutta "kuivampi" - ei. Tämä teos ei ole vain fakta, tarina, joka ei ollut tuolloin harvinaista, se on jotain koettua, koettua, jotain, mikä sattuu edelleen. Siksi riippumatta siitä, minkä asenteen "kuivumiseen" kirjoittaja antaa itselleen balladin avausriveissä, hän lopulta rikkoo sen ja hyvin nopeasti seuraavassa rivissä: sankarittaret - tytöt hänelle eivät ole vain koululaisia, he ovat "laulajia, puhujia" - näissä sanoissa on aitoa hellyyttä. Mutta tämä sävelltään hellästi sisaruksellinen linja muuttuu uhkaavaksi:

Takaosa heitettiin syvään

(äänien "b", "o" tehostaminen - orkestraatiossa näkyy kuva kivusta ja väistämättömyydestä.

Toisessa säkeistössä uhan tunne tuntuu vielä vahvemmalta. Tyttöjen - koulutyttöjen - tekemä hyppy lentokoneesta on kuin ilkeä, mutta rehellinen osoitus tapahtuman väärinkäytöksestä, sen merkityksettömyydestä, koska nämä ovat tyttöjä, ja he pakotetaan miesten ohella hyppäämään laskuvarjolla:

Tammikuun jäätyneessä Krimissä

Ja tämän kylmyyden ja vieraantumisen keskellä kuuluu huuto: "Voi äiti!" Se sisältää kaiken: pelon, viimeisen hengenvedon sisään ja ulos, halun elää. Ja tämä on "Voi äiti!" Druninan itku ei ole itku, vaan "ohut uloshengitys", mutta tässä "uloshengittämisessä" on niin paljon kipua: se kuulostaa itkulta, kaikkien naisten itkulta. Näin ollen sanatila välittää tarkasti inhimillisen tunteen tämän yksityiskohdan - huudon kautta (lause "Oh, äiti!" voidaan myöhemmin nähdä R. Rozhdestvenskyssä hänen "Balladissa ilmatorjuntatykkimiehistä". Siksi näyttää siltä, että Minusta on järkevää puhua täällä jonkinlaisesta perinteestä).

Mutta myös tämän äänen peittää ja kantaa "tyhjä viheltävä pimeys". Tytöt joutuvat harmaan elottoman renkaan keskelle: heidän elämänsä, heidän äänensä, tukkii toisaalta ympäröivän maailman jäisyys ("jäähdytetty Krim") ja toisaalta "viheltävä pimeys". Eli tässä voidaan huomata hyvin erikoinen, mutta silti balladimainen kaksoismaailma, joka kehittyy tulevaisuudessa. Toisaalta - elävät, tuntevat ihmiset, toisaalta - eloton luonto, loputtomasti pelottava taivas, tyhjyys.

Kuva lentokoneen lentäjästä ei ole sattumaa. Lentäjä tuntee syyllisyyttä. Syyllisyys siitä, että hän on mies, joka tekee työtään, velvollisuuttaan ja lähettää siten tytöt kuolemaan. Osoittautuu, että koko tämän elottoman maailman joukossa ei vain tyttöjen, vaan myös tuntea ja huolestuttavan lentäjän elämä (epiteetti "valkennettu" kertoo tästä) edelleen loistaa, joka ei voi voittaa syyllisyystietoisuutta. , ei todennäköisesti edes omaansa, vaan ne, jotka lähettävät tyttöjä vihollislinjojen taakse. Drunin-yksityiskohta on tärkeä tässä - "jostain syystä", joka vahvistaa elävän sielun, lentäjän sydämen. Hän ei todellakaan työnnä tyttöjä ulos koneesta, hän ymmärtää tämän, mutta lentäjä ei pysty voittamaan tätä superhenkilökohtaista voimaa, tätä kohtalon kohtaloa, hän ei voi enää korjata mitään (tämän vastakkainasettelun ratkaisematon luonne , kysymystä tekijä korostaa ja syntaksin tasolla - ellipsit, ajatuksen keskeytys puhuu tästä).

Ja seuraavat 2 riviä ovat juonen keskipiste, huipentuma:

Ja kolme laskuvarjoa ja kolme laskuvarjoa

Ne eivät avautuneet ollenkaan sinä yönä...

Täällä kuva ihmisen kohtalon kohtalosta tulee jälleen esiin. Tytöt kuolevat. Niin kohtalo päätti. Kaksinkertainen "ja kolmen laskuvarjon" toisto on yksityiskohta tapahtuneen korjaamattomuudesta, mikä vahvistaa balladin koko soundin dramatiikkaa. Näyttää siltä, että kuolema on vaatinut veronsa - elämä on voittanut, mutta Drunina ei lopeta tarinaa tähän - jokin muu on hänelle tärkeää; Mitä? - hän kertoo meille tästä balladin toisessa osassa.

Neljäs säkeistö on vasta alkua balladin toiselle osalle, joka kertoo selviytyneiden laskuvarjojoukkojen kohtalosta. He löytävät jälleen itsensä vihamielisestä, elottomasta maailmasta - "metsän hälyttävästä autiomaasta" (metafora) - metsä, jossa on satoja ja tuhansia puita, osoittautuu heille autiomaaksi. Lisäksi metsä on ”vihamielinen”, siinä ei ole mitään elävää tai tunnettavaa. Jälleen tuntuu elävän ja kuolleen maailman raja, ja on mielenkiintoista, että luonto näkyy ihmiselle elottomina, sieluttomana ja vihamielisenä todellisuutena.

Sitten partisaaneille tapahtui kaikenlaista:

Joskus veressä ja pölyssä

Ryömiä turvonneilla polvilla hyökätäkseen -

He eivät voineet nousta nälästä.

Turvonneet polvet, nälkä - päästä päähän - symbolisia kuvia koko toisen maailmansodan ajalta, esiintyy säkeistössä 5, kietoutuneena toiseen, sankarilliseen kuvaan - hyökkäyksen kuvaan. Turvonneet polvet symboloivat kipua, inhimillistä piinaa, joka valtaa tytöt. Mutta sankarittaret voivat voittaa kivun, lian, pölyn, he jatkavat taistelua ja hyökkäämistä riippumatta siitä, mitä. Elämä ja kuolema kohtaavat edelleen täällä toisiaan, mutta on toivoa, että elämä voittaa silti tässä taistelussa.

Mikä heitä motivoi? Mikä saa sinut tappelemaan? Kirjoittaja puhuu tästä selvästi säkeistössä 6:

Voisi auttaa partisaaneja

Vain muisto tytöistä, joiden laskuvarjoja

Ei avautunut ollenkaan sinä yönä

Muisti on apu vaikeassa, julmassa ja yksinkertaisesti epänaisemattomassa taistelussa. Tämä muisto on kannustin olla luovuttamatta, tehdä kaikkensa pelastaaksesi kaikkien ihmisten hengen, täyttääksesi velvollisuutesi isänmaata kohtaan.

Seitsemäs säkeistö kuulostaa johtopäätökseltä, kiistattomalta totuudelta:

Maailmassa ei ole järjetöntä kuolemaa...

Tytöt - laskuvarjomiehet kuolivat, se tapahtui kohtalon tahdosta. Mutta heistä tuli myös "tähtiä", jotka auttavat ystäviään vaikeina aikoina. Heistä tuli eräänlainen elävä merkki. Merkki velvollisuuden täyttämisestä, pelon, onnettomuuden voittamisesta, merkki ihmisten muiston vaalimisesta... Valoisa, rauhallinen, hieman surullinen alku paljastaa lukijoille Druninin: kuolleiden muisto ihmisyyden korkeimpana mittana. epäinhimillinen sota.

"Kolme hiljaa palanutta tähteä..." on vertauskuva Druninasta, joka balladin lopussa palaa taas balladin toisen osan alkuun: "kolme laskuvarjoa" - "kolme hiljaa palanutta tähteä". Muodostuu rengas, jossa on tyttöjen, sekä kuolleiden että elämään jääneiden, elämän tarkoitus. Tyttöjen kuolema ei ole tragedia, elämän ja kuoleman vastakkainasettelu ei lopulta ratkea kuoleman voitolla, kuten ensisilmäyksellä saattaa tuntua, vaan elämän voitolla ja kuolleiden hiljaisella, kirkkaalla muistolla.

Siten jokainen kirjoittaja ratkaisee balladin pääkonfliktin - ihmisen ja rockin vastakkainasettelun - eri tavalla: V. Lifshitzin balladissa sankari yrittää estää ulkomaailman voimia, haluaa ainakin jollain tavalla auttaa vaimoaan ja poikaansa piiritetyssä Leningradissa, mutta palanen vanhentuneesta leivästä tulee luutnanttisotilas ei voiman symboli ja kohtalon symboli - rengas muodostuu, leipä palaa sankarin taskuun, hän ei pysty enää korjaamaan mitään, joten kohtalokas voima ilmentyy täällä vanhentunut pala. Ehkä et tunne tätä ensimmäisen lukemisen jälkeen, koska loppu kuulostaa säälittävältä: "Vaimo ei voinut olla mitään muuta, ja hän antoi hänelle tämän kappaleen uudelleen, koska hän oli todellinen vaimo, koska hän odotti, koska hän rakastettu”, mutta se oli välttämätöntä, ihmiset tarvitsivat sellaista sankaruutta. Mutta itse asiassa päähenkilöiden kohtalo on erittäin traaginen, eräänlainen kohtalo kohtalon kanssa, taistelu sen kanssa ei pääty mihinkään: korkeampien voimien kohtalo voittaa.

Ensi silmäyksellä Druninan balladi päätapahtumansa lopputuloksesa vaikuttaa sisällöltään kauheimmalta kaikista. Mutta tämä on illuusio: täällä tytöt taistelevat paha voima kohtalo ja mikä tärkeintä - he voittavat. Kolme laskuvarjoa ei aukea, kolme laskuvarjovarjoa kuolee, mutta heistä tulee "tähdet" eloonjääneille tytöille, heidän muistonsa, eikä elämänsä eläminen kuolleiden puolesta, tekee ihmeitä: laskuvarjomiehet voittavat kohtalon voimia. Tästä balladista tulee symboli ihmisen uskon ja muistin voitosta kaikista elämän iskuista.

S. Gudzenkon ”Ystävyyden balladi” on vielä traagisempi kuin V. Lifshitsin balladi. Korkeammat voimat testaavat tarkasti päähenkilön kykyä saada ystäviä sodassa. Valittavana on kuolla, mutta jättää ystävä elämään tai jäädä eloon itse, mutta ilman ystävyyttä, sotilas epäilee: mitä hän tarvitsee enemmän? Eräänlainen rangaistus korkeammalta voimalta siitä, että sankari ajatteli niin sanotusti ystävän pettämistä ennen lopullista valintaa, on vanhemman toverin kuolema. S. Gudzenkossa sankari jää yksin, hän menettää arvokkaimman: ystävänsä, elämä hänelle menettää kaiken merkityksen, hän kuolee sielussaan. Siksi ihmisen ja kohtalon välisen konfliktin ratkaisu näyttää meistä traagisimmalta tässä balladissa. Lisäksi tästä balladista mielestämme alkaa filosofinen käsitys konfliktista (tässä tapauksessa ihmisen valinnasta), jota kehitetään hieman myöhemmin 60-luvun runoilijoiden balladeissa.

Sota-ajan balladeille yhteinen piirre - sankarillinen suuntautuminen - näkyy kuitenkin jokaisessa näistä teoksista.

Konstantin Jakovlevich Vanshenkin, tuskin lopettanut lukion kymmenennen luokan, "astui" sotavuoteen 1942. Hän astui nuoruudesta aikuisuuteen, kuten useimmat vuonna 1925 syntyneet pojat. Sodan aikana Vanshenkin ei kirjoittanut runoutta, mutta jo suuren isänmaallisen sodan lopussa Unkarissa nämä harrastukset syttyivät. Sota käy läpi hänen ensimmäisen kirjansa teosten; sotilaallinen teema ja sotilaalliset motiivit eivät jätä Vanšenkinin runoutta ja proosaa tulevaisuudessa. Tutkijat panevat merkille hänen runojensa läheisyyden sukupolvensa "sotilaallisten" runoilijoiden (Vinokurov, Gudzenko, Drunina ja muut) sanoituksiin. Tämä läheisyys piilee yksinkertaisuudessa ja yksinkertaisuudessa, ajatuksen selkeydessä.

Konstantin Vanshenkin tunnetaan kaikkialla maassa ensisijaisesti kappaleistaan (kuten "Alyosha", "Rakastan sinua, elämä", "Zhenka" jne.), mutta hänen työnsä ei tietenkään rajoitu tähän genreen. Löydämme runoilijasta sekä elegian että kehtolaulun, Vanšenkin ei ohita balladigenreä. Pysähdytään "The Ballad of Spilled Blood" -kappaleeseen ja katsotaan, kuinka se ratkaisee tärkeimmän balladikonfliktin, mikä on tämän balladin samankaltaisuus sodanaikaisten balladejen kanssa ja myös mikä on niiden ero.

Sävellys "Ballads of Spilled Blood" on kolmiosainen. Tunnistamme balladin kolme komponenttia, joista jokaisen analyysi antaa meille mahdollisuuden tehdä johtopäätös balladin pääkonfliktin - ihmisen ja hänen kohtalonsa välisen vastakkainasettelun - ratkaisusta.

Balladin ensimmäisen osan (ensimmäiset viisi nelikkoa) keskellä on armeijan arkeen tutuksi tullut arkipäiväinen tapahtuma: sotilas haavoittui, menetti paljon verta, mutta lääkärit ovat kaikki valmiita leikkaukseen. ja antaa verensiirron. Verensiirto suoritettiin, sotilas alkoi toipua.

Jo "The Ballad of Spilled Blood" ensimmäisessä osassa maailma on jaettu kahteen osaan: kauhea maailma, ikään kuin epätodellinen - sotilaallisen taistelun maailma, sotilaallinen arki; ja todellinen, tunne-, ajattelumaailma - ihmisten maailma, jotka ovat valmiita taistelemaan toisen ihmisen hengestä, lääkäreitä, jotka

"... tiesi mikä oli mitä,

Kaikki oli valmista"

Sotilaan itsensä maailma; tähän voimme myös sisällyttää toisen vertansa jakaneen ihmisen maailman.

Ihmisen ja hänen kohtalonsa välinen konflikti balladin ensimmäisessä osassa ratkeaa ihmisen hyväksi. Balladi "ihmeellinen" tässä on veri, jonka lääkärit siirtävät sotilaan. Löydämme täysin upean aiheen - elävän veden - joka pystyy parantamaan sairaita, elvyttämään kuollut henkilö. Jonkun muun veri todella pelastaa kuolevan sotilaan sulautumalla hänen vereensä. Vanshenkin käyttää asteittaista tekniikkaa osoittaakseen, kuinka vahva vaikutus tällä "ihmeverellä" on sotilaan elämään, nyt riippuu siitä, elääkö hän vai ei.

Verellä on melkein spontaani luonne: "Tämä veri sekoitettiin", "Ja veri virtasi nopeammin, se virtasi suonten läpi nykimisenä", "Ja veri ryntäsi jo käsittämättömänä virtana." Ja tämän voiman ansiosta "Elämä on ottanut vallan", kuolema on voitettu.

Elämän ja kuoleman vastakkainasettelu ja elämän voitto välittyvät myös kuvan kautta sotilaan ulkonäöstä. Ensimmäisessä säkeessä hän "Kasvot kuin liitu" - kasvot, joilla on kuoleman varjo, sen sinetti. Mutta ihme tapahtuu, lääkärit ovat tavallisia ihmisiä, ja toisten veri, jota näiden lääkäreiden käsissä on siirretty, voittaa kuoleman: "Pimeys vetäytyi", "Kulmakarvat liikkuivat, kyllä, hän liikutti kulmakarvoja", "Posket muuttui vaaleanpunaiseksi." Ensimmäisessä säkeistössä esitetty sotilaan kasvojen kuolleisuus korvataan elämällä, terveydellä, kuten nämä "ruusuiset posket" osoittavat.

Balladin toinen osa on lyhin, vain kolme neliöosaa. Se kertoo kuinka sotilas palaa etulinjaan ja kuolee taistelussa. Ja jos ensimmäisessä osassa elämä voittaa elämän ja kuoleman konfliktissa, niin tässä tapahtuu jo kuoleman voitto:

"...Kaukaisella puolella

Kukat jalustalla"

Sotilas kuolee vuodattaen verta tulevan voiton puolesta, mutta tämän veren mukana vuodatetaan tuntemattoman henkilön veri, joka kerran pelasti sotilaan. Sitä paitsi tätä verta ei kutsuta jonkun muun omaksi, se "on jo tullut hänen, sotilaan", näissä riveissä näkyy jo tässä toisessa osassa ajatus, että jokainen sijoitti voimansa voittoon, jokainen uhrasi itsensä yhteisen hyvän puolesta. .

Mutta palataanpa ihmisen ja hänen kohtalonsa väliseen konfliktiin. Rockin kohtalokkaat voimat valloittavat elämän eivätkä silti jätä sotilaalle mahdollisuutta elää huolimatta siitä, että balladin ensimmäisessä osassa näimme ihmiselämän voiton kuolemasta. Tämän konfliktin, vastustuksen, joka, kuten näemme, voidaan jäljittää sävellystasolla, kanssa on tärkeää, että kirjoittaja osoittaa, että sodassa elämä ja kuolema ovat aina lähellä, et voi paeta kohtaloa, jos sinun on määrä kuolla.

Mutta onko kaikki niin selvää? Siirrytään balladin kolmanteen osaan. Se eroaa kahdesta ensimmäisestä jo tonaliteetissaan - lyyrisempi, sielullisempi. Edessämme on kuva naisen elämästä pienessä siperialaisessa kylässä. Ja tämän kylän ja sen maiseman kuvaus ei voi jättää sinua välinpitämättömäksi:

"Talvella on lunta kattoihin asti,

Kasa joulukuusia.

Auringonnousu polttaa aamulla

"Kuurteinen raita" - luonto on majesteettinen, runsas: jos on lunta, niin "katoille", jos on kuusi, niin "kasat".

Tämä elämä on jo sodanjälkeistä, rauhallista, mitatulla virtauksella: "... se on tuskin kevyttä,

Katsoo joulukuusen torneja.

Syötyään, siivonnut talon,

lähtee töihin"

Vanshenkinille oli tärkeää näyttää tämä sodanjälkeinen elämä, näyttää, minkä vuoksi sotilaat kuolivat, kaikkea luonnon kauneutta ja majesteettisuutta, elämän yksinkertaisuutta ja järjestystä. Ja tärkein asia on balladin viimeinen ajatus:

"Hänen verta vuodatetaan

Onnellisuuden ja vapauden puolesta"

Huolimatta siitä, että sotilas kuoli teoksen toisessa osassa, ihminen voittaa silti ihmisen ja kohtalon välisessä konfliktissa - ja ihminen on tässä laaja käsite, voitaisiin jopa sanoa "inhimillisyys": jokainen antoi palan itsestään yhteinen voiton syy, mikä tarkoittaa, että kaikkia voidaan kutsua sankariksi - sekä niitä, jotka uhrasivat henkensä taistelussa, että niitä, jotka takaosassa auttoivat lähentämään rauhanaikaa. Siksi Vanshenkin maalaa meille kolmannessa osassa kuvan naisesta, joka ei tunne sotaa:

"Hän ei kuullut

Viheltävä metalli.

ilma-aalto

Hän ei ollut hämmästynyt.

Ja sukulaisia ei ole

Sellaisia, jotka olivat taisteluissa..."

Mutta tämän naisen veri virtasi sotilaan suonissa, siitä tuli hänen, sotilaan, verta, mikä tarkoittaa, että se antoi elämän muille ihmisille, rauhallisen elämän. Toisin sanoen voidaan sanoa, että balladikonfliktissa ihminen ja kohtalo kukistavat sen miehen, joka vuodatti omaa ja toisten verta toisten ihmisten, koko kansan "onnellisuuden ja vapauden" puolesta.

Sergei Sergeevich Orlov on runoilija, joka kävi läpi suuren isänmaallisen sodan.

"Kuusitoista vuotta sitten" on teos, joka sisältyy runokirjaan "Kolmas nopeus". Orlov, kuten monet sodan ja sodanjälkeisen aikakauden runoilijat, kääntyy balladigenreen. Jäljitetään genren muutosta hänen työssään.

Balladi on lyyris-eeppinen genre, jonka keskellä on aina jokin tapahtuma, mutta jos kyseessä on balladi sodasta, niin tapahtuma on yleensä sankarillinen. Todellakin, Sergei Orlovin "Kuusitoista vuotta sitten" kertoo kuudentoista vuoden takaisista tapahtumista: saksalaisen panssarivaunun etenemisestä Leningradiin, ainoan elossa olevan tavallisen sotilaan rohkeudesta, joka pystyy vastustamaan rautakonetta. Lisäksi on mielenkiintoista, että Orlov näyttää tämän tapahtuman (miehen ja sieluttoman koneen vastakkainasettelun), tapahtuman, jonka pidämme sankarillisena, tavallisena, voisi jopa sanoa jokapäiväisenä. Ja itse sotilas, balladin sankari, ilmestyy lukijan eteen tavallinen ihminen: "Ei jumala, ei kuningas eikä sankari" ("ei sankari" - hänen teonsa tavallisuus korostuu jälleen, hänessä ei ole mitään sankarillista). Hänen "tavallisuutensa" vahvistaa myös kirjoittaja rivillä: "Mutta rohkeimmat eivät ole lähellä: he olivat vielä aamulla sängyssä...", eli se sanoo suoraan, ettei meidän sotilaamme ole rohkein, hän on vain "sotilas", kuten suurin osa niistä, jotka puolustivat Leningradia. Sankarin omaperäisyyteen palataan hieman myöhemmin, kun palataan balladin viimeisiin säikeisiin, mutta nyt palataan balladin kaksoismaailmoihin.

Balladimaailma on jaettu kahteen osaan: ihmissotilaiden maailmaan, jotka kykenevät sankarillisiin tekoihin, jotka kykenevät uhraamaan yhteisen voiton asian puolesta:

"Luotin, pommin ja kuoren alla

Ligovin lähellä seisoi sotilas”;

Ja maailma on tunteeton, rautainen, koneen, tankin maailma, joka tuhoaa kaiken tiellään:

"Risti tornissa, ase sielussa

Se oli kuin olisi mennyt paraatiin

Ravistaa maata mereen,

Saksalainen tankki Leningradissa"

Tämä toinen maailma - pahuuden, epäinhimillisyyden, tunteettomuuden, julmuuden, rankaisemattomuuden ja itseluottamuksen maailma ("ikään kuin paraatissa") näytetään olemassa olevana omien lakiensa mukaisesti, ei ihmisen, hänen ajattelunsa, logiikan alaisena. Tämä on vihollisen maailma - hyvin koordinoitu, automaattisesti toimiva kone, jossa ei voi olla päällekkäisyyksiä - "laskelmat ovat kiistattomia."

Ja tämä kone kohtaa yksinäisen sotilaan, joka vihollisen laskelmien mukaan "tapettiin kolme kertaa sinä päivänä" (upea toisto "kolmesta": tapettiin kolme kertaa ja jätettiin silti elämään kaikkina aikoina). "Yksi yhtiöstä, yksityinen" - hän päättää kohdata koneen, joka voi tuhota hänet milloin tahansa:

"Hän seisoi kaivannon kaiteella,

pitämällä kranaattia nyrkkisi"

Ja hän ei välitä tällä hetkellä oma elämä, tärkeintä on puolustaa kaupunkia, estää saksalaista panssarivaunua murtautumasta Leningradiin, sotilas ei ajattele itseään ollenkaan:

"Katumatta nuoruuttani,

Rikkoutuneessa maalaiskaupungissa"

Mies onnistuu rikkomaan sieluttoman koneen "Kolme askelta Leningradista", tankki "tukkeutui kiviin". Ja Orlov näyttää jälleen tämän tilanteen täysin tavalliseksi, ikään kuin sanoisi: "Voiko se olla toisin? Mitään yliluonnollista ei tapahtunut":

"Aseiden rautainen pauhina vaikeni...

Sotilas pyyhki hikeä lentäjälakillaan..."

Kaikki on niin luonnollista ja yksinkertaista: "Ja maailma ajatteli: kuusitoista vuotta sitten tapahtui ihme." Täällä löydämme minkä tahansa balladin toisen osan - balladin ihmeen. Vain täällä oleva ihme on ihmiskäsien luoma, tämä ei ole korkeampien voimien ihme, vaan fyysinen ihme, mutta tämä ei tee siitä vähemmän ja ehkä jopa enemmän merkittävää: tapahtuiko se vai ei, riippui henkilön valinnasta. hän itse.

Siten balladin pääkonfliktissa - ihmisen ja kohtalon välisessä konfliktissa Orlov voittaa miehen, joka pystyy vastustamaan kohtalon voimia, joka pystyy tekemään ihmeen omin käsin, puolustaen yksin koko kaupunkia. , estäen vihollista murtamasta saartoa ja tuhoamasta Leningradia.

Ja tässä palataan pohdiskelumme alkuun: Orlovissa korkea (tässä tapauksessa saavutus) näyttää arkipäiväiseltä, itsestään selvältä; ja samaan aikaan tavallisessa (balladin sankari, yksinkertainen sotilas) löydämme sankarillisen. Kirjoittaja esittelee meidät sankariinsa sekä teoksen alussa että lopussa samana tavallisena ihmisenä, kuten miljoona:

"Ja kuka hän oli - kukaan ei tiedä,

Hän ei sanonut sitä itse."

Vaikka he eivät tuntisi häntä silmästä, eivät kutsu häntä sankariksi, eivät myönnä hänelle kunniamerkkiä tai mitalia, tärkeintä on, että hänen saavutustaan ei unohdeta, ja todellakin on täysin merkityksetöntä kuka tämä sotilas todella on - hän on vain sotilas, heitä on paljon, kykeneviä voittoon ja tulevaisuuden elämä tehdä ihme maan päällä.

"Mutta vasta vuonna 45 toukokuussa

Voiton ukkosen pauhui hänen ympärillään.

Ja kirkkaus kulkee kaikkialla unionissa,

Ja tätä saavutusta ei unohdeta" -

Aivan kuten tuhansia muitakin sellaisia tavallisten ihmisten tekoja, jotka pala palalta keräsivät voittoa Suuressa isänmaallissodassa, ei ole unohdettu.

Ja sotilas "Hän on elossa, hän on vieressämme, täällä hän on!", kuten kaikki muutkin, ei erilainen ja siksi niin ymmärrettävä ja läheinen kaikille:

"Hän on luultavasti nyt

Hän menee töihin raitiovaunulla,

Juo olutta kioskissa lomalla"

Yksittäinen kuva ihmishengen voitosta koostuu sellaisista "jyvistä", jokaisen "henkilökohtaisista panoksista". Siten Sergei Orlov yhdistää tavallisen ja huomaamattoman koko historian liikkeelle, koko kansan kohtaloon. Hän paljastaa sinnikkäästi kaikkein yksinkertaisimpien asioiden ja toimien suuren ja tärkeän merkityksen. Ihminen pystyy vastustamaan kohtaloa niin kauan kuin hän toimii kotimaansa, kansan, eikä oman kunniansa nimissä.

”Se runollinen sukupolvi, johon kuulun, syntyi Suuresta isänmaallissodasta eikä valinnut, vaan otti ampuma-asemansa, aivan kuten sotilaskomppania ottaa sen, kun se on joutunut odottamattoman hyökkäyksen kohteeksi. Täällä ei ole aikaa valita maastoa ja sen katselun mukavuutta: tartu edessäsi olevaan maapalaan ja vastaa tulella. Mutta kävi ilmi, että tämä maapalsta, jossa ruoho miinojen tulesta mustamaa, osoittautui koko valtavaksi Venäjäksi", - näin Sergei Narovchatov määrittelee runollisesti tarkasti kohtalonsa ja koko 50-luvun runollisen sukupolven kohtalon. .

Nämä runoilijat ymmärsivät kutsumuksensa hyvin ja aavisivat jopa heille sattuneet traagiset tapahtumat.

Sergei Narovchatov itse syntyi vuonna 1919 sisällissodan ääniin. Vuonna 1939 hän ilmoittautui vapaaehtoiseksi rintamaan (sota suomalaisia vastaan). Järkyttynyt näkemästään ja kokemastaan Narovchatov palasi sieltä tietoisena uusien koettelemusten väistämättömyydestä. Näin hän sanoi eräässä tunneissa runoklubissa muutama kuukausi ennen toisen maailmansodan alkamista: "On täysin selvää, että meidän sukupolvemme on sotilassukupolvi, joka taistelee elämänsä loppuun asti." Ja niin tapahtui: kesäkuussa 1941 Sergei Narovchatov yhdessä D. Samoilovin, B. Slutskin, N. Mayorovin kanssa ilmoittautui vapaaehtoiseksi Suureen isänmaalliseen sotaan.

On selvää, että sotilaallinen teema, sodan motiivi on erottamattomasti "sidottu" runoilijan nimeen - sota ei jätä häntä ennen kuin viimeinen päivä, hälyttää, muistuttaa kaikesta kokemasta: tovereiden kuolemasta, vammoista, ystävien ja työtovereiden avusta.

Tutkijat panevat merkille, kuinka runoilijan mieliala muuttuu hänen ymmärtäessään suurta isänmaallista sotaa: ensimmäiset sodasta kertovat runot välittävät hänen näkemänsä shokin, ihmisten, luonnon, elämän sellaisenaan tragedian; ratkaiseva rooli oli Leningradin saarron läpimurto, jossa Narovchatov joutui vuonna 1942 (ja runoilija ei kiinnitä huomiota ensisijaisesti itse läpimurron tosiasiaan, vaan sisäiseen voittoon, hengen voittoon); Sodan jälkeisinä vuosina hänen teoksissaan oli moraalisen itsekasvatuksen ja pohdinnan tunnelmaa.

Sergei Narovchatov muodostui alusta alkaen romantikkona, joka jatkoi edeltäjiensä ja opettajiensa - N. Aseevin, I. Selvinskyn, N. Tikhonovin - työtä. Tämä ilmaistiin sekä genren suhteen - historiallisen ja modernin balladin, runon että teosten pohjimmiltaan - hänen romantiikkansa oli osoitettu todellisuuteen, sen kehittämiseen ja muuttamiseen. Ja tämä romanttisuus kesti ankaran todellisuuden testit eikä murtunut.

Siirrytään teokseen "Kokous" ja tunnistetaan tämän runon genre-piirteet.

Sotavuosien sankarillisuus herätetään henkiin "Kokoamisessa". Runo kertoo, kuinka jossain Vasiljevskin saarella saartotalven aikana etulinjasta lomalle tullut sotilas tapasi nälkään kuolevan, mutta "ihmettä" odottavan tytön. Ja sotilas pysähtyy hetkeksi antamaan ruisleivän sille, jota hän tuskin koskaan enää näe ja joka on hänelle rakas kuin oma sisarensa.

Eli runo rakentuu kertomukselle, tarinalle, tietylle tarinalle, ja voimme puhua tämän teoksen eeppisestä alusta. Jo kerronnan alun läsnäolo antaa sysäyksen "Kokoamisen" pohtimiseen balladin maailmanjärjestyksen lakien mukaisesti.

Todellakin, täältä löytyy balladimainen kaksoismaailma: kylmä, nälkäinen piiritetty Leningrad porteineen, "terävä tuuli", "pakkas yö ilman valoja", "talvimyrsky" - maailma, joka on vihamielinen ihmiselle, tytölle, joka "ei ole huono, mutta se on huono, mutta ehkä se ei voi olla huonompi", ja sotilaalle, joka vapautettiin kaupunkiin yöksi. Eli piiritetty Leningrad esiintyy teoksessa epätodellisena, vihamielisenä maailmana ihmisluonto Hänellä on näkymätön voima, joka on valmis nielemään ihmisen.

Mutta tunteessaan tämän vihamielisyyden, kohdatessaan sen kasvotusten, tyttö, joka "ei voi tehdä pahempaa", toivoo ja uskoo edelleen pelastukseen. Löydämme balladista toisen ominaisuuden - balladisen ihmeen. Tämän ”ihmeen” roolin ottaa sotilas, hänen käsissään on pelastaa tyttö, ja hän antaa hänelle leivän. Leipä "kuumana ihmeenä", erityisesti "kylmien" silmien taustalla (kontrasti), korostaa lyyristä ja jopa dramaattista kokemusta: lukija on ehdottomasti läsnä tapahtumissa, hän itse löytää itsensä tytön paikasta. . "Kohotettu armo" - tämä metafora vahvistaa jälleen kerran leivän "ihmeyden", mutta samalla se on myös "ihme elävässä muodossa": siis tavallinen ihmisen käsissä, avun ja pelastuksen hetkenä , muuttuu maagiseksi, ihmeelliseksi.

Tässä on mahdotonta olla huomaamatta Narovchatovin balladin "nimehuutoa" V. Lifshitzin "Ballad of a Stale Piece" kanssa, mutta näiden balladien poikkileikkaava kuva - leivän kuva - "Kokoamisessa" muuttuu kokonaan. eri merkitys kuin "The Ballad of a Stale Piece". Siellä pala leipää, joka luovutettiin pojalle ja päätyy jälleen luutnantin taskuun, saa kohtalokkaan merkityksen - et voi piiloutua kohtalolta, et voi ovelta sitä. Narovchatoville leipä on pelastus, kahden ykseys on täydellinen tuntemattomat, tavallinen ihme.

Törmäyksessä kohtalon voimien kanssa, ihmisen ja kohtalon välisessä konfliktissa - balladin pääkonfliktissa - ihminen voittaa avoimuudellaan, myötätuntollaan, rakkaudellaan lähimmäistänsä vaikeimmissakin olosuhteissa. Ja heti pahoja voimia vetäytyä, kaikki muuttuu "katkeraksi ja yksinkertaiseksi": sotilas halaa tyttöä ja yhdessä ei itse sota eikä piiritetty kaupunki näytä heistä enää pelottavilta:

"Ja yhdessä he olivat saman pituisia

Piirustus, sota, Leningrad"

Olemme havainneet balladin pääpiirteet. Pysähdytään nyt siihen, mikä erottaa tämän teoksen tavallisista balladeista. Klassinen balladigenren määritelmä osoittaa, että kirjoittaja ei puutu kertomukseen, johtaa sitä "erillään" eikä varsinkaan puhu suoraan tunteistaan. ”Kokoamisessa” on läsnä tekijän asenne tapahtuvaan, ja todellisuuden kuvauksen luonne on tunnepitoinen:

"Hetki soi niin kauan,

Näkemykset sulautuivat niin tiiviisti,

Mikä ikuisuuden henkäys

Kosketetut haalistuneet kasvot"

Juuri kirjailija saa "ikuisuuden hengityksen" ja korostaa siten henkistä sukulaisuuttaan sankarien kanssa. Myös kertomusta kehystävä erikoinen "rengas" on huomionarvoinen: edessämme ovat kirjoittajan muistot, hän puhuu tästä suoraan runon ensimmäisillä riveillä:

"Piirrä katse,

Neljännenkymmenennenkolmannen katseen aattona..."

Ja tämä muisto herää henkiin, se ei ole suljettu menneisyydessä, vaan jatkuu nykyisyydessä ja (luulee) jatkuvan tulevaisuudessakin, sillä ei ole sattumaa, että finaalissa kirjailija kiinnittää huomion siihen, että sankarit

"...vuosia myöhemmin yhdessä,

Kiipeiltyään muistikirjan sivuilla,

Yllä olevasta seuraa, että Narovchatovin, Orlovin ja Vanshenkinin balladigenre on muuttumassa, löydämme niissä aistillisen, lyyrisen alun lisääntymisen (verrattuna Suuren isänmaallisen sodan balladeihin).

Lukijat ja kriitikot lukevat Bulat Okudzhavan työnsä alusta lähtien 60-luvun runoilijoiden ryhmään (johtuen siitä, että hän tuli kirjallisuuteen samaan aikaan kuin Rozhdestvensky, Voznesensky, Jevtushenko, Akhmadulina), sekä ryhmä runoilijoita "laulaa runojaan" (Galich, Vysotsky, Kim jne.).

Yhdessä haastattelussaan runoilija myönsi: "Olen aina pyrkinyt kirjoittamaan sodasta rauhanajan miehen silmin." Ehkä siksi hänen runonsa eivät niin usein sovi mieleemme toisen maailmansodan runojen kanssa, sellaisiin, joihin olemme tottuneet: selkeitä, tarkkoja, sankarillisia. Okudzhavan teoksissa tämä "rauhanajan näkökulma" määrää heidän romanttisen kaunopuheisuuden, kyvyn esittää ja ratkaista kysymyksiä, joita sodan aikana ei usein ajateltu, koska ei ollut tarvetta. Tämä ei tietenkään tehnyt runoista "heikkoja" ja "tarpettomia", päinvastoin: sodan muisteleva kirjoittaja pohtii kaikkea, mitä hän itse kävi läpi ja oppi, ja antaa eturintamassa oleville mahdollisuuden Muista hänen kanssaan, niille, jotka eivät sitä tehneet, oli - kokea se ja samalla pakottaa lukijat pohtimaan monimutkaisempia, usein sosiaalisia ja filosofisia kysymyksiä.

"Hänen työssään yhdistyvät orgaanisesti realistiselle taiteelle tyypillinen yksinkertaisuus ja luonnollisuus ylevään romantiikkaan, hienovaraiseen ironiaan ja itseironiaan", toteaa V.A. Zaitsev paljastaen Okudzhavan runouden tyylillistä omaperäisyyttä.

Lisäksi Okudzhava koulutukseltaan filologina kääntyy työssään erilaisiin genremuotoihin, joita hän käyttää menestyksekkäästi lisäämällä ja tuomalla niihin jotain uutta. Voimme kohdata sekä laulun että romanssin genren ("Another Romance", "Road Song", "An Old Soldier's Song", "Laulu jalkaväestä"). Olemme eniten kiinnostuneita balladista ja Okudzhavan kaanonin käytöstä (huomaa, että vetoomus tähän genreen on harvinaista).

"The Ballad of Millet" on kirjoitettu vuonna 1967. Sen sisältämä ajatus ei kuitenkaan jätä välinpitämättömäksi ihmistä, joka on kaukana historiasta yleensä ja erityisesti toisesta maailmansodasta.

Ensimmäisistä riveistä lähtien olemme upotettuina armeijan vetäytymisen ilmapiiriin - se lähtee laskemalla lippuaan - yhtenäisyyden, rohkeuden ja voiman symboli, lähtee jättäen vihollisen osalta maataan.

Täällä alamme havaita epäilystä, lyyrisen sankarin epävarmuutta toimissaan. Hän näyttää olevan hämmentynyt, ei ymmärrä mitä tapahtuu, hänen katseensa poimii vain yksittäisiä fragmentteja, pieniä kuvia todellisuudesta: "tie tärisee", "banneri on laskettu märkänä", etulinjan keittiö seuraa perässä. vetäytyvä armeija (tutkija kiinnitti huomion runoilijan Levin L.A. teosten omalaatuiseen "elokuvalliseen laatuun" teoksessa "Kolme tutkimusta Bulat Okudzhavan teemasta"). Tilaa kavennetaan: banneri lasketaan - ei lentoa tai edes katsetta ylöspäin; Tie on kuoppainen - se välittää tuhon tunnetta, pakkoa; sitä ei voi ajaa nopeasti. Lisäksi pienen ja kurjan tilan täyttävät tuoksut ja äänet herättävät heti huomion. Keittiön narina on jotain ärsyttävää, ahdistavaa väistämättömyytensä kanssa, mutta haju on "sairas", siitä tulee jotain elävää, sitä on kaikkialla, siltä ei voi piiloutua, ei pääse pakoon.

Ja sitten - paluu elävän ihmisen tunteisiin:

Ja länsi ja länsi

Palovammoja selkäni takana. -

Muistutus ja allekirjoitus: sitäkö he tekevät? Tekevätkö he oikein perääntyessään? Toinen sysäys lyyrisen sankarin epäilyihin ja ajatuksiin.

Seuraavaksi on toinen laukaus: kauha, joka kaataa puuroa sotilaille. Ja sen takana on inhimillisten tunteiden ja tunteiden läpimurto, lyyrisen sankarin tietoisuus ylittää selvästi kehyksen, tuntemattoman ja kauhean kahleista, pidätellen kaiken todellisen yksilössä:

Sallikaa minun, toveri kersanttimajuri...

Me tyydytämme nälkämme,

Pelastamme hirssin jäänteet,

Poistummeko kotimaastamme?

Ja taas ilmestyy kauhean voiman maailma, keittiön maailma - se elää omaa elämäänsä "ikään kuin mitään ei olisi tapahtunut", vaatii tottelevaisuutta laeilleen. Ei ole sattumaa, että kaikki keittiöön liittyvä on personoitua - se itse "keittää ja keittää", ja kauha "kaataa puuron" ja sen haju "pysyy". kiinteä seinä" Kaiken kaikkiaan se on kuin muualla oleva maailma, kauhea voima, joka alistaa ja lamauttaa ihmisen.

Lyyrinen sankari yrittää jälleen ymmärtää mitä tapahtuu, arvioi tilannetta, rakastaa kunnioittavasti kotimaataan, kansaansa ja pyrkii suojelemaan heitä. Meneillään oleva vetäytyminen ei mahdu hänen päähänsä.

Ja sade pirskottaa meitä pyhällä vedellä

Lyyrinen sankari kuitenkin ymmärtää kaiken tämän ihmeen sarkasmin ja järjettömyyden: sade pirskottaa heidät pyhällä vedellä, ihmiset, nykyiset ja tulevat sukupolvet, pitävät ja pitävät heitä pyhinä, vaikka itse asiassa sotilaat eivät ole sellaisia. Tietoisuus vetäytymisestä ja "pyhästä sateesta" ovat ristiriitaisia ja yhteensopimattomia. Sankari hymyilee ehdottomasti itselleen:

Ryömiä pyhimysjoukon takana

Ja tämän taustalla on keittiön narinaa. "Okudzhavan ääni ja äänikuvat ovat aina ilmeikkäitä." Toistetaan kolme kertaa ja huutava intonaatio "ja keittiö narisee!" - Anna meidän puhua valtavasta jännityksestä, perääntyvien sotilaiden uskomattomasta painosta koko armeijan harteille. Keittiö (ja siksi rock, kohtalon voimat) ei jätä heitä. Ja on mahdotonta sanoa, kuka voittaa ikuisessa taistelussa ihmisen ja kohtalon välillä. Okudzhava osoittautuu, että kukaan. Koska viimeiset rivit, jotka sisältävät runon pääidean, sanovat:

Siitä, että on vaikeaa ilman kotimaata

Ja ilman hirssiä ei voi elää.

Tietysti rohkeus on tärkeää sotilaalle, kyky antaa henkensä voiton vuoksi, mutta heikko sotilas - pystyykö hän urotekoon, sankaruuteen? Ehkä juuri tämä oivallus on vaikein sodassa. Riippumatta siitä, kuinka paljon sotilaalla on voimaa ja kestävyyttä, sisäistä ydintä ja halua puolustaa kotimaataan, hän ei ymmärrä tätä ilman, että hän tyydyttää biologisen ravinnontarpeensa. Toisaalta ilman rakkauden tunnetta isänmaata ja kansaa kohtaan, mutta ruoan kanssa, ihminen ei myöskään voi olla sotilas. Osoittautuu, että yksi ei voi olla olemassa ilman toista.

Tässä se on - Okudzhavan näkemys rauhanajan mieheltä: kukaan ennen häntä ei ollut nostanut esiin niin monimutkaista, usein liukenematonta ja monimutkaisia ongelmia, joka sijaitsee "sodan" käsitteen sisällä.

Hänen näkemyksensä sodasta oli hämmästyttävä, koska se erosi jyrkästi propagandassamme ja taiteessamme vallitsevasta näkemyksestä. Hän itse huomautti kerran: "Kaikki runoni ja lauluni eivät ole niinkään sodasta kuin sitä vastaan."

Esiin tulleiden kysymysten moninaisuus, usein niiden ratkaisemisen mahdottomuus ja kyvyttömyys (ja joskus tarpeeton) näyttäminen toisen maailmansodan elämästä, joita ei yksinkertaisesti noussut esiin aiemmin – tämä on tyypillistä Milletin balladille. B. Okudzhava. Tässä balladissa kuullaan ajatuksia, joita tukevat kaikki tekijän elämän ja kohtalon kokemus.

Heti kun Robert Rozhdestvenskyn nuorekas runo "Rakkauteni" julkaistiin vuonna 1955, hänen äänensä kuului. ”Nuori runoilija puhui selkeästi ja yksinkertaisesti asioista, jotka ovat lähellä monia. Minua kiehtoi tämän äänen luottavainen, avoin intonaatio, lyyrisen lausunnon luonnollinen demokratia ja kansalaisuus, kun persoonallisuus pyrki poikkeuksetta sulautumaan ajan, maan, ihmisten kohtaloihin.

"Rozhdestvensky on kiihkeä, tunteellinen, kuuma runoilija. Mitä tahansa aihetta hän työssään koskettaakin, hän ilmaisee itseään suoraan, terävästi, säälittävästi, käymällä vilkkaan dialogin lukijan kanssa, vaatien meiltä välinpitämättömyyttä, intohimoista vastausta, hänen uskomustensa hyväksymistä tai kiivasta polemiikkaa." Vilpittömyys, kokemusten aitous, tunteiden terävyys - kaikki tämä tulee lapsuudesta, sotilaslapsuudesta. Ei ihme, että runoilija kirjoittaa:

Tämän teoksen kirjoitusajalle on ominaista journalismin tunkeutuminen ja samalla sen räjähdysmäisyys Rozhdestvenskyn teoksiin. Todellakin, balladissa kuvatut tapahtumat näki poika Robert, kun hänen äitinsä vei hänet mukaansa eteen. Ne kerrotaan tarkasti ja täydellisesti. Mutta samaan aikaan Rozhdestvensky noudattaa keskustelun intonaatiota; hän puhuu lukijan kanssa yrittäen herättää kaikilta tunnereaktion, luottamuksen ja osallistumisen. Hän tulee heti henkiseen kosketukseen lukijan kanssa, kuten sanotaan. Balladi alkaa retorisella kysymys-muistolla, joka pakottaa meidät kuuntelemaan, pysähtymään lyyriseen sankariin, jolle tapahtumat ja muistot ovat tärkeitä.

Kuinka tehdä sumea polku päivien aikana?

Haluan tuoda tämän jäljen lähemmäs sydäntäni...

Ja sitten - kronikka, tarina naispuolisten ilmatorjuntatykkien paristosta. Lisäksi kertomus voidaan jakaa kahteen osaan, joista toinen luonnehtii tapahtumaa teini-ikäisen silmin nähtynä, kun taas toinen on aikuisen näkemys, joka yrittää jossain arvioida, selventää tai kommentoida lapsuuden muistoja. Tässä on pojan ääni: "Sinä aamuna tankit menivät suoraan Himkiin", ja sitten seuraa nyt aikuisen sankarin selvennys: "Samat. Haarniskan päällä ristit..." Tämä suuntaus näkyy läpi balladin. Kovalenkov A. totesi kerran tarkasti, että Rozhdestvenskyllä on "harvinainen kyky kirjoittaa runoutta aikuisille, mutta ikään kuin hän kertoisi lukijoilleen heidän lapsuudestaan", hän todella viittaa tietoisuutemme lapsuuden ajanjaksoon, jolloin olimme kaikki tiettyä paljon vapaampaa, yksinkertaisempaa ja jalompaa. Yllä oleva koskee täysin ilmatorjuntatykkien balladia. Lyyrinen sankari muistaa patterin komentajan - vanhimman tytön (joka "...oli kahdeksantoistavuotias" - tämä iän korostus ei ole sattumaa, myöhemmin tällä yksityiskohdalla on suuri merkitys), meille näytetään hahmon luonteenpiirteet hän, jäänyt mieleeni ikuisesti:

Räjähtävä pamaus viekkaasta silmäsyistä,

Rohkea halveksuminen sotaa kohtaan...

Hänen kykynsä taistella tasavertaisesti miesten kanssa korostuu, tämä tyttömäinen "rohkeus", "oveluus" ja myös "sodan halveksuminen" - ominaisuus, jota lyyrinen sankari arvostaa kypsyessään juuri nyt.

Jo seuraavilla riveillä lukijan eteen ilmestyy kauhea kuva - autoja, tankkeja, menossa taistelemaan nuorten tyttöjen kanssa. Maailma jakaantui kahteen osaan: ilmatorjuntatykkitytöt ja tankit, sieluttomat koneet, joissa on kuoleman jälki: "Risteillä panssariin" - näin saa myös natsimerkki täällä symbolinen merkitys kuolema sellaisenaan. Siten balladin kaksoismaailma paljastuu jo teoksen ensimmäisessä osassa.

Kohdatessaan maailmaa, joka on vihamielinen, luonteeltaan kauhea, sieluton, mekaaninen, komentaja "todella vanhenee" (viittaus sankarittaren ensimmäiseen mainintaan, että hän on vasta 18-vuotias) - tämä ero iän ja "ikääntymisen välillä" ” on läpileikkausaihe toisen maailmansodan teoksissa ( Riittää, kun muistetaan V. Lifshitsin ”The Ballad of a Stale Piece” ja poika - pieni vanha mies). "Vanhin" yrittää eristää itsensä lähestyvästä kauhusta ("ikäänkuin suojautuessaan kädellä painajaisunelta"), hän on peloissaan, hänen "ryppyilynsä" katoaa jonnekin hetkeksi, mutta tyttö ei anna periksi, hän varmasti kerää itsensä yhteen:

Hän käski hienovaraisesti:

Akku!

Eikä sillä ole väliä, että hän komentaa "hienovasti", kirjoittaja korostaa juuri tätä: naisen ja sodan käsitteiden välistä ristiriitaa, jonka nainen itse haluaa voittaa. Ja suluissa runoilija antaa tytön itkua, jota kenenkään ei pitäisi kuulla - tämä on "Voi äiti!.. Voi, rakas!.." - tapasimme jo aiemmin, Yu. Druninan "The Ballad of the Landing" . Tässä se symboloi samaa asiaa: halua elää, lähestyvän kuoleman kauhua. Ja sen tukkii aseiden volley ja tuli. Itku kuulostaa tulevan yleismaailmallisen naishuudon alusta:

tytöt,

He itkivät sydämensä kyllyydestä.

Ja "Ikään kuin kaikki naisen tuska Venäjällä" kaikuu tässä huutossa: tuskaa kuolleiden poikien, veljien, isien puolesta, tuskaa sodan tuhoaman kohtalon puolesta (huomaa tässä äänen "b" alliteraatio - mikä kantaa kivun jäljen). Vertaamalla sitä "eeppiseen huutoon", joka pakottaa vihollisen kauhean voiman vetäytymään. Itku on liioiteltua, se vaimentaa kuorien räjähdyksiä (ottaen huomioon, että akussa on 30 ihmistä, räjähdystä on mahdotonta hukuttaa huutamalla):

Riippuu taistelukentän yllä

Se kuului räjähdyksiä kovemmin - tämä itku!

Naisen itkun ja huutamisen käsittämätön voima ja tuska auttaa ilmatorjuntatykkien patterin hengissä. Sitä ei voi sivuuttaa, se kuuluu kaikkialla:

Piirustus -

Maa kuunteli

Pysähtyminen kuolemanrajalle.

Itkun kolminkertainen toisto viittaa satuun, sen taikuudella numero kolme. Hän auttaa tyttöjä selviytymään. Heti seuraava säkeistö osoittaa elävän voiton elottomasta – ihmisen voitosta kohtalonsa vallasta. Ilmatorjuntatykkien itku on kuin ihme, joka auttaa selviytymään ja valmistautumaan (itku suorittaa balladin "ihmeellinen" tehtävää). Panssarivaunut palavat tyttöjen ilmatorjuntatykkimiesten voimalla ja rohkeudella voitettuina. Näillä riveillä annettu kuva on globaali, se on sama kaikkialla, siksi mäki on "nimetön" ja itse taistelu on "keskellä maapalloa" - äärimmäistä yleisyyttä, kaiken elävän yhteenkuuluvuutta. Ja jälleen hyperbolin käyttö, tankit palavat "uskomattoman kuumana", nämä eivät ole enää rautaajoneuvoja, vaan "tankkipaloja", joiden tulessa paha tuhoutuu ("neljä mustaa": äänet "ch", "e" ” vierekkäin asetetut luovat kuvan paholaista - siihen liittyy toinen maailma ja rockin voima).

Ja täydellisen hiljaisuuden tunne...

Se tuli heille myöhemmin.

Neljäkymmentäviisi.

Tietysti niille, jotka itse tulivat sodasta.

Sota ja rauhallinen elämä asettuvat balladissa selkeästi vastakkain, aivan kuten sadussa hyvä ja paha, tästä johtuu hyperbolinen ja jopa hieman fantastinen luonne luotuja kuvia. Siksi taistelukentän luonto ja Moskovan luonto eroavat toisistaan. Taistelun yläpuolella on kauhea taivas "luminen, pistemäinen", tuuli on "polttavan kuuma". Rauhallinen elämä on "kevään oksia", "sadetta Arbatin yllä", "täydellisen hiljaisuuden tunnetta" (versusaa itkua ja sodan räjähdyksiä).

"Rozhdestvensky osaa puhua runoudessa, kirjoittaa ihmisille, joilla on hyvä kuulo, hän tietää, että joskus on tärkeämpää, oikeampaa korostaa sanaa, joka osoittaa ihmisen luonteen erikoisuuden, kuin hämmästyttää monilla runollisilla keksinnöillä, ” sanoo A. Kovalenkov. Todellakin. Rozhdestvensky välttää pohjimmiltaan muodollisia säekokokeita. Hän esittää sanan ja korostaa sitä. Nämä sanat vahvistavat yksinkertaisia totuuksia - hyvyyttä, isänmaallisuutta, uskollisuutta velvollisuudelle.

Siten Rozhdestvenskyn balladi on sisällöltään lähellä sodanaikaista balladia. Ja tietysti sillä on monia yhtäläisyyksiä Yu. Druninan "Ballad of the Landingin" kanssa, ei vain valituslaulun "Oh, Mommy" käytön suhteen, vaan myös rockin voimaa vastustavien tyttöjen kuvassa. Mutta sen paatos ei ole vain sankarillista, se on myös filosofisesti sankarillista (ja ihailua tyttöjen ilmatorjuntatykistäjiä kohtaan ja tuomitseminen sodasta, johon tytöt osallistuvat, ja pohdiskelu naisen elämästä, sodan käsitteiden ehdoton yhteensopimattomuus ja nainen), eli filosofisen periaatteen vahvistuminen voidaan jäljittää myös Rozhdestvenskyn balladissa.

Andrei Voznesensky on lahjakas ja omaperäinen runoilija. ”Hänellä on innokas nykyaikaisuuden tunne, intensiivinen lyyrisyys, mielikuvien polysemian himo, teräsjousen kaltaisia puristettuja assosiaatioita ja odottamattomia, usein groteskeja metaforia. Voznesenskin runous ilmentää ainutlaatuista synteesiä lyyristä ja filosofiasta, musikaalisuudesta ja hälytysäänestä. Jakeen epätavallinen rytmi, rohkeat metaforat ja temaattiset "impulssit" rikkoivat "vauras" Neuvostoliiton runouden vakiintuneet kaanonit. Hänen runoutensa laadusta, kuten naturalismista, on puhuttu paljon, jokainen teos on filosofinen ja naturalistinen, mutta Voznesenskin runojen lyyrinen sankari ei koskaan tunne harmoniaa.

Suuri isänmaallinen sota on yksi niistä tärkeitä aiheita Andrei Voznesenskyn runoissa. Nämä ovat "Balladi 1941", "Goya", "Ditch", "Tohtori Autumn" jne. Runoilijan lapsuus kului maalle suurten koettelemusten vuosien aikana - siksi sota ei jätä Voznesenskiä. Siirrytään "Balladiin 1941".

Tämä balladi perustuu tarinaan siitä, kuinka piano tuotiin vuonna 41 Kertšin louhokselle polttopuuksi. Mutta musiikkia kuullaan - se on sotilas, entinen muusikko soittaa pianoa.

Koostumus on yksinkertainen: balladi on jaettu 3 osaan: alku - kaksi ensimmäistä neliöosaa; huipentuma - kolme keskusneliötä; denouement - kaksi viimeistä neliötä. Tämä jakautuminen näkyy tässä balladissa hyvin selvästi.

Alussa löydämme pianon persoonallisuuden. Tämä ei ole enää esine, vaan elävä olento. Hän "ryömii ulos", "makaa vatsallaan ja humisee", "hengitti raskaasti kuin lisko".

Näemme ihmisten maailman ja tämän personoidun esineen eron. Ihmissotilaat näyttivät saaneen vangiksi ennennäkemättömän hirviön. He "raahaavat" häntä tappaakseen hänet - "polttopuille", pitääkseen lämpimänä. Louhos ei ole muuta kuin "ihmisten luola". Osoittautuu, että on olemassa 2 maailmaa: ihmisten maailma - sotilaat, lämpöä janoavat, väsyneitä, sodan uupuneita, jotka ovat lakanneet tuntemasta. Maailma on mekaaninen. Ja maailma on ELÄVÄ, mutta pelottava musiikki-instrumentti- vangittu ("lisko"). Ja tämä piano ymmärtää kaiken, se "odottaa kirveen iskua", odottaa kuolemaansa. Sota on juuri sitä - sitä ei voida tehdä ilman uhreja. Ja ihmisten, sotilaiden mukana, viaton soitin tuhoutuu. Mutta ihmiset näyttävät unohtavan, että ennen heitä musiikki on taidetta, heistä tulee villiä.

Mutta balladin toisessa osassa, huipussaan, kivettyneiden, jäätyneiden ihmisten maailma ja soitin yhdistyvät. Täällä ilmestyy kansansankari - tavallinen sotilas, josta tuli kohtalon tahdosta partisaani. Voznesenski ei maalaa meille muotokuvaa hänestä, hänestä ei ole luonnehdintaa. Kaikki huomio on tämän henkilön käsissä. Hänen sormistaan tulee balladin sankari.

Menetettyään kolme sormea, vääristyneen, tämän sotilaan kädet pysyvät muusikon käsissä sodasta ja kaikesta sen kauhusta huolimatta.

Entisen seuranjohtajan seitsemän sormea!

Ja paleltuma ja kuiva,

Niistä, kuin keitetystä mukulasta,

Kuoret liukuivat pois savuten.

Kaikki tämä nelikko on yksi iso metafora (joka erottaa Voznesenskin runouden - hyperboliset metaforat, tässä "Voznesenskin sukulaisuus Majakovskiin" - N. Aseev sanoo; "Hänen ylikyllästynyt metaforisuus, hänen "metaforien varastonsa", synkopoinnit ja hajoamiset ovat screamingissa. seuraus, ei syy ilmiölle, jota pitäisi kutsua luonnolliseksi kyvyksi." Näyttää siltä, että mikään ei voisi olla rumampaa tai pelottavampaa, koska nämä ovat muusikon käsiä. Ne näyttävät täysin erilaisilta mielessämme: hyvin hoidetut, ohuet sormet, pitkät ja joustavat, kauniit kädet- on muusikko, pianisti. Mutta ei "turvonneita sormia", joista iho liukuu pois kuin kuori.

Seuraava neliö kertoo meille kuitenkin päinvastaista, ja nämä sormet muistavat instrumentin riippumatta siitä, missä tilassa ne ovat. Ja lyyrinen sankari lakkaa huomaamasta heidän puutteitaan ja rumuuttaan. Nämä rumat sormet sodassa alkavat tuntua joltakin epämaallolta, kauniilta, ei tilanteelle ominaiselta, yksinkertaisesti ihanteelliselta:

Heilutetaan jatkuvilla liekeillä

Heidän kauneutensa, heidän jumaluutensa...

Iso, pelottava piano ja elävät, oikeat kädet, heidän sielunsa yhdistyvät ja Voznesenski tekee pääjohtopäätöksen:

Ja se oli suurin valhe

Kaikki mitä pelattiin ennen sitä!

Nyt lyyrinen sankari alkaa ymmärtää todellisen taiteen täyttä voimaa, katoamatonta kauneutta, vain sellaisissa epäinhimillisissä olosuhteissa, sodan aikana, koettuaan kauheita hetkiä. Kaikki, mitä ennen tapahtui, on merkityksetöntä, se ei ole todellista ("Kaikki kattokruunujen, pylväiden heijastukset..." - kuin jotain luonnotonta, joka oli kerran olemassa, mutta jota ei enää oteta vakavasti). Ja totuus on se, mitä hän kuulee ja tuntee nyt ("Minä heijastan aditin nokea. Figuurit. Nälkä. Tulen loisto."). Nyt toisesta maailmansodasta kertovalle balladille kiinnostaa välittömyys, nykyisyys, ei menneisyys ja fantastisuus. Vain tuntemalla, koskettamalla sitä koineessa. Hänen kauhukseen todelliset arvot voidaan ymmärtää.

Balladin kolmannessa osassa kuulemme lyyrisen sankarin itsensä, hänen ”Kokemuksensa” tällä hetkellä ja sen mukana koko kansan kokemus. Törmäys pianon kanssa, itse sodan musiikki, sankarillisuus ja aitous, hetken ei-fiktiivinen luonne. Osoittautuu, että maailma ei ole menettänyt kykyään tuntea. Ja sitä vaikeampaa sankarin on kestää "hirveän kauniiden" käsien alta kuuluvan musiikin piina. Balladissa soi ehtymättömän luovan hengen motiivi.

Pianoteräs karjuu sisälläni.

Ja makaan louhoksessa.

Ja olen iso kuin piano.

Kaksi maailmaa sulautuu yhdeksi elämäksi. Yhdessä käsityksessä sodasta kokonaisuus. Heijastus siitä, mitä tapahtuu törmäyksessä kohtalon voimien kanssa, jotka toivat pianon louhokselle. Ja kyvyttömyys kestää tätä yhteentörmäystä pidempään, kyvyttömyys kuunnella enää -

Ja kruunauskohtana,

Odotan, että kirves iskee!

"Hän" (ensimmäisestä osasta) muuttuu "minäksi". Tällä finaalin refräänillä on mielestäni suuri merkitys. Lyyrinen sankari sulautuu musiikkiin, pianoon. Hän odottaa instrumentin kanssa kauheaa iskua - kirveen iskua merkkinä, joka tappaa elämän ja taiteen. Mitään ei voi korjata, ihmiset tarvitsevat tulen lämpöä. Mutta silti musiikki on edelleen olemassa, olemassa niin kauan kuin klubin johtajan kädet ovat olemassa, niin kauan kuin on ihmisiä, jotka pystyvät säilyttämään muistissaan suuren, katoamattoman - taiteen. Baladin lopun tragedia, mutta samalla sankarillisuus viimeisellä rivillä.

Klassista balladin melodisuutta tässä teoksessa ei nähdä, huudahduksia on liikaa, usein mieslauseita - uskomatonta painetta.

Siten voidaan havaita S. Gudzenkon balladissa havaittu filosofisen periaatteen vahvistuminen toista maailmansotaa koskevissa balladeissa. Ei vain tarina traagisista, käännekohtaisista tilanteista, vaan myös arvio ja ratkaisu universaaleihin inhimillisiin ongelmiin. Sota on mieletöntä: se tuo kuoleman kaikelle, mikä on puhdasta, ylevää, kaunista - taidetta.