Vue de dessus de l'Opéra de Sydney. Opéra de Sydney Répertoire et programmes complémentaires

L'Opéra de Sydney est le monument phare de l'Australie. Ouvert par la reine Elizabeth II d'Angleterre en 1973, l'Opéra de Sydney devient l'une des attractions les plus importantes d'Australie, refusant de le visiter ce qui serait une erreur impardonnable. Jusqu'en 1958, un dépôt de tramway était situé sur le site où se trouve aujourd'hui l'opéra, et même avant le dépôt - un fort.

La construction du théâtre a pris 14 ans et a coûté à l'Australie environ 102 millions de dollars. Il était initialement prévu de terminer le projet en 4 ans, mais en raison de difficultés avec les travaux de finition internes, le moment de l'ouverture a été considérablement retardé. Pour un fonctionnement normal, le théâtre a besoin d'autant d'énergie électrique qu'il en faudrait pour une ville de 25 000 habitants. Pour la construction de ce complexe unique, des pieux ont été enfoncés dans le fond océanique de la baie de Sydney à une profondeur de 25 mètres. La couverture de toit se compose de 1.056.006 morceaux de tuiles blanches et de tuiles avec une nuance crème mate.

L'Opéra de Sydney a des formes très reconnaissables qui ressemblent à des voiles géantes. Mais si beaucoup de gens reconnaissent immédiatement le théâtre, le voyant de l'extérieur sur une photo ou à la télévision, alors tout le monde ne sera pas en mesure de répondre avec confiance de quel type de bâtiment il s'agit, en examinant sa décoration de l'intérieur. Vous pourrez découvrir toutes les beautés du théâtre avec une excursion dans ses entrailles à 7 heures du matin, c'est-à-dire à une heure où l'Opéra de Sydney est encore en sommeil et ses murs ne sont pas perturbés par des bruits et performances bruyantes.

Cette excursion n'a lieu qu'une fois par jour. Un grand nombre d'artistes différents du monde entier se produisent dans le théâtre, parmi lesquels une tradition est née pour embrasser le mur avant une représentation, mais seuls les plus dignes et les plus grands d'entre eux sont honorés. Par exemple, les lèvres imprimées de Janet Jackson peuvent être trouvées sur le mur des baisers. Néanmoins, l'excursion ne peut être qu'une étape d'introduction dans l'univers de l'Opéra de Sydney. Afin d'obtenir le maximum d'impressions et d'émotions positives, vous devez assister à au moins 1 représentation.

Un autre lieu impressionnant pour les représentations à Sydney est l'Australian Stadium, qui a une capacité de 83 500 personnes.

Informations pour les visiteurs :

Adresse: Bennelong Point, Sydney NSW 2000.

Comment aller là: L'Opéra est situé dans le port de Sydney à Bennelong Point. Il vous sera facile de vous rendre ici depuis n'importe où à Sydney, près de l'intersection des routes de transport maritime et terrestre.

Heures d'ouverture:

Tous les jours (sauf dimanche) de 9h00 à tard le soir ;

Dimanche : 10h00 jusqu'à tard le soir (sous réserve d'événement).

Des prix: selon l'événement.

Emplacement: Australie, Sydney
Construction: 1959 - 1973
Architecte: Jorn Utzon
Coordonnées : 33 ° 51 " 25,4 " S 151 ° 12 " 54,6 " E

Brève description

Le monde entier admire l'Opéra de Sydney. Sur fond de gratte-ciel et de yachts, le théâtre ressemble à une élégante fleur de pierre pliée à partir de murs de pétales. Parfois, les dômes d'un bâtiment sont comparés aux volets d'énormes coquillages ou de voiles soufflées.

Vue aérienne de l'Opéra de Sydney

Les analogies sont justifiées : cette structure inhabituelle avec un toit en forme de voile est située sur un promontoire rocheux, entaillant la baie. L'Opéra de Sydney est célèbre non seulement pour sa structure de toit d'origine, mais aussi pour ses magnifiques intérieurs, réalisés dans un style futuriste appelé « Space Age Gothic ».

C'est dans le bâtiment de l'Opéra de Sydney que se trouve le plus grand rideau de théâtre au monde - chacune de ses moitiés mesure 93 mètres carrés. Le Sydney Theatre possède également le plus grand orgue du monde avec 10 500 tuyaux.

On ne saurait trop insister sur l'importance de la Maison des Muses dans la vie de Sydney. Une salle de concert de 2679 places et un opéra de 1547 places se trouvent sous un même toit. Pour les représentations dramatiques et musicales, une "petite scène" est réservée - une autre salle pour 544 spectateurs. Il y a aussi une salle d'exposition de cinéma avec 398 places. Le lieu d'une capacité de 210 personnes est utilisé pour des conférences. Le complexe théâtral, qui est visité par environ 2 millions de personnes chaque année, est complété par un studio d'enregistrement, une bibliothèque, des mini-salles d'art, des restaurants et des cafés.

Opéra de Sydney - un chef-d'œuvre d'un architecte danois

Utzon La création du théâtre de Sydney a été inspirée par le chef d'orchestre et compositeur anglais Eugene Goossens, invité à Sydney en 1945 pour enregistrer un cycle de concerts. Le musicien a découvert que les habitants de l'ancienne colonie britannique ont un vif intérêt pour la musique, mais qu'il n'y a pas de salle appropriée pour des représentations d'opéra et de ballet à travers le continent.

À cette époque, des concerts avaient lieu à l'hôtel de ville, qui dans son architecture ressemble à un "gâteau de mariage" dans le style du Second Empire, avec une acoustique médiocre et un auditorium pour 2 500 auditeurs. "La ville a besoin d'un nouveau théâtre dont toute l'Australie peut être fière !" - a déclaré Sir Eugene Goossens.

880 spécialistes de 45 pays ont participé au concours du meilleur projet, mais seuls 230 d'entre eux ont atteint la finale. Le gagnant est Dane Jorn Utzon, 38 ans. Il est difficile de dire ce qui aurait pu être construit à l'emplacement du bâtiment couronné de "voiles-dômes" si l'architecte américain Erro Saarinen n'avait été le président du comité de sélection, qui a insisté pour qu'un projet aussi extraordinaire remporte concurrence. Selon Utzon lui-même, l'idée originale lui est venue lorsqu'il a épluché une orange et assemblé une sphère complète à partir d'écorces d'orange hémisphériques. La construction de l'Opéra de Sydney, qui a commencé en 1959, a été retardée et au lieu des 4 ans prévus, elle a duré 14 ans.

L'argent manquait cruellement et les dépenses augmentaient à un rythme accéléré. Il a fallu attirer des investisseurs, ce qui a entraîné une révision de la conception initiale du bâtiment en faveur d'espaces commerciaux alloués aux restaurants et cafés. "Un peu plus, et le bâtiment se transformera en un carré gonflé, en une boîte à vivre timbrée !" - Utzon s'est exclamé avec indignation. Le montant total dépensé pour la construction de l'Opéra de Sydney (102 millions de dollars) était 15 fois supérieur au montant projeté (7 millions de dollars). Le Cabinet des ministres, accusé de « dépenses inutilement élevées et de constructions prolongées », a démissionné, et l'architecte lui-même, désespéré, a brûlé les plans et a quitté définitivement Sydney.

Ouverture de l'opéra de Sydney

Le travail sur la conception des façades et la décoration intérieure a été achevé 7 ans après la démission d'Utzon. En octobre 1973, en présence de la reine Elizabeth II d'Angleterre, le théâtre est inauguré et la première représentation donnée sur la scène de la Maison des Muses de Sydney est l'opéra Guerre et paix de Sergueï Prokofiev. En 2003, Utzon a reçu le prestigieux prix Pritzker pour son projet de théâtre, et en 2007, l'Opéra de Sydney a été déclaré site du patrimoine mondial. Mais, hélas, le ressentiment d'Utzon contre les autorités australiennes était si grand qu'il ne revint jamais à Sydney et mourut en 2008 sans voir l'opéra achevé dans toute sa splendeur.

(English Sydney Opera House) - l'un des bâtiments les plus célèbres et facilement reconnaissables au monde, qui est le symbole de la plus grande ville d'Australie, Sydney, et l'une des principales attractions de l'Australie - Les coquillages en forme de voile qui forment le toit en font bâtiment pas comme les autres au monde. L'Opéra est reconnu comme l'un des bâtiments les plus remarquables de l'architecture moderne et depuis 1973, avec le Harbour Bridge, est la marque de commerce de Sydney.

L'Opéra de Sydney est situé dans le port de Sydney, à Bennelong Point. Cet endroit a été nommé d'après un ami aborigène australien du premier gouverneur de la colonie. Il est difficile d'imaginer Sydney sans l'Opéra, mais jusqu'en 1958, il y avait un dépôt de tramway ordinaire à sa place (avant le bâtiment de l'opéra, il y avait un fort, puis un dépôt de tramway).

L'architecte de l'Opéra est le danois Jorn Utzon. Malgré le succès du concept de coques sphériques, qui résolvait tous les problèmes de construction, bien adapté à la production en série, à la fabrication précise et à la facilité d'installation, la construction a pris du retard, principalement en raison de la décoration intérieure des locaux. Il était prévu que la construction de l'Opéra durera 4 ans et coûtera 7 millions de dollars australiens. Au lieu de cela, l'opéra a pris 14 ans à construire et a coûté 102 millions de dollars !

L'Opéra de Sydney est un bâtiment expressionniste au design radical et innovant. Le bâtiment couvre une superficie de 2,2 hectares. Sa hauteur est de 185 mètres et sa largeur maximale est de 120 mètres. Le bâtiment pèse 161 000 tonnes et repose sur 580 pieux, qui sont descendus dans l'eau à une profondeur de près de 25 mètres du niveau de la mer. Son alimentation électrique équivaut à la consommation électrique d'une ville de 25 000 habitants. L'électricité est distribuée sur 645 kilomètres de câble.

Le toit de l'opéra se compose de 2 194 sections préfabriquées, sa hauteur est de 67 mètres et son poids de plus de 27 tonnes, toute la structure est maintenue par des câbles en acier de 350 kilomètres de long. Le toit du théâtre est formé d'une série de "coquilles" d'une sphère de béton inexistante de 492 pieds de diamètre, communément appelée "coquilles" ou "voiles", bien que cela soit incorrect d'après une définition architecturale d'une telle structure . Ces coques sont construites à partir de panneaux de béton préfabriqués en forme de triangle soutenus par 32 nervures préfabriquées du même matériau. Toutes les nervures font partie d'un grand cercle, ce qui a permis aux contours des toits d'avoir la même forme et à l'ensemble du bâtiment un aspect complet et harmonieux.

L'ensemble du toit est recouvert de 1 056 006 tuiles azulejos de couleurs blanc et crème mat. Bien que de loin, la structure semble être entièrement constituée de carreaux blancs, les carreaux créent différents schémas de couleurs dans différentes conditions d'éclairage. Grâce à la méthode mécanique de pose des tuiles, toute la surface de la toiture est parfaitement lisse, ce qui était impossible avec un revêtement manuel. Toutes les tuiles ont été produites par l'usine suédoise Höganäs AB avec une technologie d'autonettoyage, mais malgré cela, des travaux sont régulièrement effectués pour nettoyer et remplacer une partie des tuiles.

Les deux plus grandes voûtes en coquille forment le plafond de la salle de concert et de l'opéra. Dans d'autres salles, les plafonds forment des ensembles de voûtes plus petites.

La structure du toit en gradins était très belle, mais créait des problèmes de hauteur à l'intérieur du bâtiment, car la hauteur résultante n'offrait pas une acoustique appropriée dans les halls. Pour résoudre ce problème, des plafonds séparés ont été conçus pour refléter le son. Dans le plus petit évier, loin de l'entrée principale et de l'escalier principal, se trouve le restaurant Bennelong.

L'intérieur du bâtiment est décoré de granit rose apporté de la région de Tarana (Nouvelle-Galles du Sud), de bois et de contreplaqué.

Pour ce projet, Utzon a reçu le prix Pritzker, la plus haute distinction en architecture, en 2003. La cérémonie de remise des prix était accompagnée des mots : « Il ne fait aucun doute que l'Opéra de Sydney est son chef-d'œuvre. C'est l'un des grands bâtiments emblématiques du 20e siècle, une image d'une beauté extraordinaire qui est devenue connue dans le monde entier - un symbole non seulement de la ville, mais de tout le pays et du continent. . . "

L'Opéra de Sydney abrite quatre compagnies clés de l'art australien - l'Opéra australien, le Ballet australien, la Compagnie de théâtre de Sydney et l'Orchestre symphonique de Sydney, auxquels s'ajoutent de nombreuses autres compagnies et théâtres basés à l'Opéra de Sydney. Ce théâtre est l'un des centres les plus animés des arts de la scène, accueillant environ 1 500 représentations par an avec une fréquentation totale de plus de 1,2 million. C'est également l'une des attractions les plus populaires d'Australie, avec plus de sept millions de touristes qui la visitent chaque année.

L'Opéra dispose de trois salles de spectacle principales :

La salle de concert, 2679 places, est la maison de l'orchestre symphonique de Sydney. Elle contient le plus grand orgue mécanique au monde, avec plus de 10 000 tuyaux.

L'Opéra de 1507 places est le siège de l'Opéra de Sydney et de l'Australian Ballet.

Le théâtre dramatique, 544 places, est utilisé par la Sydney Theatre Company et d'autres groupes de danse et de théâtre.

En plus de ces trois salles, l'Opéra de Sydney contient plusieurs salles et studios plus petits.

Diana Damrau est une chanteuse d'opéra et de concert allemande, soprano colorature. Diana Damrau est née le 31 mai 1971 à Günzburg, en Bavière, en Allemagne. On raconte que son amour pour la musique classique et l'opéra s'est éveillé à l'âge de 12 ans, après avoir vu un magnifique film-opéra de Franco Zeffirelli "La Traviata" (G. Verdi) avec Placido Domingo et Teresa Strates dans les rôles principaux. À l'âge de 15 ans, elle est apparue dans la comédie musicale "My Fair Lady" lors d'un festival dans la ville voisine d'Offingen. Elle a reçu sa formation vocale à l'École supérieure de musique de Würzburg, où son professeur était la chanteuse roumaine Carmen Hanganu, pendant ses études elle a également étudié à Salzbourg avec Hannah Ludwig et Edith Mathis. Diplômée avec mention du conservatoire en 1995, Diana Damrau a signé un contrat de deux ans avec le théâtre de Würzburg, où elle a fait ses débuts professionnels au théâtre dans le rôle d'Eliza "My Fair Lady" et un début à l'opéra avec le rôle de Barbarina de The Wedding. de Figaro, suivi des rôles d'Annie ("Le Tireur Magique"), Gretel ("Hansel et Gretel"), Marie ("Le Tsar et le Charpentier"), Adèle ("La Chauve-souris"), Valenciennes ("Le Joyeux Veuve") et d'autres. Ensuite, il y a eu des contrats de deux ans avec le Théâtre National de Mannheim et l'Opéra de Francfort, où elle a joué les rôles de Gilda ("Rigoletto"), Oscar ("Mascarade Ball"), Cerbinetta ("Ariadne auf Naxos"), Olympia ( "Les Contes d'Hoffmann") et Queens of the Night ("La Flûte enchantée"). Avec le rôle de la Reine de la nuit, elle s'est produite en 1998/99 en tant qu'invitée aux opéras d'État de Berlin, Dresde, Hambourg, Francfort et à l'Opéra de Bavière avec le rôle de Zerbinetta. En 2000, la première représentation de Diana Damrau hors d'Allemagne a lieu à l'Opéra national de Vienne avec le rôle de la Reine de la nuit. Depuis 2002, la chanteuse travaille comme artiste indépendante dans divers théâtres, la même année, elle fait ses débuts à l'étranger avec un concert aux États-Unis, à Washington. Depuis, elle a travaillé sur les plus grandes scènes d'opéra du monde, les principaux moments de la formation de la carrière de Damrau sont ses débuts à Covent Garden (2003, Queen of the Night), en 2004 à La Scala en ouverture après la restauration du théâtre avec l'opéra d'Antonio Salieri « L'Europe reconnue », en 2005 au Metropolitan Opera (Zerbinetta, « Ariadne auf Naxos »), en 2006 au Festival de Salzbourg, un concert en plein air avec Placido Domingo au stade olympique de Munich en l'honneur de l'ouverture de la Coupe du monde de football à l'été 2006. Le répertoire d'opéra de Diana Damrau est très diversifié, elle travaille aussi bien dans les rôles classiques de sopranos dans les opéras italiens, français et allemands, que dans les œuvres de compositeurs contemporains, et au début de sa carrière dans les comédies musicales et les opérettes. Le bagage de ses rôles d'opéra atteint près de cinquante et, en plus de ceux mentionnés précédemment, comprend Marceline (Fidelio, Beethoven), Leila (Pearl Seekers, Bizet), Norina (Don Pasquale, Donizetti), Adina (Love Potion, Donizetti) , Lucia ("Lucia di Lammermoor", Donizetti), Rita ("Rita", Donizetti), Marguerite de Valois ("Les Huguenots", Meyerbeer), Servilia ("Mercy of Titus", Mozart), Constanta et Blond ("Enlèvement du Sérail ", Mozart), Suzanne (" Les Noces de Figaro ", Mozart), Pamina (" La Flûte enchantée ", Mozart), Rosina (" Le Barbier de Séville ", Rossini), Sophie (" Le chevalier rose " , Strauss), Adele (" La Chauve-Souris ", Strauss), Woglindu (" L'Or du Rhin " et " Le Crépuscule des Dieux ", Wagner) et bien d'autres. En plus de ses réalisations à l'opéra, Diana Damrau s'est imposée comme l'une des meilleures concertistes du répertoire classique. Elle interprète des oratorios et des chansons de Bach, Haendel, Mozart, Vincenzo Rigini, Beethoven, Robert et Clara Schumann, Meyerbeer, Brahms, Fauré, Mahler, Richard Strauss, Zemlinsky, Debussy, Orff, Barber, se produit régulièrement au Berlin Philharmonic, Carnegie Hall Wigmore Hall, le Golden Hall de l'Orchestre philharmonique de Vienne, ainsi qu'un invité régulier de la Schubertiada, de Munich, de Salzbourg et d'autres festivals. Son CD de chansons de Richard Strauss (Poesie) avec l'Orchestre Philharmonique de Munich a reçu le prix ECHO Klassik en 2011. Diana Damrau vit à Genève, en 2010 elle a épousé le baryton-basse français Nicolas Teste, à la fin de la même année, Diana a donné naissance à un fils, Alexandre. Après la naissance de l'enfant, la chanteuse est revenue sur scène et poursuit sa carrière active. Photo : Tanja Niemann

Pauline Viardot, nom complet Pauline Michelle Ferdinand García-Viardot (fr. Pauline Michelle Ferdinande García-Viardot) est une grande chanteuse française, mezzo-soprano, 19e siècle, professeur de chant et compositeur d'origine espagnole. Pauline Viardot est née le 18 juillet 1821 à Paris. Fille et élève du chanteur et professeur espagnol Manuel Garcia, sœur de Maria Malibran. Enfant, elle a étudié l'art du piano avec Franz Liszt et allait devenir pianiste, mais ses incroyables capacités vocales ont déterminé son métier. Elle s'est produite dans divers théâtres en Europe et a donné de nombreux concerts. Elle était célèbre pour les rôles de Fides ("Le Prophète" de Meyerbeer), Orphée ("Orphée et Eurydice" de Gluck), Rosina ("Le Barbier de Séville" de Rossini). L'auteur de romances et d'opéras comiques sur un livret d'Ivan Tourgueniev, son ami intime. Avec son mari, qui a traduit les œuvres de Tourgueniev en français, elle a promu les réalisations de la culture russe. Son nom de famille est orthographié sous diverses formes. Avec son nom de jeune fille Garcia, elle a atteint la gloire et la gloire, après le mariage, elle a utilisé le double nom de famille Garcia-Viardot pendant un certain temps et à un moment donné, elle a abandonné son nom de jeune fille et s'est appelée « Mme Viardot ». En 1837, Pauline Garcia, âgée de 16 ans, donne son premier concert à Bruxelles, et en 1839, elle fait ses débuts dans le rôle de Desdemona dans Othello de Rossini à Londres, devenant le clou de la saison. Malgré quelques défauts, la voix de la fille combinait une technique exquise avec une passion incroyable. En 1840, Pauline épouse Louis Viardot, compositeur et directeur du Théâtre Italien de Paris. Ayant 21 ans de plus que sa femme, son mari a commencé à poursuivre sa carrière. En 1844, dans la capitale de l'Empire russe, la ville de Saint-Pétersbourg, elle se produit sur la même scène avec Antonio Tamburini et Giovanni Batista Rubini. Viardot avait de nombreux fans. En particulier, l'écrivain russe Ivan Sergueïevitch Tourgueniev est tombé passionnément amoureux de la chanteuse en 1843 après avoir entendu son interprétation dans Le Barbier de Séville. En 1845, il quitte la Russie pour suivre Pauline et finit par devenir presque un membre de la famille Viardot. L'écrivain a traité les quatre enfants de Polina comme les siens et l'a adorée jusqu'à sa mort. Elle, à son tour, était une critique de son travail, et sa position dans le monde et ses relations présentaient l'écrivain sous le meilleur jour. La vraie nature de leur relation est encore un sujet de débat. De plus, Pauline Viardot a communiqué avec d'autres grands personnages, dont Charles Gounod et Hector Berlioz. Célèbre pour ses capacités vocales et dramatiques, Viardot a inspiré des compositeurs tels que Frédéric Chopin, Hector Berlioz, Camille Saint-Saëns et Giacomo Meyerbeer, l'auteur de l'opéra Le Prophète, dans lequel elle devient la première interprète du rôle de Fides. Elle ne s'est jamais considérée comme une compositrice, mais a en fait composé trois recueils de musique et a également aidé à écrire de la musique pour des rôles créés spécialement pour elle. Plus tard, après avoir quitté la scène, elle a écrit un opéra intitulé Le dernier sorcier. Viardot parlait couramment l'espagnol, le français, l'italien, l'anglais, l'allemand et le russe et utilisait diverses techniques nationales dans son travail. Grâce à son talent, elle se produit dans les meilleures salles de concert d'Europe, dont l'Opéra de Saint-Pétersbourg (en 1843-1846). La popularité de Viardot était si grande que Georges Sand en fit le prototype de la protagoniste du roman Consuelo. Viardot a chanté le rôle de mezzo-soprano dans Tuba Mirum (Requiem de Mozart) aux funérailles de Chopin le 30 octobre 1849. Elle a interprété le rôle principal dans l'opéra Orphée et Eurydice de Gluck. En 1863, Pauline Viardot-Garcia quitte la scène, quitte la France avec sa famille (son mari est un opposant au régime Napoléon III) et s'installe à Baden-Baden. Après la chute de Napoléon III, la famille Viardot revient en France, où Pauline enseigne au Conservatoire de Paris jusqu'à la mort de son mari en 1883, et tient également un salon de musique boulevard Saint-Germain. Parmi les élèves et étudiants de Pauline Viardot figurent les célèbres Désiré Artaud-Padilla, Sophie Roer-Brainin, Bilodz, Hasselman, Holmsen, Schliemann, Schmeiser, Bilbo-Bachelet, Meyer, Rollant et autres. Elle avait une excellente école vocale pour de nombreux chanteurs russes, dont F.V. Litvin, E. Lavrovskaya-Tserteleva, N. Iretskaya, N. Shtemberg. Le 18 mai 1910, Pauline Viardot décède, entourée de ses proches. Inhumé au cimetière de Montmartre à Paris. Le poète russe Alexei Nikolaevich Pleshcheev lui a dédié son poème « Le chanteur » (Viardot Garcia) : Non ! Je ne t'oublie pas, sons envoûtants, Comme les premières douces larmes d'amour, je n'oublie pas ! Quand je t'écoutais, le tourment s'abattait dans ma poitrine, Et de nouveau j'étais prêt à croire et à aimer ! Je ne l'oublie pas... Soit une prêtresse inspirée, couverte d'une couronne de feuillus, Elle m'est apparue... et a chanté un hymne sacré, Et son regard brûlait d'un feu divin... Puis une pâle image en elle J'ai vu Desdémone, Quand elle, penchée sur la harpe dorée, Elle a chanté une chanson sur le saule... et les gémissements ont été interrompus par le triste débordement de cette vieille chanson. Avec quelle profondeur elle comprenait, étudiait Celui qui connaissait les gens et les secrets de leurs cœurs ; Et si une grande ressuscitait du tombeau, Il mettrait Sa couronne sur son front. Parfois Rosina m'apparaissait, jeune Et passionnée, comme la nuit de son pays natal... Et, écoutant sa voix magique, Vers cette terre fertile j'ai lutté avec mon âme, Où tout enchante l'oreille, tout ravit les yeux, Où le ciel bleu éternel brille, Où les rossignols sifflent sur les branches du sycomore Et le cyprès, l'ombre tremble sur la surface lisse des eaux ! Et ma poitrine, pleine de plaisir sacré, Délice pur, s'est soulevée, Et des doutes inquiétants se sont envolés, Et mon âme était calme et légère. En tant qu'amie après des jours de séparation douloureuse, j'étais prête à embrasser le monde entier... Oh ! Je ne t'oublie pas, sons envoûtants, Comme les premières douces larmes d'amour, je n'oublie pas !<1846>

Yulia Novikova est une chanteuse d'opéra russe, soprano. Julia Novikova est née à Saint-Pétersbourg en 1983. Elle a commencé à étudier la musique à l'âge de 4 ans. Elle est diplômée avec mention d'une école de musique (piano et flûte). Pendant neuf ans, elle a été membre et soliste du Chœur d'enfants de la télévision et de la radio de Saint-Pétersbourg sous la direction de S.F. Gribkov. En 2006, elle a obtenu son diplôme avec distinction de la St. AU. Rimsky-Korsakov, classe de chant (professeur O.D. Kondina). Pendant ses études au Conservatoire, elle chante les rôles de Suzanne (Les Noces de Figaro), Serpina (La Pucelle), Martha (La Fiancée du Tsar) et Violetta (La Traviata) au studio d'opéra. Yulia Novikova a fait ses débuts professionnels en 2006 au Théâtre Mariinsky dans le rôle de Flora dans Le Tour d'écrou de B. Britten (sous la direction de V. Gergiev et P. Smelkov). Julia a obtenu son premier contrat à durée indéterminée au théâtre de Dortmund alors qu'elle était encore étudiante au conservatoire. En 2006-2008. Julia a interprété au Théâtre de Dortmund les rôles d'Olympia (Les Contes d'Hoffmann), Rosina (Le Barbier de Séville), Reine de Shemakhan (Le Coq d'or) et Gilda (Rigoletto), ainsi que le rôle de la Reine de la nuit (La Flûte enchantée) à l'opéra de Francfort. Lors de la saison 2008-2009. Julia est revenue avec le rôle de la Reine de la nuit à l'Opéra de Francfort, et a également joué ce rôle à Bonn. Aussi cette saison ont été joués Oscar ("Bal de la mascarade"), Medoro ("Furious Orlando" de Vivaldi), Blondchen ("Enlèvement du sérail") à l'Opéra de Bonn, Gilda - à Lübeck, Olympia - au Komische Oper (Berlin ). Saison 2009-2010 a commencé avec une performance réussie en tant que Gilda dans la première production de Rigoletto au Berliner Komische Oper. Viennent ensuite la Reine de la nuit aux Opéras d'État de Hambourg et de Vienne, au Staatsoper de Berlin, Gilda et Adina ("Love Potion") à l'Opéra de Bonn, Zerbinetta ("Ariadne auf Naxos") à l'Opéra de Strasbourg, Olympie aux opéras Komische, et Rosina à Stuttgart... Les 4 et 5 septembre 2010, Julia a interprété le rôle de Gilda dans l'émission télévisée en direct Rigoletto de Mantoue dans 138 pays (producteur A. Andermann, chef d'orchestre Z. Meta, réalisateur M. Belokchio, Rigoletto P. Domingo, etc.) . Lors de la saison 2010-2011. Julia se produira avec le paria d'Amina (Somnambula) à Bonn, Norina (Don Pasquale) à Washington, Gilda au Comische Berlin, Olympia aux opéras de Francfort et Oscar, Queen of the Night, Zerbinetta et Adina à l'Opéra national de Vienne. Yulia Novikova apparaît également dans des concerts. Julia a joué avec l'Orchestre philharmonique de Duisburg (direction J. Darlington), avec l'orchestre de la Deutsche Radio Philharmonie (direction Ch. Poppen), ainsi qu'à Bordeaux, Nancy, Paris (Théâtre des Champs Elysées), Carnegie Hall (New York). Il y a eu des récitals au Grachten Festival à Amsterdam et au Muziekdriedaagse Festival à La Haye, un concert de gala à l'Opéra de Budapest. Dans un avenir proche, un concert avec l'Orchestre de chambre de Berne et un concert du Nouvel An à Vienne sont prévus. Yulia Novikova - lauréate et lauréate de plusieurs concours musicaux internationaux : - Operalia (Budapest, 2009) - premier prix et prix du public ; - Débuts musicaux (Landau, 2008) - lauréat, lauréat du Prix Emmerich Smola ; - New Voices (Gutersloh, 2007) - Prix du public ; - Concours International de Genève (2007) - Prix du Public ; - Compétition internationale. Wilhelm Stenhammar (Norrköpping, 2006) - troisième prix et prix de la meilleure interprétation de musique suédoise contemporaine. Informations du site officiel de la chanteuse Yulia Novikova http://www.julianovikova.com/

Irina Konstantinovna Arkhipova - chanteuse d'opéra soviétique et russe, mezzo-soprano, soliste du Théâtre Bolchoï (1956-1988), Artiste du peuple de l'URSS (1966), Chevalier de l'Ordre de Lénine (1971, 1976, 1985), Prix Lénine lauréat (1978), Héros du travail socialiste (1984), lauréat du Prix d'État de Russie (1996). Irina Konstantinovna Arkhipova est née le 2 janvier 1925 à Moscou. Déjà à l'âge de huit ans, elle est entrée à l'école centrale de musique du conservatoire de Moscou, mais en raison d'une maladie soudaine, elle n'a pas pu y étudier. Plus tard, Irina est entrée à l'école Gnessin. Pendant la Grande Guerre patriotique, elle a été évacuée avec sa famille vers Tachkent, où elle est entrée à l'Institut d'architecture de Moscou, qui y a également été évacué. Après l'obtention du diplôme, travail sur la conception et la construction d'un certain nombre d'installations dans la capitale, y compris un nouveau complexe de bâtiments à l'Université d'État de Moscou sur Vorobyovy Gory, cours de chant parallèles avec N.M. Malysheva, puis a étudié au Conservatoire de Moscou dans la classe de chant de L.F. Savransky. En 1953, elle sort diplômée du conservatoire. En 1954-1956, elle était soliste du Théâtre d'opéra et de ballet de Sverdlovsk. En 1956-1988, elle était soliste du Théâtre Bolchoï. L'interprétation du rôle de Carmen dans l'opéra du même nom de Georges Bizet a reçu une reconnaissance mondiale. Elle se caractérisait par une profonde divulgation intérieure de l'image et la réflexion de l'interprétation. Elle possédait le don de la transformation scénique. Depuis 1955, il a effectué des tournées à l'étranger (Autriche, Pologne, Allemagne de l'Est, Finlande, Italie, Hongrie, Roumanie, Tchécoslovaquie, Bulgarie, USA, Japon, France, Canada). En 1967 et 1971, elle chante au Teatro alla Scala (le rôle de Martha et celui de Marina Mnishek). Depuis 1975, il enseigne au Conservatoire de Moscou, depuis 1984 - professeur. Dans les années 1980, elle a donné une série de concerts "Anthologie de la romance russe". En 1966, elle est invitée au jury du Concours Tchaïkovski et depuis 1967, elle est présidente permanente du jury du Concours Glinka. Depuis cette époque, elle a été membre du jury de nombreux concours prestigieux dans le monde, dont la "voix Verdi" et le nom de Mario del Monaco en Italie, le concours Reine Elizabeth en Belgique, le concours Maria Callas en Grèce, le concours Francisco Concours de Vinyas en Espagne, concours de chant à Paris, concours de chant à Munich. Depuis 1974 (à l'exception de 1994), elle était présidente permanente du jury du Concours Tchaïkovski dans la section "chant solo". En 1997, à l'invitation du Président de l'Azerbaïdjan Heydar Aliyev et du Ministre de la Culture de l'Azerbaïdjan, Pallada Bul-Bul Ogly, Irina Arkhipova a présidé le jury du Concours Bul-Bul, organisé à l'occasion du 100e anniversaire de sa naissance. . Depuis 1986, IK Arkhipova est le président de la All-Union Musical Society, transformée fin 1990 en Union internationale des figures musicales. Depuis 1983 - Président de la Fondation Irina Arkhipova. Docteur honoris causa de l'Académie nationale de musique du nom de la République musicale de Moldavie (1998), président de la Société d'amitié Russie-Ouzbékistan. Elle était députée du Soviet suprême de l'URSS de la 6e convocation. Député du peuple de l'URSS (1989-1991). Auteur des livres : "Mes Muses" (1992), "Music of Life" (1997), "A Brand Named" I "" (2005). Le mari de la chanteuse est l'artiste du peuple de l'URSS Vladislav Piavko. Le fils est Andrey. Arrière-petite-fille - Irina. Le 19 janvier 2010, Irina Konstantinovna Arkhipova a été hospitalisée pour une pathologie cardiaque à l'hôpital clinique de Botkin City. Le chanteur est décédé le 11 février 2010. Elle a été enterrée le 13 février 2010 au cimetière de Novodievitchi à Moscou.

Maria Callas (Anglais Maria Callas ; nom dans l'acte de naissance - Sophia Cecelia Kalos, Anglais Sophia Cecelia Kalos, baptisée Cecilia Sophia Anna Maria Kalogeropoulos - Grec Μαρ ? Α Καλογεροπο ? Λου ; 2 (4) décembre 1923, New York - Septembre 16, 1977, Paris) - Chanteuse d'opéra américaine (soprano). Maria Callas fait partie des réformateurs d'opéra comme Richard Wagner et Arturo Toscanini. La culture de la seconde moitié du 20e siècle est inextricablement liée à son nom. Au début des années 1950, à la veille du phénomène du postmodernisme, lorsque l'opéra du XIXe siècle devient un anachronisme esthétique, Maria Callas ramène l'art lyrique au sommet de la scène Olympe. Ayant relancé l'ère du bel canto, Maria Callas ne se cantonne pas à la colorature virtuose des opéras de Bellini, Rossini et Donizetti, mais fait de sa voix le principal moyen d'expression. Elle est devenue une chanteuse polyvalente avec un répertoire allant des séries d'opéras classiques telles que la Vestale de Spontini, aux derniers opéras de Verdi, aux opéras véristo de Puccini et aux drames musicaux de Wagner. L'essor de la carrière de Callas au milieu du 20e siècle s'accompagne de l'apparition du LP dans l'enregistrement et de l'amitié avec la figure éminente de la maison de disques EMI Walter Legge. L'arrivée sur la scène des opéras d'une nouvelle génération de chefs d'orchestre tels que Herbert von Karajan et Leonard Bernstein et de cinéastes tels que Luchino Visconti et Franco Zeffirelli a fait de chaque représentation avec Maria Callas un événement. Elle a transformé l'opéra en un véritable théâtre dramatique, forçant même "des trilles et des gammes pour exprimer la joie, l'anxiété ou le désir". Maria Callas est née à New York dans une famille d'immigrants grecs. En 1936, la mère de Mary, Gospel, retourne à Athènes pour poursuivre l'éducation musicale de sa fille. La mère a voulu incarner ses talents ratés dans sa fille et a commencé à l'emmener à la bibliothèque de New York sur la Cinquième Avenue. Maria a commencé à écouter de la musique classique à l'âge de trois ans, à cinq ans, elle a commencé à prendre des cours de piano et à huit ans, elle a commencé à prendre des cours de chant. À l'âge de 14 ans, Maria a commencé ses études au Conservatoire d'Athènes sous la direction de l'ancienne chanteuse espagnole Elvira de Hidalgo. En juillet 1941, à Athènes occupée par les Allemands, Maria Callas fait ses débuts à l'Opéra d'Athènes dans le rôle de Tosca. En 1945, Maria Callas retourne à New York. S'ensuit une série d'échecs : elle n'est pas présentée à Toscanini, elle refuse de chanter le rôle de Cio-Cio-San au Metropolitan Opera à cause de son poids, espère un renouveau du Lyric Opera de Chicago, où elle espère chanter, effondré. En 1947, Callas fait ses débuts sur la scène des Arènes de Vérone dans La Joconde de Ponchielli sous la direction de Tullio Serafin. La rencontre avec Séraphin fut, selon les mots de Callas elle-même : « Le vrai début d'une carrière et le plus grand succès de ma vie. Tullio Seraphin introduit Callas dans le monde du grand opéra. Elle chante les premières parties de "Aida" de Verdi et "Norma" de Bellini fin 1948. Au début de 1949, en une semaine, les rôles vocaux incompatibles de Brunhilde dans Valkyrie de Wagner et Elvira dans Les Puritains de Bellini ont créé le phénomène créatif de la chanteuse Maria Callas. Elle a chanté des parties lyriques, dramatiques et colorature, ce qui était un miracle de la chanson - "quatre voix dans une gorge". En 1949, Callas part en tournée en Amérique du Sud. En 1950, elle chante pour la première fois à La Scala et devient la « Reine des prima donnas italiennes ». En 1953, EMI publie pour la première fois des enregistrements complets d'opéras avec Maria Callas. La même année, elle perd du poids de 30 kilogrammes. Le Callas transformé captive le public sur les scènes d'opéra en Europe et en Amérique dans les opéras Lucia di Lammermoor de Donizetti, Norma de Bellini, Medea de Cherubini, Troubadour et Macbeth de Verdi et Tosca de Puccini. En septembre 1957, Maria Callas rencontre pour la première fois Aristote Onassis lors d'un bal en l'honneur de l'anniversaire de la journaliste Elsa Maxwell à Venise. Au printemps 1959, à Venise, ils se retrouvent à un bal. Après cela, Onassis est allé à Londres pour un concert de Callas. Après ce concert, il l'a invitée avec son mari sur son yacht. Fin novembre 1959, la femme d'Onassis, Tina, a demandé le divorce et Callas et Onassis sont alors apparus ouvertement dans la société ensemble. Le couple s'est battu presque constamment, et en 1968, Maria Callas a appris par les journaux qu'Aristote Onassis avait épousé la veuve du président des États-Unis, Jacqueline Kennedy. 1959 marque un tournant dans sa brillante carrière. Cela a été facilité par une perte de voix, une série de scandales, un divorce, une rupture avec le Metropolitan Opera, un départ forcé de La Scala, un amour malheureux pour Aristote Onassis, et la perte d'un enfant. Une tentative de retour sur scène en 1964 se solde par un nouvel échec. A Vérone, Maria Callas a rencontré l'industriel local Giovanni Batista Meneghini. Il avait deux fois son âge et avait une passion pour l'opéra. Bientôt, Giovanni avoua son amour à Maria, vendit complètement son entreprise et se consacra à Callas. En 1949, Maria Callas et Giovanni Meneghini se marient. Il est devenu tout pour Maria : à la fois un époux fidèle, un père aimant, un manager dévoué et un producteur généreux. En 1969, le réalisateur italien Pier Paolo Pasolini a invité Maria Callas à jouer le rôle de Médée dans le film du même nom. Bien que le film n'ait pas été un succès commercial, il est d'un grand intérêt cinématographique, comme toutes les autres œuvres de Pasolini. Le rôle de Médée était pour Maria Callas le seul rôle en dehors de l'opéra. Les dernières années de sa vie, Maria Callas vécut à Paris, pratiquement sans quitter l'appartement, où elle mourut en 1977. Elle a été incinérée et enterrée au cimetière du Père Lachaise. Plus tard, ses cendres ont été dispersées sur la mer Égée. Les phoniatres italiens (médecins spécialisés dans les maladies des cordes vocales) Franco Fussi et Nico Paolillo ont établi la cause la plus probable du décès de la diva d'opéra Maria Callas, écrit l'italien La Stampa (traduction de l'article en anglais publié par Parterre Box). Selon leurs recherches, Callas est décédé d'une dermatomyosite, une maladie rare du tissu conjonctif et des muscles lisses. Fussi et Paolillo sont arrivés à cette conclusion après avoir étudié les enregistrements de Callas réalisés au cours de différentes années et analysé la détérioration progressive de sa voix. L'analyse spectrographique des enregistrements en studio et des performances en direct a montré qu'à la fin des années 1960, lorsque sa détérioration vocale est devenue apparente, la gamme de voix de Callas avait en fait changé de soprano à mezzo-soprano, ce qui expliquait le changement dans le son des notes aiguës de sa performance. .De plus, une étude minutieuse Les enregistrements vidéo de ses derniers concerts ont révélé que les muscles de la chanteuse étaient considérablement affaiblis: sa poitrine ne se soulevait pratiquement pas lors de la respiration et lors de l'inspiration, la chanteuse levait les épaules et tendait ses muscles deltoïdes, c'est-à-dire en fait , elle a fait l'erreur la plus courante avec le soutien du muscle vocal. La cause de la mort de Maria Callas n'est pas connue avec certitude, mais on pense que la chanteuse est décédée d'un arrêt cardiaque. Selon Fussi et Paolillo, les résultats de leurs travaux indiquent directement que l'infarctus du myocarde résultant était une complication résultant d'une dermatomyosite. Il est à noter que ce diagnostic (dermatomyosite) de Callas a été posé peu de temps avant sa mort par son médecin, Mario Jacovazzo (il n'est devenu connu qu'en 2002). Rôles d'opéra de Maria Callas Santuzza - L'honneur rural de Mascagni (1938, Athènes) Tosca - Tosca de Puccini (1941, Opéra d'Athènes) Gioconda - La Gioconda de Ponchielli (1947, Arena di Verona) Turandot - Turandot de Puccini ( 1948, Carlo Felice) (Gênes) Aida - Aida de Verdi (1948, Metropolitan Opera, New York) Norm - Norm de Bellini (1948, 1956, Metropolitan Opera ; 1952, Covent Garden London ; 1954, Lyric Opera, Chicago) Brunhilde - Valkyrie de Wagner (1949-1950 , Metropolitan Opera) Elvira - Les Puritains de Bellini (1949-1950, Metropolitan Opera) Elena - Vêpres siciliennes "Verdi (1951, La Scala", Milan) Kundri - "Parsifal" de Wagner ("La Scala") Violetta - "La Scala" de Verdi ("La Scala") Medea - "Medea" Cherubini (1953, "La Scala") Julia - "Vestal" Spontini (1954, La Scala) Gilda - "Rigoletto" Verdi (1955, "La Scala") Madame Butterfly (Cio-Chio-san) - "Madame Butterfly" Puccini ("La Scala") Lady Macbeth - "Macbeth" Verdi Fedor - "Fedora" Giordano Anna Boleyn - "Anna Boleyn "Donizetti Lucia -" Lucia di Lammermoor "Donizetti Amina -" Somnambula "Bellini Carmen -" Carmen "Bizet

Natalie Dessay (née Nathalie Dessaix) est une chanteuse d'opéra française, soprano colorature. L'une des principales chanteuses de notre époque, au début de sa carrière elle était connue pour sa voix très haute et transparente, maintenant elle chante dans un registre grave. Aimé par le public pour son excellente performance dramatique et son sens de l'humour vif. Natalie Dessay est née le 19 avril 1965 à Lyon, a grandi à Bordeaux. Alors qu'elle était encore à l'école, elle a supprimé la lettre "h" de son nom, en l'honneur de l'actrice Natalie Wood, et a ensuite simplifié l'orthographe du fimilia. Dans sa jeunesse, Dessay rêvait de devenir ballerine ou comédienne et a pris des cours de théâtre, mais une fois, jouant avec des camarades dans une pièce méconnue du XVIIIe siècle, elle a dû chanter, elle a chanté l'air de Pamina de La Flûte enchantée, tout le monde était étonné, on lui a conseillé de porter son attention sur la musique. Natalie entre au Conservatoire d'Etat de Bordeaux, effectue cinq années d'études en un an seulement et obtient son diplôme avec mention en 1985. Après le conservatoire, elle travaille avec l'Orchestre National de Toulouse Capitole. En 1989, elle remporte la deuxième place du concours Voix Nouvelles organisé par France-Télécom, ce qui lui permet d'étudier un an à l'École d'art lyrique de l'Opéra de Paris et de jouer le rôle d'Eliza dans Le Berger du Tsar de Mozart. Au printemps 1992, elle a chanté une courte partie d'Olympia des "Contes d'Hoffmann" d'Offenbach à l'Opéra Bastille, son partenaire était Jose van Dam, la production a déçu les critiques et le public, mais la jeune chanteuse a reçu une ovation debout et a été remarquée. Ce rôle deviendra pour elle une référence, jusqu'en 2001 elle incarnera l'Olympia dans huit productions différentes, dont lors de ses débuts à la Scala. En 1993, Natalie Dessay a remporté le Concours international Mozart de l'Opéra de Vienne et est restée pour étudier et se produire à l'Opéra de Vienne. Ici, elle a chanté le rôle de Blonda de "L'enlèvement du sérail" de Mozart, qui est devenu un autre rôle le plus célèbre et le plus souvent joué. En décembre 1993, Natalie se voit proposer de remplacer Cheryl Studer dans le rôle bien connu d'Olympia à l'Opéra de Vienne. Sa performance a reçu la reconnaissance du public de Vienne et les éloges de Placido Domingo, la même année, elle a interprété ce rôle à l'Opéra de Lyon. La carrière internationale de Natalie Dessay a commencé avec des représentations à l'Opéra de Vienne. Dans les années 1990, sa reconnaissance ne cesse de croître et son répertoire de rôles ne cesse de s'élargir, les offres sont nombreuses, elle se produit dans tous les plus grands opéras du monde - le Metropolitan Opera, La Scala, Bavarian Opera, Covent Garden, Vienna Opera et d'autres. Un trait distinctif de l'actrice Dessay est qu'elle croit qu'une chanteuse d'opéra doit être composée à 70 % de théâtre et à 30 % de musique et s'efforcer non seulement de chanter ses rôles, mais aussi de les jouer de façon dramatique, de sorte que chacun de ses personnages est une nouvelle découverte, jamais comme les autres. Au cours de la saison 2001/2002, Dessay a commencé à éprouver des difficultés vocales et a dû annuler ses performances et ses récitals. Elle quitte la scène et en juillet 2002 subit une intervention chirurgicale pour enlever des polypes sur ses cordes vocales, en février 2003, elle revient avec un concert solo à Paris et poursuit activement sa carrière. Lors de la saison 2004/2005, Natalie Dessay a dû subir une deuxième opération. Une nouvelle apparition publique a eu lieu en mai 2005 à Montréal. Le retour de Natalie Dessay s'accompagne d'une réorientation de son répertoire lyrique. Elle renonce à des rôles "légers", sans profondeur (comme Gilda dans "Rigoletto") ou des rôles qu'elle ne veut plus jouer (Queen of the Night ou Olympia) au profit de personnages plus "tragiques". Cette position a d'abord entraîné de graves désaccords avec certains directeurs et collègues. Aujourd'hui, Natalie Dessay est au sommet de sa carrière et est la soprano phare de notre époque. Vit et se produit principalement aux États-Unis, mais tourne constamment en Europe. Les fans russes ont pu la voir à Saint-Pétersbourg en 2010 et à Moscou en 2011. Début 2011, elle chante (pour la première fois) le rôle de Cléopâtre dans Julia Caesar de Haendel à l'Opéra Garnier, revient au Metropolitan Opera avec son traditionnel " Lucia di Lammermoor ", puis revient à nouveau en Europe avec une version concert de " Pelléas et Melisande " à Paris et à Londres et un concert à Moscou. Dans l'immédiat, la chanteuse compte de nombreux projets : La Traviata à Vienne en 2011 et au Metropolitan Opera en 2012, Cléopâtre en Julia Caesar au Metropolitan Opera en 2013, Manon à l'Opéra de Paris et La Scala en 2012, Marie ("La Fille de le Régiment") à Paris en 2013, et Elvira au Metropolitan en 2014. Natalie Dessay est mariée au baryton-basse Laurent Nauri et ils ont deux enfants. Sur la scène de l'opéra, on peut rarement les voir ensemble, contrairement au couple vedette Alanya-Georgiu, le fait est qu'il y a beaucoup moins de répertoire pour le baryton-soprano que pour le ténor-soprano. Pour le bien de son mari, Dessay a adopté sa religion - le judaïsme.

Joyce DiDonato est une célèbre chanteuse d'opéra américaine, mezzo-soprano. Il est considéré comme l'une des principales mezzo-sopranos de notre temps et le meilleur interprète des œuvres de Gioacchino Rossini. Joyce DiDonato (née Joyce Flaherty) est née le 13 février 1969 à Pryre Village, Kansas, États-Unis dans une famille d'origine irlandaise, sixième de sept enfants. Son père était le chef de la chorale de l'église locale, Joyce y chantait et rêvait de devenir une star de Broadway. En 1988, elle entre à la Wichita State University, où elle étudie le chant. Après Joyce University, DiDonato a décidé de poursuivre ses études musicales et en 1992, elle est entrée à l'Académie des arts vocaux de Philadelphie. Après l'académie, elle a participé pendant plusieurs années aux programmes de formation "Jeune artiste" dans diverses compagnies d'opéra : en 1995 - au "Santa Fe Opera", où elle a reçu une pratique musicale et a fait ses débuts à l'opéra sur la grande scène, mais ainsi loin dans des rôles mineurs dans les opéras "Les Noces de Figaro" de W. A. ​​​​Mozart, "Salomé" de R. Strauss, "Comtesse Maritza" de I. Kalman; de 1996 à 1998 - au Houston Grand Opera et a été reconnu comme le meilleur « artiste émergent » ; à l'été 1997 - à l'Opéra de San Francisco dans le cadre du programme de formation Merola Opera. Au cours de ses études et de sa pratique initiale, Joyce DiDonato a participé à plusieurs concours de chant de renom. En 1996, elle a terminé deuxième au concours Eleanor McCollum à Houston et a remporté l'audition du district pour le Metropolitan Opera Competition. En 1997, elle a remporté le prix William Sullivan. En 1998, elle a remporté la deuxième place au concours Placido Domingo's Operalia à Hambourg et la première place au concours George London. Au cours des années suivantes, elle a reçu de nombreux autres prix et récompenses. Joyce DiDonato a commencé sa carrière professionnelle en 1998 avec des représentations dans plusieurs compagnies d'opéra régionales aux États-Unis, principalement au Houston Grand Opera. Et elle s'est fait connaître d'un large public grâce à l'apparition à la télévision de la première mondiale de l'opéra "Little Woman" de Mark Adamo. Lors de la saison 2000-2001. DiDonato a fait ses débuts européens, commençant tout de suite avec La Scala dans le rôle d'Angelina dans Cendrillon de Rossini. La saison suivante, elle élargit sa connaissance du public européen, apparaissant à l'Opéra des Pays-Bas dans le rôle de Sesta Julius Caesar de Haendel, à l'Opéra de Paris dans le rôle de Rosina dans Le Barbier de Séville de Rossini et à l'Opéra d'État de Bavière dans le rôle de Cherubino dans Les Noces de Figaro de Mazart. et dans les programmes de concerts "Glory" de Vivaldi avec Ricardo Muti et La Scala Orchestra et "A Midsummer Night's Dream" de F. Mendelssohn à Paris. Au cours de la même saison aux États-Unis, elle fait ses débuts au Washington State Opera dans le rôle de Dorabella dans "This Is What All Women Do" de Mozart. A cette époque, Joyce DiDonato était déjà devenue une véritable star de l'opéra de renommée mondiale, aimée du public et saluée par la presse. La poursuite de sa carrière n'a fait qu'élargir sa géographie de tournée et lui a ouvert les portes de nouveaux opéras et festivals - Covent Garden (2002), Metropolitan Opera (2005), Opera Bastille (2002), Théâtre royal de Madrid, Nouveau Théâtre national de Tokyo, Opéra national de Vienne et autres Joyce DiDonato a amassé une riche collection de divers prix et prix musicaux. Comme le soulignent les critiques, il s'agit peut-être de l'une des carrières les plus réussies et les plus fluides du monde de l'opéra moderne. Et même l'accident survenu sur la scène de Covent Garden le 7 juillet 2009 lors de la représentation de "Le Barbier de Séville", lorsque Joyce DiDonato a glissé sur scène et s'est cassé la jambe, n'a pas interrompu cette représentation, qu'elle a terminée avec des béquilles. , ni des performances programmées par la suite, qu'elle a dirigées hors du fauteuil roulant, pour le plus grand plaisir du public. Cet événement « légendaire » est capturé sur DVD. Joyce DiDonato a commencé la dernière saison 2010-2011 avec le Festival de Salzbourg et a fait ses débuts dans le rôle d'Adalgiz dans Norma Belinni avec Edita Gruberova dans le rôle de Norma, puis avec un programme de concerts au Festival d'Édimbourg. À l'automne à Berlin, elle a interprété le rôle de Rosina dans "Le Barbier de Séville" et à Madrid - dans le rôle d'Octavian dans "Der Rosenkavalier". L'année s'est terminée avec d'autres récompenses, la première de l'Académie allemande des enregistrements "Echo Klassik", qui a nommé Joyce DiDonato "Meilleure chanteuse 2010". Les deux prix suivants à la fois du magazine anglais de musique classique "Gramophone", qui l'a nommée "Meilleure artiste de l'année" et a choisi son CD avec les airs de Rossini comme le meilleur "Récital de l'année". Poursuivant la saison aux États-Unis, elle se produit à Houston, puis un récital au Carnegie Hall. Le Metropolitan Opera l'a accueillie dans deux rôles - la page Isolier dans "Count Ori" de Rossini et la compositrice dans "Ariadne auf Naxos" de R. Strauss. Fin de la saison en Europe avec des tournées à Baden-Baden, Paris, Londres et Valence. Le site Web de la chanteuse contient un calendrier chargé de ses futures performances, dans cette liste uniquement pour la première moitié de 2012, il y a une quarantaine de performances en Europe et en Amérique. Joyce DiDonato est maintenant mariée au chef d'orchestre italien Leonardo Vordoni, avec qui elles vivent à Kansas City, Missouri, États-Unis. Joyce continue d'utiliser le nom de famille de son premier mari, qu'elle a épousé dès la sortie de l'université.

Elina Garanca est une chanteuse lettone (mezzo-soprano), l'une des principales chanteuses d'opéra de notre temps. Elina Garanca est née le 16 septembre 1976 à Riga dans une famille de musiciens, son père est chef de chœur, et sa mère, Anita Garanca, est professeur à l'Académie lettone de musique, professeure associée à l'Académie lettone de la culture, professeur de chant à l'Opéra national de Lettonie. En 1996, Elina Garanca entre à l'Académie de musique de Lettonie à Riga, où elle étudie le chant avec Sergei Martynov, et depuis 1998, elle poursuit ses études avec Irina Gavrilovich à Vienne, puis avec Virginia Zeani aux États-Unis. L'un des événements les plus marquants pour Elina pendant ses études a été la performance de Gaetano Donizetti dans le rôle de Jane Seymour dans Anne Boleyn en 1998 - Garanca a appris le rôle en dix jours et s'est découvert une profonde sympathie pour le répertoire bel canto. Après avoir terminé ses études, Garanca a fait ses débuts professionnels à l'opéra au Théâtre d'État de Thuringe du Sud à Meiningen, en Allemagne, avec le rôle d'Octavian dans Der Rosenkavalier. En 1999, elle est devenue la gagnante du concours de chant Miriam Helin à Helsinki, en Finlande. En 2000, Elina Garanca a remporté le prix principal du Concours national d'interprète de Lettonie, puis a été acceptée dans la troupe et a travaillé à l'Opéra de Francfort, où elle a chanté les rôles de la Seconde Dame dans La Flûte enchantée, Hansel dans l'opéra Hansel de Humperdink et Gretel et Rosina dans le barbier de Séville ". En 2001, elle devient finaliste du prestigieux concours international de chanteurs d'opéra à Cardiff et sort son premier album solo avec un programme d'airs d'opéra. La jeune chanteuse a fait sa percée internationale en 2003 au Festival de Salzbourg, lorsqu'elle a interprété le rôle d'Annio dans une production de l'opéra Titus' Mercy de Mozart sous la baguette de Nicolaus Arnoncourt. Cette performance a été suivie de succès et de nombreux engagements. Le lieu de travail principal était l'Opéra national de Vienne, dans lequel Garanca a interprété les rôles de Charlotte dans Werther et Dorabella dans Everybody's So Do en 2003-2004. En France, elle se produit d'abord au Théâtre des Champs-Elysées (Angelina dans Cendrillon de Rossini), puis à l'Opéra de Paris (Opéra Garnier) dans le rôle d'Octavian. En 2007, Elina Garanca s'est produite pour la première fois sur la scène principale de l'opéra de sa ville natale de Riga à l'Opéra national de Lettonie avec le rôle de Carmen. La même année, elle fait ses débuts au Berlin State Opera (Sextus) et au Royal Theatre "Covent Garden" de Londres (Dorabella), et en 2008 - au "Metropolitan Opera" de New York avec le rôle de Rosina dans " Le Barbier de Séville " et l'Opéra de Bavière à Munich (Adalgiza). Actuellement, Elina Garancha se produit sur les scènes des plus grands opéras et salles de concert du monde comme l'une des stars musicales les plus brillantes grâce à sa belle voix, sa musicalité et son talent dramatique convaincant. Les critiques ont noté la facilité, la vitesse et le confort absolu avec lesquels Garancha contrôle sa voix, et le succès avec lequel elle a appliqué la technique vocale moderne au répertoire complexe de Rossini du début du XIXe siècle. Elina Garanca possède une solide collection d'enregistrements audio et vidéo, y compris l'enregistrement primé aux Grammy du "Bayazet" d'Antonio Vivaldi réalisé par Fabio Biondi, où Elina a chanté le rôle d'Andronicus. Elina Garanca est mariée au chef d'orchestre anglais Karel Mark Chichon et le couple attend son premier enfant fin octobre 2011.

Elena Vasilievna Obraztsova - chanteuse d'opéra soviétique et russe, mezzo-soprano. Artiste du peuple de l'URSS, lauréat du prix Lénine, héros du travail socialiste. L'un des chanteurs célèbres de notre époque. Elena Vasilievna Obraztsova est née le 7 juillet 1939 à Léningrad. Pendant la Grande Guerre patriotique, avec sa famille, elle a été évacuée de Leningrad à Ustyuzhna. La musique faisait partie intégrante de l'enfance d'Elena, son père, ingénieur de profession, avait un beau baryton et, de plus, il jouait bien du violon - elle se souviendra toujours des soirées musicales à la maison. En 1948-1954, elle a chanté dans le chœur d'enfants du Palais des Pionniers de Leningrad. AA Zhdanova (chef de choeur - M.F. Zarinskaya). En 1954-1957, dans le cadre du transfert officiel du père, la famille a vécu à Taganrog, où Elena a étudié au P.I. Tchaïkovski avec l'enseignante Anna Timofeevna Kulikova. Lors du concert de reportage à l'école de musique, Obraztsova a été entendue par le directeur de l'école de musique de Rostov M.A. Mankovskaya, et sur sa recommandation en 1957, Elena a été immédiatement admise à l'école pour la 2e année. Un an plus tard, en août 1958, après avoir réussi une audition, elle entre au département préparatoire du Conservatoire d'État de Leningrad. AU. Rimski-Korsakov. En 1962, elle remporte le premier prix du concours de chant All-Union nommé d'après V.I. MI. Glinka et une médaille d'or au Festival mondial de la jeunesse et des étudiants à Helsinki. Le 17 décembre 1963, alors qu'elle était étudiante au conservatoire, E. Obraztsova fait ses débuts au Théâtre du Bolchoï dans le rôle de Marina Mnishek dans l'opéra Boris Godounov de M. Musorgsky. En 1964, elle est diplômée du Conservatoire d'État de Leningrad. AU. Rimsky-Korsakov dans la classe du professeur A.A. Grigorieva (classe d'opéra A.N. Kireev). La présidente du comité de remise des diplômes, Sofia Petrovna Preobrazhenskaya, a attribué à Elena Obraztsova 5 avec un plus - une note qui n'a pas été attribuée au Conservatoire de Leningrad depuis environ 40 ans. La même année, elle devient soliste permanente du Théâtre Bolchoï. La nature a généreusement doté Elena Obraztsova. Elle a une voix d'une rare beauté, un timbre velouté, une richesse sonore de l'orgue, un aspect scénique brillant, qui confère à ses héroïnes d'opéra un relief artistique et une expressivité rares, le talent d'une véritable comédienne dramatique. En 1964, Elena Obraztsova, avec la troupe du Théâtre Bolchoï, se produit à La Scala en Martha dans l'opéra Khovanshchina et en Marie dans l'opéra Guerre et Paix. Les représentations d'Obraztsova en Italie ont été un grand succès, et en 1977, elle a été invitée à ouvrir la saison du 200e anniversaire à La Scala en tant que princesse Eboli dans l'opéra Don Carlos de G. Verdi. En 1975, Elena Obraztsova, avec le Théâtre Bolchoï, part en tournée aux États-Unis. Pendant la pièce "Boris Godounov", Obraztsova, qui jouait le rôle de Marina Mnishek, a été convoquée cinq fois sur scène par des spectateurs enthousiastes, la pièce a dû être arrêtée. Le triomphe d'Elena Obraztsova aux États-Unis l'a finalement approuvée comme une star mondiale de l'opéra. Quelques mois plus tard, Elena Obraztsova se produit dans "Troubadour", une représentation qui ouvre la saison de l'Opéra de San Francisco, avec Luciano Pavarotti et Joan Sutherland comme partenaires. En 1976, Obraztsova, déjà soliste invitée du Metropolitan Opera, fait sensation avec son interprétation du rôle d'Amneris dans Aida de Verdi. En 1977, Obraztsova a interprété le rôle de Dalila dans le Metropolitan. Thor Eckert, critique du New York Times, a ensuite écrit : « Je doute que vous et moi ayons entendu Delilah, qui aurait si facilement réussi à maîtriser deux octaves et demie - Obraztsova interprète cette partie la plus difficile sans l'ombre d'une tension. " Franco Zeffirelli a été invité à jouer le rôle de Santuzzi dans le film "Rural Honor" (1982). « Dans ma vie », écrit Zeffirelli, « il y a eu trois chocs : Anna Magnani, Maria Callas et Elena Obraztsova, qui a fait un miracle lors du tournage du film« L'honneur rural ». Au total, le répertoire d'Elena Obraztsova comprend 86 parties dans des opéras du répertoire classique russe et étranger, ainsi que dans des opéras de compositeurs du XXe siècle, nombre de ses rôles sont devenus des classiques vivants de la scène lyrique moderne : Marina Mnishek (Boris Godounov , 1963), Gouvernante, Polina, Milovzor (1964), Comtesse (1965, La Dame de Pique), Lyubasha (La Fiancée du Tsar, 1967), Konchakovna (Prince Igor, 1968), Martha (Khovanshchina, 1968). Lyubava (Sadko, 1979), Amneris (Aida, 1965), Azucena (Troubadour, 1972), Eboli (Don Carlos, 1973), Santuzza (Rural Honour, 1977), Ulrika ( Bal masqué, 1977), Princesse de Bouillon (Adrienne Lecouvreur, 1977), Adalgiza (Norma, 1979), Giovanna Seymour (Anne Boleyn, 1982), Orphée (Orphée et Eurydice, 1984) , Neris (Médéa, 1989), Leonora (La favorite, 1992), La Duchesse (Sœur Angelica , 1992), Carmen (Carmen, 1972), Charlotte (Werther, 1974), Delilah ( Samson et Delilah ", 1974), Herodias (" Herodias ", 1990), Oberon (" A Midsummer Night's Dream " de B. Britten, 1965), Zhenya Komelkova (« Les aubes ici sont tranquilles » de K. Molchanov, 1975), Judit (« Château du duc Barbe-Bleue » de B. Bartok, 1978), Jocaste (« Oedipus King » de I. Stravinsky, 1980) , Eudosia (" Flamme " de O. Respiga, 1990) ; S. Prokofiev : Frosya ("Semyon Kotko", 1970), Princess Marya (1964), Helen Bezukhova (1971), Akhrosimova (2000, "Guerre et paix"), Mamie ("The Gambler", 1996), Comte Orlovsky ( " Chauve-souris ", 2003) et autres. En plus de ses rôles d'opéra, Elena Obraztsova participe activement à des concerts en Russie et dans le monde. Le répertoire de ses récitals comprend la musique de plus de 100 compositeurs russes et étrangers : M.I. Glinka, A.S. Dargomyzhsky, N.A. Rimsky-Korsakov, M.P. Moussorgski, P. I. Tchaïkovski, S. V. Rachmaninov, S. S. Prokofiev, G. F. Handel, V. A. Mozart, L. Beethoven, R. Schumann, R. Strauss, R. Wagner, J. Brahms, C. Weill, G. Malera, G. Donizetti, G Verdi, G. Puccini, P. Mascani, J. Bizet, J. Massenet, C. Saint-Saens et autres, ainsi que des chansons russes et des romances anciennes... Elle a participé à l'exécution d'oratorios, de cantates, de messes, d'œuvres de musique sacrée russe. Les compositions de jazz ont ajouté de nouvelles touches lumineuses à son talent. En 1986, elle fait ses débuts en tant que réalisatrice, mettant en scène l'opéra Werther de J. Massenet au Théâtre du Bolchoï. La chanteuse a joué dans les films musicaux télévisés "The Merry Widow", "My Carmen", "Rural Honor" et "Tosca", etc. De 1973 à 1994, Elena Obraztsova a enseigné au Conservatoire d'État Tchaïkovski de Moscou. Depuis 1984 - professeur. Depuis 1992, il enseigne à la Musashino Music Academy de Tokyo ; donne des master classes en Europe et au Japon, à l'Académie des jeunes chanteurs d'opéra au Théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg. Elle a été et est membre du jury de nombreux concours internationaux, dont le Concours international nommé d'après P.I. Tchaïkovski à Moscou, le Concours international de chant à Marseille, le Concours international du nom de N.A. Rimsky-Korsakov à Saint-Pétersbourg, le Concours international Ferruchio Tagliavini à Deutschlandsberg, le Concours international des chanteurs d'opéra de Montserrat Caballe. En septembre 1999, le 1er Concours international Elena Obraztsova des jeunes chanteurs d'opéra a eu lieu à Saint-Pétersbourg, et le 8e concours en 2011. Elena Obrazsova a enregistré plus de 50 disques, dont des opéras, des oratorios, des cantates, des disques solo avec des œuvres de musique de chambre et d'opéra. Ces dernières années, des « enregistrements en direct » à valeur spéciale ont été publiés. De juin 2007 à octobre 2008, elle a occupé le poste de directrice artistique de l'opéra au Théâtre Mikhaïlovski (anciennement Théâtre d'opéra et de ballet Moussorgski de Saint-Pétersbourg). Aujourd'hui, à Saint-Pétersbourg, elle dirige un centre culturel qui porte son nom, où elle travaille avec de jeunes artistes. Le 24 octobre 1981, la planète mineure n° 4623 a été découverte, qui s'appelait Obraztsova.

Kiri Janette Te Kanawa est une chanteuse d'opéra néo-zélandaise, soprano lyrique. L'un des principaux chanteurs d'opéra de notre époque avec une belle et chaleureuse voix et un très large répertoire de rôles d'opéra dans différentes langues. Kiri Te Kanawa (née Claire Mary Teresa Rostron) le 6 mars 1944 à Gisborne, Nouvelle-Zélande, d'une mère irlandaise et d'un père maori, mais on sait peu de choses sur ses parents. Elle a été adoptée comme un bébé par la famille Te Kanawa, et ses parents adoptifs étaient également maoris et irlandais. Elle a reçu son éducation générale et musicale à Auckland et était déjà une chanteuse populaire dans les clubs néo-zélandais à l'adolescence et à l'adolescence. Dans le même temps, elle a remporté tous les prix de musique importants en Australie et en Nouvelle-Zélande en 1963, elle a terminé deuxième dans la "Mobil (Lexus) Song Quest", la première place a été remportée par une autre célèbre chanteuse d'opéra néo-zélandaise Malvina Major. En 1965, Kiri Te Kanava elle-même avec l'air « Vissi d'arte » de l'opéra de Puccini « Tosca » est devenue la lauréate du même concours. En 1966, elle a remporté le concours australien « Sun-Aria » et en tant que lauréate, elle a reçu une bourse la même année, sans audition, elle entre au Centre for Opera Singing de Londres, les professeurs constatent à la fois son talent et le manque initial de technique vocale. Sadler Wells, suivi immédiatement par des rôles dans Dido et Aeneas de Purcell et le rôle principal dans Anne Boleyn de Donizetti.En 1969, lors d'une audition pour le rôle de la comtesse dans Les Noces de Figaro, le chef d'orchestre Colin Davis a déclaré : « Je n'en croyais pas mes oreilles, j'ai fait mille auditions et c'était une voix d'une beauté fantastique. " ov" et la fille aux fleurs dans "Parsifal" en 1970. Te Kanawa a continué à se préparer soigneusement pour le rôle de la comtesse, qui devait être créé à Covet Garden en décembre 1971, mais avant cela, il y a eu une représentation au Santa Fe Opera Festival (Nouveau-Mexique, États-Unis), où elle a essayé le rôle, avec elle au même festival, une chanteuse des États-Unis Frederika von Stade a joué, plus tard la presse a noté leur performance: "... il y avait deux nouveaux venus qui ont ébloui le public... chacun a immédiatement réalisé qu'il s'agissait de deux trouvailles et l'histoire a confirmé leur performance." Les deux chanteurs sont devenus amis pendant des années. Le 1er décembre 1971, Kiri Te Kanawa a répété sa performance à Santa Fe à Covent Garden et a créé une sensation internationale. Ce jour-là, elle a reçu le statut de star incontestée de l'opéra et est devenue l'une des sopranos les plus célèbres au monde, se produisant dans les plus grandes maisons d'opéra du monde - Covent Garden, Metropolitan Opera (début 1974), Opéra de Paris (1975) , Sydney Opera House (1978) , Vienna State Opera (1980), La Scala (1978), Chicago Lyric Opera, San Francisco, Bavarian et bien d'autres. Ses héroïnes comprennent un vaste répertoire pour soprano, parmi lesquelles - trois rôles principaux de Richard Strauss - Arabella d'Arabella, Marshalsha, la princesse Maria Teresa von Werdenberg du Chevalier des roses et la comtesse de Capriccio; Fjordiligi de Mozart de "All Women Do", Donna Elvira de "Don Giovanni", Pamina de "La Flûte enchantée", et bien sûr, la comtesse Almaviva de "Les Noces de Figaro" ; Violetta de Verdi de Triaviatta, Amelia Boccanegra de Simon Boccanegra, Desdemona d'Ottelo; de Puccini - Tosca, Mimi et Manon Lescaut ; Carmen Bizet, Tatiana Tchaïkovski, Rosalind Johann Strauss et bien d'autres. Sur la scène de concert, sa beauté et sa clarté vocales se sont combinées avec les plus grands orchestres symphoniques du monde de Londres, Chicago, Los Angeles sous la direction de chefs tels que Claudio Abbado, Colin Davis, Charles Dutoit, Georg Solti et d'autres. Elle est devenue une participante régulière aux festivals d'opéra internationaux de Glidebourne, Salzbourg, Vérone. Au cours de sa longue carrière créative, Kiri Te Kanawa a sorti environ quatre-vingts disques de répertoire d'opéra et de musique de concert - airs de concert de Mozart, Quatre dernières chansons de Strauss, Requiem allemand de Brahms, Messiah Handel et autres, ainsi que des albums de musique populaire. et des chants du peuple maori comme un hommage à votre peuple. Certains de ses disques ont remporté un Grammy Award. Le dernier album "Kiri Sings Karl" est sorti en 2006. Il y a eu deux événements importants dans sa carrière, qu'il est presque impossible pour un chanteur d'opéra de répéter. En 1981, elle est la soliste du mariage du prince Charles et de la princesse Diana à la cathédrale Saint-Paul de Londres. La retransmission télévisée en direct de l'événement a attiré plus de 600 millions de téléspectateurs. Le deuxième record - en 1990, elle a donné un concert ouvert à Auckland, 140 000 spectateurs sont venus à sa performance en solo. Désormais, ses activités hors scène sont associées à la fondation qu'elle a créée pour le soutien et l'aide financière aux jeunes chanteurs et musiciens. Kiri Te Kanawa a reçu de nombreux prix et récompenses pour ses services dans le développement de l'art, dont les plus prestigieux sont la Dame Commander of the Order of the British Empire (1982), Companion to the Order of Australia (1990) et le Ordre de la Nouvelle-Zélande (1995). Elle a également reçu des diplômes honorifiques de Cambridge, Oxford, Chicago, Nottingham et d'autres universités. Ces dernières années, les représentations de Kiri Te Kanawa sur les scènes d'opéra et les salles de concert sont devenues rares, mais elle n'a pas encore annoncé sa retraite, même si on pensait que sa dernière représentation aurait lieu en avril 2010, mais elle continue de se produire.

Jo Sumi est une chanteuse d'opéra coréenne, soprano colorature. Le chanteur d'opéra le plus célèbre est originaire d'Asie du Sud-Est. Sumi Cho est né le 22 novembre 1962 à Séoul, en Corée du Sud. Son vrai nom est Jo Sugyeong. Sa mère était chanteuse et pianiste amateur, mais n'a pas pu obtenir une éducation musicale professionnelle en raison de la situation politique en Corée dans les années 1950. Elle était déterminée à donner à sa fille une bonne éducation musicale. Sumi Cho a commencé les cours de piano à 4 ans et la formation vocale à 6 ans, même enfant elle devait parfois passer jusqu'à huit heures en cours de musique. En 1976, Sumi Cho entre à l'école d'art de Séoul (Académie privée) "Sang Hwa", dont elle sort diplômée en 1980 avec des diplômes de chant et de piano. En 1981-1983, elle poursuit sa formation musicale à l'Université nationale de Séoul. À l'université, Sumi Cho a fait ses premiers débuts professionnels, s'est produite dans plusieurs concerts organisés par la télévision coréenne et a chanté Suzanne dans Les Noces de Figaro à l'Opéra de Séoul. En 1983, Cho a décidé de quitter l'Université de Séoul et a déménagé en Italie pour étudier la musique dans la plus ancienne école de musique, l'Académie nationale Sainte-Cécile de Rome, où il a obtenu son diplôme avec mention. Ses professeurs d'italien comprenaient Carlo Bergonzi et Gianella Borelli. Au cours de ses études à l'académie, Cho a souvent été entendu lors de concerts dans diverses villes italiennes, ainsi qu'à la radio et à la télévision. C'est à cette époque que Cho a décidé d'utiliser le nom "Sumi" comme nom de scène afin d'être plus compréhensible pour le public européen. En 1985, elle est diplômée de l'académie avec une spécialisation en piano et chant. Après l'académie, elle a pris des cours de chant auprès d'Elizabeth Schwarzkopf et a remporté plusieurs concours de chant à Séoul, Naples, Barcelone, Pretoria et surtout en 1986, un concours international à Vérone, auquel seuls les lauréats d'autres concours internationaux importants pouvaient participer, pour ainsi dire, le meilleur des meilleurs jeunes chanteurs. Sumi Cho a fait ses débuts à l'opéra européen en 1986 dans le rôle de Gilda de Rigoletto au Théâtre Giuseppe Verdi de Trieste. Cette performance a attiré l'attention d'Herbert von Karajan, qui l'a invitée à jouer le rôle de la page d'Oscar dans l'opéra "Un ballo in maschera" avec Placido Domingo, qui a été mis en scène au Festival de Salzbourg en 1987. Au cours des années suivantes, Sumi Cho s'est progressivement dirigée vers l'opéra Olympus, élargissant constamment la géographie de ses performances et faisant passer son répertoire de petits rôles à de plus grands. En 1988, Sumi Cho fait ses débuts à La Scala et au Bavarian State Opera, en 1989 au Vienna State Opera et au Metropolitan Opera, et en 1990 au Chicago Opera Lyricist et à Covent Garden. Sumi Cho est devenue l'une des sopranos les plus recherchées de notre temps et reste dans ce statut à ce jour. Le public l'aime pour sa voix brillante, chaleureuse et flexible, ainsi que pour son optimisme et son humour léger sur scène et dans la vie. Elle est légère et libre sur scène, donnant à chacune de ses performances de subtils motifs orientaux. Sumi Cho a visité tous les pays du monde où ils aiment l'opéra, y compris plusieurs fois en Russie, la dernière visite remonte à 2008, lorsqu'ils ont tourné dans plusieurs pays en duo avec Dmitry Hvorostovsky dans le cadre d'une tournée. Elle a un horaire de travail chargé qui comprend des représentations d'opéra, des programmes de concerts et des collaborations avec des maisons de disques. La discographie de Sumi Cho compte actuellement plus de 50 enregistrements, dont dix albums solo et disques croisés. Ses deux albums sont les plus connus - en 1992, elle a reçu le Grammy Award du meilleur enregistrement d'opéra pour l'opéra de Wagner Woman Without a Shadow avec Hildegard Behrens, Jose van Dam, Julia Varadi, Placido Domingo, le chef d'orchestre Georg Solti, et un album avec l'opéra "Bal Masqué" de G. Verdi, qui a reçu un prix du Gramophone Allemand.

Le Centre national des arts du spectacle (Théâtre national du Bolchoï en chinois), appelé The Egg, est un opéra moderne de Pékin, en Chine. Considéré comme l'une des merveilles modernes du monde, il a la forme d'un ellipsoïde, est fait de verre et de titane et est complètement entouré d'un lac artificiel. Construit en 2007. Le Centre national des arts du spectacle est situé à Pékin, à proximité immédiate (juste à l'ouest) de la place Tiananmen (la place principale de Pékin et la plus grande du monde) et de l'Assemblée du peuple (Parlement chinois) et non loin de l'Interdit Ville (complexe de palais historique). Conçu par l'architecte français Paul André et conçu pour ressembler à un œuf flottant dans l'eau ou à une goutte d'eau, ce design futuriste a suscité de nombreuses controverses quant à sa construction dans le centre historique de Pékin. En effet, l'apparence emblématique et facilement reconnaissable du Centre national des arts de la scène contraste fortement avec son environnement, ce qui le rend très attrayant. La construction du Centre a commencé en décembre 2001 et a été inaugurée en décembre 2007. Ce nouveau théâtre miracle a été inauguré par l'opéra historique russe "Prince Igor" d'AP Borodine, interprété par l'orchestre, le chœur et les solistes du Théâtre Mariinsky sous la direction de Valery Gergiev. L'ensemble architectural comprend le bâtiment principal, les couloirs souterrains et sous-marins, le parking souterrain , lac et espace vert Le dôme principal s'étend d'est en ouest et mesure 212 mètres de long, 144 mètres de large et 46 mètres de haut, composé de plus de 18 000 plaques de titane et de plus de 1 200 feuilles de verre transparent pour un effet visuel saisissant. va à une profondeur de 32,5 mètres (comme un bâtiment de 10 étages) et est le plus profond de Pékin. La superficie totale du complexe est de 118 900 m², la superficie du bâtiment est de 219 400 m². Le centre est complètement entouré d'un lac artificiel et toutes ses entrées uniquement souterraines, l'utilisation de technologies modernes rend le lac non-gel et propre (sans algues) toute l'année.Autour du lac, il y a un parc verdoyant où les gens peuvent se détendre b du bruit de la ville. À l'intérieur du bâtiment, il y a trois salles principales - un opéra, un concert et un théâtre, reliés par des couloirs aériens, ainsi qu'une galerie, une salle d'exposition, des salles de conférence, une bibliothèque, un café et d'autres locaux du Centre national. La salle d'opéra de 2416 places est la plus belle, conçue pour l'opéra, le ballet et les spectacles de danse, et a une couleur à prédominance dorée. Ses murs permettent de les utiliser comme décorations pour se plonger dans une atmosphère créative. La salle de concert est conçue pour 2017 sièges pour les concerts classiques de l'orchestre symphonique et de la musique nationale chinoise, a une élégante teinte argentée. La salle de réunion abrite le plus grand orgue d'Asie avec 6 500 tuyaux. La salle de théâtre de 1040 places, sans fosse d'orchestre, a été construite dans le style traditionnel chinois et est principalement destinée au théâtre folklorique et aux représentations musicales. Toutes les salles ont été soigneusement conçues pour intégrer parfaitement l'architecture et l'acoustique.

L'Opéra Garnier (Opéra de Paris, Grand Opéra) (Opéra Garnier, Opéra de Paris, Opéra Garnier, Grand Opéra) est un opéra de Paris, l'un des opéras les plus célèbres du monde. Depuis 1989 (après l'ouverture du nouvel opéra "Opéra Bastille" à Paris) il porte le nom de l'architecte "Palais Garnier" ou "Opéra Garnier", néanmoins, les anciens noms sont toujours d'usage. Le bâtiment a été construit en 1875 dans le style néo-baroque (Second Empire), est un monument historique et un chef-d'œuvre d'architecture. Le nombre de places est de 1900. Aujourd'hui les deux institutions (Opéra Garnier et Opéra Bastille) sont réunies au sein de l'entreprise publique-commerciale « Opéra d'État de Paris ». Le Palais Garnier a été conçu dans le cadre de la grande restructuration de Paris sous le « Second Empire », initiée par l'empereur Napoléon III, et a été dirigé par le baron Georges Haussmann (Haussmann). La raison immédiate de la construction du nouveau théâtre était la tentative d'assassinat de l'empereur, qui a eu lieu le 14 janvier 1858. Napoléon III allait visiter l'opéra de la rue Le Peletier, les révolutionnaires italiens dirigés par Felice Orsini ont lancé trois bombes dans la voiture impériale et le cortège accompagnant l'empereur à l'approche du théâtre. Huit personnes ont été tuées et environ 150 ont été blessées; par accident, Napoléon III lui-même et sa famille n'ont pas été blessés, depuis lors, l'empereur a refusé de visiter l'ancien théâtre et a ordonné d'en construire un nouveau. Fin 1860, un concours d'architecture est annoncé pour le projet de "l'Académie impériale de musique et de danse", en 1861 l'architecte inconnu de 35 ans Charles Garnier (1825-1898) est déclaré vainqueur. Le projet lui-même n'a pas suscité beaucoup de controverse et a été adopté par la majorité, cependant, des désaccords sont survenus entre Garnier et Haussmann sur les environs du palais - Garnier a proposé de faire un parc, et Haussmann était un carré et des immeubles de grande hauteur. La première pierre de la fondation a été posée en 1861 et la construction a commencé en 1862. La construction de l'opéra a duré près de 15 ans et s'est accompagnée de nombreux problèmes. L'un des premiers et principaux problèmes était le sol marécageux et le lac souterrain, qui ont mis près d'un an à s'égoutter. En 1867, l'ouverture préliminaire du théâtre eut lieu, pour l'Exposition universelle de Paris, l'empereur fit terminer au moins la façade principale et en toute hâte, bien avant l'achèvement de tous les travaux, la construction de la façade fut achevée . La légende raconte qu'après le démontage de l'échafaudage, l'épouse de l'empereur, l'impératrice Eugénie, commenta : « Qu'est-ce que c'est, quel est ce style ? Ce n'est pas un style ! ... il n'est ni grec, ni romain, ni Louis XV, pas même Louis XVI », auquel Charles Garnier répond : « Ces styles appartiennent au passé… C'est le style de Napoléon III, madame. la construction s'est abattue sur le théâtre plus loin, pendant la guerre franco-prussienne, quand il y avait des entrepôts militaires dans le bâtiment inachevé, la chute subséquente du Second Empire français et la Commune de Paris. Pendant ce temps, la construction de temps en temps s'est arrêtée ou a continué et là l'incendie du théâtre Le Plettier était le lieu principal de l'Opéra et du Ballet de Paris depuis 1821, le 29 octobre 1873. il y a eu un incendie, l'incendie a fait rage pendant 27 heures et a complètement détruit le bâtiment. le nouvel opéra, c'était une question de prestige. Le nouveau gouvernement a de nouveau appelé Charles Garnier pour continuer les travaux et a alloué de grandes forces et des fonds pour cela. la fin de la construction de 1874 a été achevée. Le palais Garnier est inauguré le 5 janvier 1875. Le vernissage a réuni plus de 2000 invités du monde entier, le concert festif comprenait plusieurs scènes d'œuvres diverses : "Le Muet de Portici" de Daniel Aubert, "Le Juif" de Fromantal Halevy, "Wilhelm Tell" de Giacomo Rossini , "Huguenots" de Giacomo Meyerbeer et le ballet "Brook" Leo Delibes. A l'ouverture il y a eu un incident - les organisateurs de l'événement ont contraint Charles Garnier à acheter un billet, cet incident a tourné en ridicule par la presse : "le gouvernement oblige l'architecte à payer de l'argent pour voir l'ouverture de sa création", soulignant ainsi l'attitude des nouvelles autorités envers les personnes respectées qui travaillaient avec le vieil empereur. L'ensemble de la construction du palais s'est soldé par un coût total de 36 millions de francs en or, au lieu des 20 prévus. Restaient des lieux inachevés, par exemple, la Rotonde des Miroirs et le fumoir. Ce dernier n'a jamais été terminé. L'Opéra Garnier est un immeuble d'un luxe exceptionnel tant à l'extérieur qu'à l'intérieur. Le hall d'escalier principal est l'un des lieux les plus célèbres de l'Opéra Garnier. Bordé de marbre de différentes couleurs, il accueille une double volée d'escaliers menant aux étages du foyer du théâtre et de la salle du théâtre. L'escalier principal est aussi un théâtre, la scène où défilait un public sélect à l'époque des crinolines. Diverses allégories musicales sont représentées sur quatre parties du plafond peint. Le foyer - lieu de promenade des spectateurs pendant l'entracte - est spacieux et richement décoré. La voûte du premier foyer est recouverte d'une belle mosaïque à fond doré. Une belle vue sur tout l'espace de l'escalier principal s'ouvre à partir d'ici. Le grand foyer a été conçu par Garnier sur le modèle des galeries d'apparat des châteaux anciens. Le jeu des miroirs et des fenêtres rend visuellement la galerie encore plus spacieuse. Le magnifique plafond peint par Paul Baudry met en scène des histoires musicales, et la lyre est le principal élément décoratif. Elle est partout dans ce royaume décoratif - des voûtes aux grilles de chauffage et aux poignées de porte. Au centre du foyer, près d'une de ces fenêtres donnant sur l'avenue de l'Opéra jusqu'au Louvre même, se trouve une copie du buste de Charles Garnier par le sculpteur Carpo. Au bout de la galerie avec un bar se trouve le Mirror Salon - une rotonde propre et lumineuse avec une ronde de bacchantes et de faunes au plafond peinte par Clairin, avec des images sur les murs de diverses boissons (thé, café, orangeade, champagne ...), ainsi que des scènes de pêche et de chasse. Achevé après l'ouverture de l'Opéra, le salon conserve l'esprit 1900. L'auditorium rouge et or à l'italienne est réalisé en forme de fer à cheval. Elle est éclairée par un immense lustre en cristal, pesant six tonnes, et le plafond a été peint en 1964 par Marc Chagall. Les fauteuils sont finis en velours. Un magnifique rideau en tissu peint imite une draperie rouge avec de la dentelle et des pompons dorés. L'Opéra Garnier est devenu un exemple architectural inspirant dans la construction de nombreux autres théâtres. Les architectes ont utilisé des éléments de ce style en tout ou en partie. En Pologne, plusieurs bâtiments sont basés sur la conception de Garnier - le théâtre de Cracovie (1893) et la Philharmonie de Varsovie (1901, détruite par les bombardements de 1939 et restaurée dans un style différent), en Ukraine - l'Opéra de Lviv ( 1901) et l'Opéra de Kiev (1901), au Brésil - le Théâtre Amazone à Manaus (1896) et le City Opera à Rio de Janeiro (1909), aux États-Unis - le Jefferson Building (1897) et la Bibliothèque du Congrès à Washington, au Vietnam - l'Opéra de Hanoi (1911) et l'Opéra de Ho Chi Minh-Ville (1897), construits pendant la colonisation du Vietnam (le Vietnam était une colonie française), tous sont des copies miniatures de l'Opéra Garnier.

Le théâtre académique d'opéra et de ballet de Samara est un théâtre musical de Samara, en Russie. Le théâtre académique d'opéra et de ballet de Samara est l'un des plus grands théâtres musicaux russes. L'ouverture du théâtre a eu lieu le 1er juin 1931 avec l'opéra de Moussorgski Boris Godounov. Ses origines étaient des musiciens russes exceptionnels - un élève de Taneyev et Rimsky-Korsakov, chef d'orchestre et compositeur Anton Eichenwald, chef d'orchestre du Théâtre Bolchoï Ariy Pazovsky, célèbre chef d'orchestre russe Isidor Zak, directeur du Théâtre Bolchoï Joseph Lapitsky. Des maîtres tels que les chefs d'orchestre Savely Bergolts, Lev Ossovsky, le réalisateur Boris Ryabikin, les chanteurs Alexander Dolsky, l'artiste du peuple de la RSS d'Ukraine Nikolai Poludenny, l'artiste du peuple de Russie Viktor Chernomortsev, l'artiste du peuple de la RSFSR, la future soliste du Théâtre du Bolchoï Natalia Shpiller, Lorey et plein d'autres. La troupe de ballet était dirigée par le soliste du Théâtre Mariinsky, participant aux légendaires saisons Diaghilev à Paris, Yevgeny Lopukhova. Elle a ouvert une série de brillants chorégraphes pétersbourgeois qui, à différentes années, ont dirigé le ballet de Samara. Les chorégraphes du théâtre de Samara étaient la chorégraphe talentueuse Natalya Danilova, une élève d'Agrippine Vaganova, la légendaire ballerine de Saint-Pétersbourg Alla Shelest, la soliste du théâtre Mariinsky Igor Chernyshev, l'artiste du peuple de l'URSS Nikita Dolgushin. Le théâtre gagne rapidement un répertoire. Les productions des années 1930 comprennent des classiques de l'opéra et du ballet: opéras de Tchaïkovski, Glinka, Rimski-Korsakov, Borodine, Dargomyzhsky, Rossini, Verdi, Puccini, ballets de Tchaïkovski, Minkus, Adam. Selon les exigences de l'époque, le théâtre accorde une grande attention au répertoire moderne. Dans la période d'avant-guerre, pour la première fois dans le pays, les opéras "La steppe" de A. Eichenwald, "Tanya" de Kreitner, "La musaraigne apprivoisée" de Shebalin et d'autres ont été mis en scène. Ses affiches contiennent des dizaines de titres, issus des classiques du XVIIIe siècle. ("Medea" de Cherubini, "The Secret Marriage" de Cimarosa) et des oeuvres peu jouées par des compositeurs russes du 19ème siècle. ("Servilia" de Rimsky-Korsakov, "L'Enchanteresse" de Tchaïkovski, "Elka" de Rebikov) à l'avant-garde européenne du XXe siècle. ("Le Nain" de von Zemlinsky, "Les Noces" de Stravinsky, "Arlecchino" de Busoni). Une page spéciale dans la vie du théâtre est la co-création avec des auteurs russes contemporains. D'éminents compositeurs russes Sergei Slonimsky et Andrei Eshpai, Tikhon Khrennikov et Andrei Petrov ont confié leurs œuvres à notre scène. La première mondiale de l'opéra de Slonim La vision de Ioann le Terrible, mise en scène par le grand musicien du XXe siècle Mstislav Rostropovich en collaboration avec des maîtres de scène exceptionnels, le réalisateur Robert Sturua et l'artiste Georgy Alexi-Meskhishvili, est devenue un événement important bien au-delà de la vie culturelle de Samara. Au début de la Grande Guerre patriotique, la situation culturelle de la ville a radicalement changé. En octobre 1941, le Théâtre d'État du Bolchoï de l'URSS est évacué vers Kuibyshev / Samara (la "capitale de réserve"). L'initiative artistique passe aux plus grands maîtres de la scène soviétique de l'opéra et du ballet. Pour 1941 - 1943 Le Théâtre Bolchoï a présenté 14 opéras et ballets à Samara. Les chanteurs de renommée mondiale Ivan Kozlovsky, Maxim Mikhailov, Mark Reisen, Valeria Barsova, Natalia Shpiller, la ballerine Olga Lepeshinskaya se sont produits sur la scène de Samara, Samosud, Fayer, Melik-Pashaev dirigé. Jusqu'à l'été 1943, le collectif du Théâtre Bolchoï a vécu et travaillé à Kuibyshev. En remerciement pour l'aide des résidents locaux en cette période difficile, ses artistes sont venus plus d'une fois dans la Volga après la guerre avec leurs nouvelles œuvres, ainsi qu'avec le répertoire historique de la guerre. En 2005, à l'occasion du 60e anniversaire de la Victoire dans la Grande Guerre patriotique, le collectif du Théâtre Bolchoï de Russie a offert au public de Samara une nouvelle rencontre avec leur art. Les tournées et les concerts (le ballet de Chostakovitch Le ruisseau lumineux, l'opéra de Moussorgski Boris Godounov, la grande Symphonie de la Victoire - la septième symphonie de Chostakovitch, une fanfare et un concert de solistes d'opéra) ont été un succès triomphal. Comme l'a noté le directeur général du Théâtre Bolchoï de Russie A. Iksanov, "Pour tout le personnel du Théâtre Bolchoï, ces visites sont une autre occasion d'exprimer sa profonde gratitude aux habitants de Samara pour le fait que le Théâtre Bolchoï a trouvé une deuxième maison ici dans la période de guerre la plus difficile." L'apogée de la vie musicale de Samara au vingtième siècle, un événement véritablement historique a été la représentation sur la scène de l'opéra de Samara de la septième symphonie ("Leningrad") de Dmitri Chostakovitch. La grande œuvre, reflétant les événements tragiques de la guerre, véhiculant toute la grandeur de l'exploit des soldats soviétiques, a été achevée par le compositeur en décembre 1941 lors d'une évacuation à Samara et interprétée par l'Orchestre du Théâtre du Bolchoï sous la direction de Samuil Samosud le 5 mars. , 1942. Le théâtre vit une vie intense. La reconstruction touche à sa fin, de nouveaux noms apparaissent sur l'affiche, des chanteurs et danseurs remportent de prestigieux concours internationaux et pan-russes, de nouvelles forces créatives affluent dans la troupe. Le personnel du théâtre peut être fier de la concentration d'individus créatifs talentueux et brillants. Artistes honorés de Russie Mikhail Gubsky et Vasily Svyatkin sont des solistes non seulement du Théâtre de Samara, mais aussi du Théâtre Bolchoï de Russie et de l'Opéra de Moscou Novaïa. Anatoly Nevdakh participe aux représentations du Théâtre Bolchoï, Andrey Antonov se produit avec succès sur les scènes des théâtres russes et étrangers. Le niveau de la troupe d'opéra est également prouvé par la présence d'un grand nombre de chanteurs "titrés": 5 artistes populaires, 8 artistes honorés, 10 lauréats de concours internationaux et pan-russes. La troupe compte de nombreux jeunes talentueux, avec lesquels l'ancienne génération d'artistes partage volontiers les secrets de leur savoir-faire. Depuis 2008, la troupe de ballet du théâtre a considérablement élevé la barre. Le collectif du théâtre était dirigé par l'artiste émérite de Russie Kirill Shmorgoner, qui a longtemps orné la troupe de ballet du théâtre de Perm. K. Shmorgoner a invité au théâtre un grand groupe de ses étudiants, diplômés de l'un des meilleurs établissements d'enseignement du pays - l'école chorégraphique de Perm. Les jeunes danseurs de ballet Yekaterina Pervushina et Viktor Malygin sont devenus lauréats du prestigieux concours international Arabesque, tout un groupe de danseurs de Samara s'est produit avec succès au festival panrusse Delphic Games. Ces dernières années, le théâtre a accueilli plusieurs premières qui ont reçu un grand écho auprès du public : les opéras Mozart et Salieri de Rimski-Korsakov, Mavra de Stravinsky, La Pucelle de Pergolèse, Eugène Onéguine de Tchaïkovski, Rigoletto de Verdi, Madame Butterfly ”de Puccini, cantate chorégraphique“ Les Noces ”de Stravinsky, ballet de Hertel“ A Vain Precaution ”. Le théâtre collabore activement à ces productions avec des maîtres moscovites du Théâtre Bolchoï, de l'Opéra de Novaya et d'autres théâtres russes. Une grande attention est accordée à la mise en scène de contes de fées musicaux pour les enfants. Des danseurs d'opéra et de ballet se produisent également sur la scène de concert. Les tournées du théâtre incluent la Bulgarie, l'Allemagne, l'Italie, l'Espagne, la Chine et les villes russes. La pratique itinérante intensive du théâtre a permis aux habitants de la région de Samara de se familiariser avec les dernières œuvres. Les festivals sont une page lumineuse de la vie du théâtre. Parmi eux se trouvent le festival de ballet classique Alla Shelest, le festival international « Basses du XXIe siècle », « Cinq soirées à Togliatti », le festival d'art lyrique « Printemps de Samara ». Grâce aux initiatives du festival du théâtre, les spectateurs de Samara ont pu se familiariser avec l'art de dizaines des plus grands maîtres de l'art de l'opéra et du ballet russes et étrangers. Les plans créatifs du théâtre comprennent des représentations de l'opéra "Prince Igor", des ballets "Don Quichotte", "La Belle au bois dormant". À l'occasion du 80e anniversaire, le théâtre prévoit de montrer l'opéra de Moussorgski Boris Godounov, revenant ainsi à ses origines à une nouvelle étape de son développement historique. Un bâtiment gris massif s'élève sur la place centrale de la ville - selon les critiques d'art, "un monument grandiose de la fin" style pylône ", auquel ont été ajoutés des classiques brutaux", "un exemple frappant d'architecture des années 30". Les auteurs du projet sont les architectes de Leningrad N.A. Trotsky et N.D. Katselenegbogen, qui a remporté le concours pour la création du Palais de la Culture en 1935. Le théâtre était situé dans la partie centrale du bâtiment. Dans l'aile gauche, il y avait pendant quelque temps une bibliothèque régionale, dans l'aile droite, il y avait une école de sport et un musée d'art. En 2006, la reconstruction du bâtiment a commencé, nécessitant l'éviction de l'école de sport et du musée. En 2010, la saison du jubilé du théâtre, la reconstruction a été achevée. Source : le site officiel du Théâtre d'opéra et de ballet de Samara

Le Teatro Goldoni est l'un des opéras les plus importants et les plus anciens de Venise, en Italie. Le théâtre date de 1622, a changé plusieurs fois de nom et est situé dans le centre historique de Venise, non loin du pont du Rialto. Le théâtre est exploité et est la scène principale de la compagnie d'opéra Teatro Stabile del Veneto. Historiquement, tous les grands théâtres vénitiens appartenaient à d'importantes familles patriciennes, par exemple les théâtres maintenant connus sous le nom de Teatro Malibran et Teatro San Benedetto appartenaient à la famille Grimani, et La Fenice appartenait à la famille Venier. En plus des théâtres privés, le premier opéra public au monde, San Cassiano, a été construit à Venise en 1637. La famille Vendramin possédait un théâtre maintenant appelé Goldoni. Le théâtre a été construit en 1622 et a ouvert ses portes avec la comédie d'Antonio Ciofo, au cours de son histoire, le théâtre a changé de nom à plusieurs reprises, c'était le Teatro Vendramin, San Luca, San Salvatore, Apollo, jusqu'à ce qu'en 1875 il reçoive son nom actuel après le dramaturge Carl Goldoni. En 1652 (après l'incendie) et en 1684 le bâtiment du théâtre a été restauré à deux reprises. Au cours de cette première période de son existence, le théâtre met surtout en scène des opéras, mais au XVIIIe siècle, il accueille surtout des représentations dramatiques. Dans les années 1720, le Teatro San Luca a été reconstruit et rebaptisé Teatro Apollo. Ce bâtiment a survécu jusqu'à ce jour. En 1752, les propriétaires du théâtre ont pu engager Carlo Goldoni, qui était à l'époque considéré comme le dramaturge le plus célèbre de Venise, pour diriger le théâtre. Ce fut un événement majeur dans la vie théâtrale de la ville et, peut-être, la période stellaire du théâtre. Cependant, le propriétaire du théâtre de l'époque s'efforçait lui-même de participer directement à la gestion et à la mise en scène des représentations et, pour cette raison, il entretenait une relation difficile et des conflits fréquents avec le metteur en scène engagé. Carlo Goldoni quitte le théâtre et Venise en 1761 et se rend à Paris. Au XIXe siècle, le théâtre a subi de nombreuses rénovations et rénovations, parmi les plus importantes a été la reconstruction en 1818 sous la direction de l'architecte Giuseppe Borsato, un éclairage au gaz a été installé dans le théâtre en 1826, prétendument pour la première fois en Italie, en 1833 l'intérieur a été rénové sous la direction du designer Francesco Bagnara. En 1875, lors de la célébration de l'anniversaire du dramaturge, le théâtre fut rebaptisé Théâtre Karl Goldoni. La famille Vendramin a été propriétaire du théâtre jusqu'en 1937, date à laquelle il est devenu propriété de la ville. En 1957, le théâtre a été fermé en raison de l'usure. En 1979, après une importante reconstruction, le théâtre rénové rouvre ses portes. L'intérieur du théâtre Goldoni est un théâtre italien typique du XVIIIe siècle, à quatre niveaux, pouvant accueillir 800 personnes, avec une scène de 12 mètres de large et 11 mètres de long. Il accueille actuellement des représentations théâtrales, des représentations d'opéra, des fêtes d'enfants et d'autres événements organisés par la compagnie d'opéra Teatro Stabile del Veneto.

Théâtre d'opéra et de ballet d'État bachkir Le Théâtre d'opéra et de ballet d'État bachkir (Oufa, République de Bachkirie, Russie) a ouvert ses portes en 1938. Le 14 décembre 1938 eut lieu la première de l'opéra de Giovanni Paisiello La Belle meunière (en bachkir). Le Bashkir Opera Studio a été créé en 1932 à l'initiative du chanteur, compositeur, personnalité publique G. Almukhametov afin de former le personnel artistique et compositeur national de la république. Au cours des deux premières années, l'opéra bachkir a donné 13 premières, plus d'un demi-million de spectateurs ont visité le théâtre. L'affiche comprenait des œuvres de classiques russes et étrangers, des opéras de compositeurs soviétiques : "Le Mariage secret" de Cimarosa, "Faust" de Gounod, "Rigoletto" de Verdi, "Eugène Onéguine" de Tchaïkovski, "Arshin Mal Alan" du fondateur de l'école nationale azerbaïdjanaise de composition U. Hajibeyov, l'opéra "Er targyn" du compositeur kazakh E. Brusilovsky et "Kachkyn" du compositeur tatare N. Zhiganov et d'autres. Le 8 février 1940, la première du premier opéra bachkir - "Khak-mar" de M. Valeev a lieu sur la scène du théâtre, et quelques mois plus tard, en décembre, l'opéra "Mergen" de A. Eichenwald a été mis en scène. Dans les premières années, des diplômés de la branche bachkir de l'école chorégraphique de Leningrad, du département de ballet de l'école de théâtre bachkir et un groupe de danseurs de l'ensemble de danse folklorique travaillaient dans la troupe de ballet du théâtre. Parmi les premiers diplômés de la célèbre école Vaganov figurent Z. Nasretdinov, H. Safiullin, T. Khudaiberdina, F. Sattarov, F. Yusupov, G. Khafizova, R. Derbisheva. La première production de ballet du théâtre - "Coppelia" de L. Delibes a eu lieu en 1940. Pendant la Grande Guerre patriotique, le Théâtre d'opéra et de ballet d'État de Kiev porte le nom de V.I. T. Shevchenko, qui a eu une grande influence sur la formation de l'opéra bachkir. La troupe qui est venue à Oufa comprenait le célèbre chef d'opéra V. Yorish, les réalisateurs N. Smolich et son fils D. Smolich, les célèbres chanteurs M. Litvinenko-Volgemut, I. Patorzhinsky, Z. Gaidai, K. Laptev, A. Ivanov , jeune L. Rudenko, I. Maslennikova. En mars 1944 eut lieu la première du premier ballet bachkir "Crane Song" de L. Stepanov et Z. Ismagilov. Après la guerre, G. Khabibullin devient directeur artistique et directeur du théâtre ; les représentations ont été dirigées par Kh. Fayzullin, L. Insarov, Kh. Khammatov. Les artistes G. Imasheva et M. Arslanov ont travaillé ici. Toute une galaxie d'artistes talentueux a grandi dans le théâtre. Avec les chanteurs de l'ancienne génération - G. Khabibullin, B. Valeeva, M. Khismatullin, M. Saligaskarova ont également joué avec succès avec des artistes plus jeunes : Kh. Mazitov, Z. Makhmutov, N. Abdeev, N. Byzina, I. Ivashkov, S. Galimova, N. Allayarova et autres. Le parcours du ballet bachkir est inextricablement lié aux noms de Z. Nasretdinova, T. Khudaiberdina, G. Suleimanova, F. Nafikova, M. Tagirova, Kh. Safiullin, F. Sattarov. Le nom du danseur exceptionnel du 20e siècle Rudolf Noureev est inextricablement lié à l'histoire de l'opéra et du ballet d'État bachkir. Pendant quatre ans, il a étudié au studio de ballet du théâtre (professeurs Zaytuna Bakhtiyarova et Khalyaf Safiullin). En 1953, Noureev est admis dans la troupe de ballet du théâtre. C'est sur cette scène qu'il fait ses premiers pas vers une carrière mondiale de ballet. Dans le rôle de Dzhigit dans le ballet Crane Song, Rudolf Noureev a attiré l'attention des spécialistes lors de la célèbre Décennie de l'art bachkir à Moscou en 1955 et a été invité à étudier à l'École chorégraphique de Leningrad. Depuis 1991, les soirées Chalyapine à Oufa ont lieu chaque année à Oufa, avec la participation de vedettes d'opéra de théâtres russes et étrangers. L'idée du festival est liée aux débuts à l'opéra de Fiodor Chaliapine à Oufa le 18 décembre 1890 (le rôle de Stolnik dans l'opéra "Cailloux") de Moniuszko. Dans le cadre du festival, les artistes du peuple de l'URSS Irina Arkhipova, Vladislav Piavko et Maria Bieshu, des artistes de Lettonie, de Géorgie, d'Allemagne, des solistes des théâtres Bolchoï et Mariinsky, ainsi que des théâtres musicaux à Saratov, Samara, Perm et d'autres villes ont joué sur la scène de l'opéra et du ballet d'État bachkir de Russie. En décembre 2001, le festival du dixième anniversaire a eu lieu. Il s'est ouvert avec la première de l'opéra de Verdi La Traviata en italien. Depuis mars 1993, les festivals d'art du ballet Rudolf Noureev ont lieu. Le premier festival a été organisé à la suggestion du président d'honneur du Comité de la danse de l'Institut international du théâtre sous l'égide de l'UNESCO, membre de l'Académie de danse de Paris, héros du travail socialiste, artiste du peuple de l'URSS et RB Yuri Grigorovich et s'est tenu avec la participation de sa troupe "Grigorovich-Ballet". En 1993, le musée du théâtre a été inauguré à l'occasion du 55e anniversaire du théâtre d'opéra et de ballet d'État bachkir. Il est situé dans deux salles au premier étage du théâtre, à gauche de l'escalier central. Ici vous pouvez trouver des accessoires et effets personnels d'artistes célèbres, des récompenses du collectif, des croquis de décors et de costumes de théâtre, des photographies et des affiches pour des performances des années 30-70. La fierté du musée est la salle de l'Ermitage, située au deuxième étage. Depuis 2008, une exposition d'effets personnels de Rudolf Noureev y est installée. 156 artefacts de la vie et de l'œuvre du danseur de génie du 20e siècle - un cadeau au théâtre de la Fondation internationale R. Noureev (Grande-Bretagne). En 2004, l'opéra "Kakhym-turya" de Zagir Ismagilov a remporté le Golden Mask National Theatre Award dans la catégorie "Meilleur chef d'orchestre". En 2006, la pièce "La Flûte enchantée" de W.-A. Mozart mise en scène par W. Schwartz a été nominée dans trois nominations. "Masque d'or" - "Pour le soutien de l'art théâtral national" - décerné au Président de la République du Bachkortostan MG Rakhimov. En 2007, l'opéra "Mascarade Ball" de Giuseppe Verdi a été nominé pour le prix en cinq nominations. En 2008, l'artiste du peuple de l'URSS Zaytuna Nasretdinova a reçu le prix du masque d'or dans la catégorie Pour l'honneur et la dignité. Pour sa contribution exceptionnelle aux réalisations culturelles, le Conseil du Centre biographique international (Cambridge, Royaume-Uni) a décerné à Zaytune Nasretdinova le titre honorifique de « professionnelle internationale ». En 2007, elle a reçu le prix Soul of Dance dans la nomination Master of Dance par le comité de rédaction et le conseil créatif du magazine Ballet. En 2008, Shamil Teregulov, artiste honoré de Russie, artiste du peuple du Bachkortostan, a reçu le prix Soul of Dance dans la nomination Knight of Dance. En 2006, le théâtre a reçu le prix Fyodor Volkov du gouvernement russe dans la catégorie « Meilleure équipe créative ». Il a été présenté au VIIe Festival international Volkov de Yaroslavl, qui s'est ouvert avec le ballet "Arkaim" de L. Ismagilova. En 2008, l'orchestre symphonique a effectué avec succès une tournée en Corée du Sud et a reçu un prix élevé - une copie de la Couronne I de l'empereur de Corée. En 2009, la Petite Salle du théâtre a été inaugurée. De nouvelles représentations sont déjà en cours sur la nouvelle scène : "Love Potion" de G. Donizetti, "Bacchanalia" de C. Sen-Saens, "Walpurgis Night" de S. Gounod, "Birthday of Cat Leopold" de B. Savelyev. Les principes créatifs qui ont été formés au cours de sept décennies vivent et se développent. Attitude attentive aux traditions établies par les générations précédentes, expérience, amélioration continue des compétences, renforcement du professionnalisme. La clé du succès du théâtre réside dans des équipes créatives hautement professionnelles. Artistes BSTOiB - lauréats, diplômés de concours républicains, russes et internationaux, titulaires de prix d'État et républicains. Les maîtres de scène ont reçu des titres honorifiques, dont 1 artiste du peuple de la Fédération de Russie, 7 - Artistes émérites de la Fédération de Russie, 4 - Ouvriers d'art émérites de la Fédération de Russie, 15 - Artistes du peuple de la République du Bélarus, 50 - Artistes émérites de la République de Biélorussie, 4 - Artistes émérites de la République de Biélorussie. Comme auparavant, le collectif se concentre sur la mise en scène des meilleurs exemples de classiques étrangers et nationaux, dans l'incarnation scénique dont les réalisateurs et les interprètes parviennent à une véritable maîtrise.

Théâtre de Moscou Novaya Opera eux. E.V. Kolobov a été fondé en 1991 à l'initiative du directeur artistique du théâtre Yevgeny Kolobov (1946-2003) et du maire de Moscou Yuri Luzhkov, et est rapidement devenu l'un des meilleurs groupes d'opéra de Russie. En 1991, le chef d'orchestre du Stanislavsky et Nemirovich Danchenko MAMT, Evgeny Kolobov, en raison de différences créatives, quitte le théâtre, emmenant une partie de la troupe et tout l'orchestre. Kolobov trouve le soutien du maire de Moscou, Youri Loujkov, et fonde le théâtre de l'Opéra de Novaya, dont il devient le chef d'orchestre et directeur artistique. L'épouse de Kolobov, Natalya Popovich, a été nommée chef de chœur en chef. Au début, le théâtre n'a pas de locaux propres, il y a des concerts d'opéras, des divertissements costumés (Rossini). En 1997, un bâtiment dans le jardin de l'Ermitage apparaît au Nouvel Opéra. Le nouveau bâtiment du théâtre est une salle de 660 places, équipée d'un équipement d'éclairage et d'une mécanique scénique modernes, qui permet de mettre en scène des spectacles avec des effets scéniques complexes. Le théâtre a son propre studio audio et vidéo. S'appuyant sur des partitions d'opéra inconnues en Russie, Kolobov présente au public moscovite les opéras Deux Foscari (Verdi), Maria Stuart (Donizetti), Valley (Catalani), ses versions d'Eugène Onéguine de Tchaïkovski, La Traviata de Verdi... En 2000, Dmitry Hvorostovsky a joué le rôle principal lors de la première de l'opéra Rigoletto. En 2003, à l'occasion du décès du fondateur, le théâtre entame une crise. La performance de Bizet "Pearl Seekers" est perçue de manière critique et "The Tsar's Bride" est perçue négativement. En 2005, la direction artistique du théâtre a invité les metteurs en scène allemands Yossi Viller et Sergio Morabito (directeur musical et chef d'orchestre de la production Felix Korobov) à mettre en scène l'opéra Norma de Bellini. L'opéra suscita l'admiration des Moscovites. Et pour un rôle de soprano difficile, Tatyana Pechnikova a reçu le prix Golden Mask. En mars 2006, l'artiste du peuple de l'URSS Eri Klas est devenu le chef principal du théâtre, qui a introduit des performances aux nuances comiques dans le répertoire (La Flûte enchantée de Mozart, La Potion d'amour de Donizetti, Le Barbier de Séville de Rossini, Gianni Schicchi de Puccini, La Chauve-Souris "Strauss). En 2008, l'opéra Lohengrin de Wagner a été mis en scène au théâtre par le metteur en scène Kasper Holten, sous la direction du brillant maestro Jan Latham-Koenig (Grande-Bretagne), devenu chef invité permanent du théâtre. Au printemps 2009, la première opérette "The Bat" a provoqué le mécontentement du public à propos de la traduction gratuite des dialogues, mais les critiques ont été positives sur la musique. Récemment, le théâtre a commencé à proposer des représentations en concert d'opéras souvent joués, mais désormais non réclamés en Russie : Le Troubadour, Le Prince Igor, La Pucelle d'Orléans, etc. à l'Opéra de Novaya », dédié au fondateur du théâtre. Yevgeny Kolobov, né le 19 janvier à l'Épiphanie. Depuis 2006, le théâtre porte le nom de son fondateur. Le nom complet du théâtre : Théâtre de l'Opéra de Moscou Novaya. E.V. Kolobov. Le répertoire du théâtre comprend des chefs-d'œuvre d'opéra classique ; œuvres d'opéra auparavant inconnues en Russie ("Hamlet" de A. Tom, "Maria Stuart" de Gaetano Donizetti, "Valley" de A. Catalani); performances basées sur les versions musicales originales d'E.V. Kolobov (« Oh Mozart ! » de Mozart, « Ruslan et Lyudmila » de MI Glinka, « La Traviata » de G. Verdi, « Eugene Onegin » de PI Tchaïkovski). Le théâtre possède les premières représentations en Russie des opéras "Maria Stuart" de G. Donizetti, "Vallée" de A. Catalani, "Deux Foscari" de G. Verdi, "Boris Godounov" de Moussorgski (dans la version du premier auteur) , "Hameau" par A. Tom. Un nouveau genre théâtral a également été créé - une sorte de portrait créatif de compositeurs et musiciens célèbres (Maria Callas, Viva Verdi !, Viva Puccini !, Vincenzo Bellini, Richard Wagner, Rossini, Bravissimo !)... Au total, le répertoire du Novaya Opera Theatre comprend plus de 70 œuvres de genres d'opéra et de concert. Chaque mois de janvier, le théâtre organise un festival international "Semaine de l'Épiphanie à l'opéra de Novaya", qui rassemble des maîtres exceptionnels de la culture musicale. Les solistes de l'Opéra de Novaya - Artistes du peuple de Russie Yulia Abakumovskaya, Emma Sarkisyan, Artistes émérites de Russie Marat Gareev, Marina Zhukova, Elena Svechnikova, Margarita Nekrasova - ont reçu des titres honorifiques au cours des années de travail dans le théâtre. Les jeunes solistes d'opéra avec un engagement permanent dans le théâtre sont lauréats de concours internationaux de chant et lauréats de prix de théâtre prestigieux tels que le Masque d'or, Casta Diva et Triumph. De nombreux solistes de théâtre peuvent à juste titre être classés parmi les meilleures voix de Russie - Tatyana Pechnikova, Elena Popovskaya, Tatyana Smirnova, Elvira Khokhlova, Margarita Nekrasova, Irina Romishevskaya, Alexander Bogdanov, Roman Shulakov, Andrzej Beletsky, Vitaly Bily, Andrey Breus, Oleg Diden Ladyuk , Oleg Didenko Laduk , Vladimir Kudashev et autres; beaucoup d'entre eux sont également impliqués dans le Théâtre Bolchoï de Russie, le Metropolitan Opera, Arena di Verona, etc. Le rôle spécial attribué à l'orchestre est associé à la variété des intérêts créatifs des chefs d'orchestre travaillant dans le théâtre - le chef d'orchestre de le théâtre, l'artiste du peuple de l'URSS Eri Klas, l'artiste du peuple de Russie Anatoly Gus, les artistes émérites de Russie Evgeny Samoilov et Sergei Lyssenko, Dmitry Volosnikov, Felix Korobov, Valery Kritskov, Nikolai Sokolov. En plus de participer à des représentations d'opéra, l'orchestre se produit dans les meilleures salles de concert de Russie avec des programmes symphoniques : dans la Grande Salle du Conservatoire de Moscou, la Salle de Concert. PI Tchaïkovski, dans la salle de l'Orchestre philharmonique de Saint-Pétersbourg. Le répertoire de concert de l'orchestre est diversifié : symphonies de P. I. Tchaïkovski, D. D. Chostakovitch, S. V. Rachmaninov, L. van Beethoven, V. A. Mozart, œuvres de I. F. Stravinsky, P. Hindemith, A. Onegger, F. Chopin, E. Lalo, concert programmes avec la participation des solistes du théâtre, des chœurs et des musiciens invités. Lors d'une tournée indépendante, l'orchestre a visité l'Espagne (les villes de Saragosse, Barcelone, La Corogne, Saint-Sébastien, 1992), le Portugal (Porto, 1992), l'Allemagne (Karlsruhe, 2006). Avec le Ballet impérial russe, l'orchestre s'est rendu en Turquie (Istanbul, 2000), en Finlande (Festival annuel de ballet à Mikkel, 2000-2006), en Thaïlande (Bangkok, 2005). En 2001, l'orchestre a participé aux représentations de la Los Angeles Opera Company "Don Juan" de W. A. ​​​​Mozart et "Salome" de R. Strauss au Savonlinna Opera Festival en Finlande. Le chœur du théâtre est un participant constant à toutes les représentations, une équipe de professionnels partageant les mêmes idées. Conformément à l'esthétique du théâtre, le chœur est impliqué à tous les niveaux de la production. Une grande importance dans la formation professionnelle du collectif choral est attachée à l'exécution de programmes de concerts à partir d'œuvres de classiques choraux russes et étrangers, d'œuvres sacrées, de grandes formes de cantate-oratorio, telles que "John Damascene" de SI Taneyev, "Requiem" de G. Verdi, « Spring » et « Three Russian Songs » de S. V. Rachmaninov, « Requiem » de V. A. Mozart, « Polovtsian Dances » de A. P. Borodin, « Alexander Nevsky » de S. S. Prokofiev, « Moscou » de P. I. Tchanaikovsky, Carmina Burodin par K. Orf. L'Opéra de Novaya se caractérise par une approche moderne de la scénographie et de la mise en scène. Le théâtre coopère avec des maîtres célèbres dans le domaine de l'art théâtral pour créer des performances de différentes directions et styles: ce sont des réalisateurs - Stanislav Mitin, Sergey Artsibashev, V. Vasiliev [qui?], Valery Belyakovich, Mikhail Efremov, Alla Sigalova, Roman Viktyuk , Yuri Grymov, Andreis Zhagars, Yuri Alexandrov, Achim Fryer, Yossi Wheeler et Sergio Morabito, Ralph Lyangbaka, K. Heiskanen, Kasper Holten, Elijah Moshinski, Gennady Shaposhnikov ; artistes - Sergey Barkhin, Alla Kozhenkova, Eduard Kochergin, Ernst Heydebrecht, Victor Gerasimenko, Maria Danilova, Eleonora Maklakova, Marina Azizyan, V. Okunev, S. Pastukh, A. Fryer, A. Fibrok, A. Freibergs, S. Aarfing, E. Tilby. Des maîtres exceptionnels de la culture musicale travaillent avec le collectif Novaya Opera : les chefs d'orchestre Yuri Temirkanov, Eri Klas, Gintaras Rinkyavichus, Daniel Lipton ; les instrumentistes Eliso Virsaladze et Nikolay Petrov, Tatiana Sergeeva (piano), Natalia Gutman (violoncelle), le jazzman finlandais Antti Sarpila (clarinette, saxophone) ; les chanteurs d'opéra José Cura, Placido Domingo, Mario Frangulis, Dmitry Hvorostovsky (environ 10 représentations conjointes), Franz Grundheber, Paata Burchuladze, Feruccio Furlanetto, Deborah Myers, Lyubov Kazarnovskaya et Anastasia Volochkova ; le compositeur grec Mikis Theodorakis et les solistes de la New York African American Opera Company Ebony Opera. Carte de tournée du Nouvel Opéra : Grèce (clôture du festival annuel de musique à l'Odéon d'Hérode Atticus à Athènes avec les concerts anniversaire de Mikis Theodorakis en 2005), Chypre (le théâtre participe depuis plusieurs années à des festivals d'opéra avec Mario Frangoulis et Deborah Myers, et a également participé à un concert triomphal dédié à la visite à Chypre du remarquable compositeur grec Mikis Theodorakis en 2005), en Italie (Festival Musicale Umbra de Pérouse), en France (Théâtre des Champs-Élysées, Paris), en Allemagne ( Reithalle Hall, Munich), Israël (Rishon LeZion), Finlande (Savonlinna Opera Festival, Kuopio Concert Hall, Mikkeli Annual Ballet Festival), États-Unis (14 représentations d'Eugene Onegin au Martin Beck Theatre à Broadway, Tallinn), Espagne, Portugal, Yougoslavie, Turquie, Thaïlande, Biélorussie, Ukraine, ainsi que des villes de Russie. La haute performance de la troupe, l'originalité des solutions scéniques ont valu au théâtre une renommée bien méritée. L'équipe théâtrale a remporté le Golden Mask National Theatre Award, le Casta Diva Russian Opera Award, le Triumph Independent Award, le Sony BMG Greece Award (Grèce) et le diplôme Star of the Week du journal allemand Abendzeitung. En 1999, le théâtre a été admis à la communauté lyrique européenne Opera Europa. En 2003, par décret du Président de la Fédération de Russie, le fondateur du théâtre Yevgeny Kolobov (à titre posthume), le directeur du théâtre Sergueï Lyssenko et le chef de chœur Natalya Popovich ont reçu le Prix d'État de la Fédération de Russie pour la création du Théâtre de l'Opéra de Novaya. En 2006, le théâtre a été nommé d'après son fondateur Yevgeny Kolobov.

Le Metropolitan Opera est un théâtre musical du Lincoln Center de New York, New York, États-Unis. Le plus grand opéra du monde. Il est souvent appelé « Met » sous une forme abrégée. Le théâtre fait partie des scènes d'opéra les plus célèbres au monde. Le directeur artistique du théâtre est James Levine. PDG - Peter Gelb. Créé avec des fonds de la Metropolitan Opera House Company. Subventionnés par des entreprises riches, des particuliers. Le Metropolitan Opera a ouvert ses portes avec une représentation de Faust de Charles Gounod le 22 octobre 1883, avec la soprano suédoise Christina Nilsson en tant que protagoniste féminin. Le théâtre est ouvert sept mois par an : de septembre à avril. Environ 27 opéras sont mis en scène par saison. Les représentations ont lieu quotidiennement, il y a environ 220 représentations au total. Le théâtre part en tournée de mai à juin. De plus, en juillet, le théâtre donne des représentations gratuites dans les parcs de New York, attirant un grand nombre de spectateurs. Il y a régulièrement des émissions de radio et de télévision. L'orchestre et le chœur du théâtre travaillent en permanence, et les solistes et chefs d'orchestre sont invités sous contrat pour une saison ou pour certaines représentations. Les opéras sont traditionnellement joués dans la langue originale. Le répertoire est basé sur des classiques du monde, y compris ceux des compositeurs russes. Le premier Metropolitan Opera, conçu par J. Cleveland Cady, était situé à Broadway, entre 39 et 40 rues. En 1966, le théâtre a déménagé dans le nouveau Lincoln Center de Manhattan et compte une scène principale et trois scènes auxiliaires. L'auditorium principal peut accueillir 3 800 places et, malgré sa taille, est réputé pour son excellente acoustique.

Le théâtre d'opéra et de ballet d'État de Voronej a parcouru un long chemin de développement. En septembre 1931, un théâtre de comédie musicale a commencé à fonctionner à Voronej, organisé sur la base d'un collectif d'artistes professionnels, dirigé par un organisateur, metteur en scène et acteur talentueux Lazar Arkadyevich Lazarev. Au début des années 30 du siècle dernier, Voronej était le centre de la région centrale de la Terre noire, qui comprenait des villes qui devinrent plus tard des centres régionaux : Koursk, Orel, Tambov, Lipetsk. L'une des principales tâches créatives du Théâtre de la comédie musicale de Voronej était de servir les travailleurs de la région de Tchernozem. À cette époque, le répertoire du théâtre comprenait non seulement des opérettes classiques, mais aussi des comédies musicales modernes. Le haut niveau des interprètes a contribué au fait que les performances ont toujours été un grand succès. En 1958, le reportage créatif du théâtre a lieu à Moscou. Ce fut un succès et fut très apprécié du public et de la communauté musicale de la capitale. Au cours de la tournée, le président de l'Union des compositeurs de l'URSS T.N. Khrennikov a proposé de réorganiser le théâtre de la comédie musicale en Théâtre musical. Cette proposition a été soutenue par le ministère de la Culture et les dirigeants de la région de Voronej. La décision de réorganiser le Théâtre de la Comédie Musicale en Théâtre Musical a été prise en 1960. La première représentation qui a marqué la naissance d'un nouveau théâtre sur les terres de Voronej était l'opéra de P. Tchaïkovski Eugène Onéguine, mis en scène par le premier chef d'orchestre du théâtre, V. Timofeev. La première a eu lieu le 25 février 1961. Cette date est l'anniversaire du théâtre. La troupe de ballet dirigée par le talentueux chorégraphe T. Ramonova a commencé son voyage dans le grand art avec la pièce "Swan Lake". Dans les années soixante, des leaders créatifs talentueux, largement connus dans le pays, ont travaillé dans le théâtre: réalisateur - Artiste du peuple de Biélorussie S.A. Stein, chorégraphe en chef - Artiste émérite de Biélorussie K.A. Muller, artiste en chef - Ouvrier d'art honoré de la RSFSR V.L. Tsybine. La période de formation créative du jeune collectif est associée au nom de l'artiste du peuple de la RSFSR, lauréat des prix d'État Anatoly Alekseevich Lyudmilin - un excellent chef d'orchestre, un enseignant sensible et un organisateur talentueux. Il jette les bases du répertoire classique d'opéra et de ballet au théâtre et se tourne à plusieurs reprises vers les œuvres de ses contemporains. Sous sa direction, plus de 10 représentations ont été mises en scène, dont Aida, Rigoletto, La Traviata de G. Verdi, Carmen de J. Bizet, Tosca et Cio-Cio-San de G. Puccini, La Dame de Pique "P. Tchaïkovski, « Le Démon » de A. Rubinstein, « Lud Gidiya » du compositeur bulgare P. Khadzhiev, « Years of Fire » de A. Spadavekkia. En 1967, l'artiste du peuple de l'URSS Yaroslav Antonovich Voshchak a été invité au poste de chef d'orchestre. Il a poursuivi les traditions d'A. Lyudmilin, dont la principale est la haute culture musicale du théâtre. Les opéras "Mazepa" de P. Tchaïkovski, "Troubadour" de G. Verdi et "Femme russe" de K. Molchanov, mis en scène par lui, sont devenus de véritables événements théâtraux, ils ont été accompagnés par l'amour du public et les éloges de la critique . Sous Ya.A. Voshchak en 1968, le Théâtre musical a été rebaptisé Théâtre d'opéra et de ballet d'État de Voronej. Dans les années 70, un rôle important dans la vie créative du théâtre a été joué par les chefs d'orchestre, l'artiste émérite du chorégraphe kazakh SSR I.Z. - Ouvrier d'art émérite de la Fédération de Russie G.G. Malkhasyants, artiste en chef - N.I. Kotov, chef de chœur en chef, artiste émérite de la Fédération de Russie L.L.Ditko. Dans les années 90, une nouvelle direction est arrivée : le chef d'orchestre, l'Artiste émérite de la Fédération de Russie Yu.P. Anisichkin, directeur en chef, artiste émérite de la Fédération de Russie A.N. Zykov, artiste en chef, artiste émérite de la Fédération de Russie V.G. Kochiashvili. Pendant plus de 10 ans, le directeur artistique du ballet était l'artiste du peuple de la Fédération de Russie N.G. Valitova. Le groupe choral en 1999 était dirigé par le lauréat des concours internationaux V.K. Kushnikov. Depuis le jour de l'ouverture, plus de 200 représentations ont été présentées sur la scène du théâtre, dont l'intégralité du répertoire d'opéra et de ballet classique populaire. Dès les premières années de son fonctionnement, le théâtre a considéré une tâche importante dans la formation du répertoire de la combinaison organique des traditions classiques avec les tendances modernes de l'art musical et théâtral. Les opéras « La Fille de Cuba » de K. Listov, « La Forteresse de Brest » et « La Femme russe » de K. Molchanov, « Le Journal d'Anne Frank » de G. Fried, mis en scène pour la première fois sur la scène de Voronej, ont reçu tous -Reconnaissance syndicale. La production de l'opéra "Forteresse de Brest" (directeur S. Stein, chef d'orchestre G. Orlov, artiste V. Tsybin, chef de choeur V. Izhogin) a reçu un large écho. La presse métropolitaine et locale a noté non seulement la compétence vocale des interprètes, mais aussi le talent artistique de grande classe, qui a permis de créer des images de héros vivants. La performance a reçu un diplôme honorifique au concours de théâtre de l'Union. Le théâtre travaille en contact étroit avec les compositeurs de Voronej. En 1971 a lieu la première du ballet Le Chant de l'amour triomphant sur la musique du compositeur et chef d'orchestre du théâtre M. Nosyrev basé sur les travaux de I. Tourgueniev. La performance a été très appréciée par la critique et les spectateurs et pendant plus de 10 ans a été conservée dans le répertoire (chef d'orchestre M. Nosyrev, chorégraphe D. Aripova, artiste B. Knoblok). En collaboration avec le compositeur G. Stavonin, le premier opéra de Voronej "Oleko Dundich" (1972), que TN Khrennikov a qualifié "d'événement remarquable dans la vie musicale du pays", et le ballet-symphonie "Le conte de la terre russe " (1982) ont été mis en scène. A l'occasion du 400e anniversaire de Voronej et du 300e anniversaire de la flotte militaire russe en 1986, le théâtre a mis en scène une production de l'opéra de G. Stavonin "Vivat, Russia!" Aujourd'hui, le répertoire du théâtre comprend plus de 40 titres - classiques russes et étrangers, œuvres de nos contemporains. Au cours des dernières décennies, des solistes d'opéra et de ballet, largement connus dans le pays, ont travaillé dans le théâtre, qui ont été reconnus pour leur talent : solistes d'opéra, Artistes du peuple de la Fédération de Russie E. Poimanov, S. Kadantsev, Artistes émérites de la RSFSR F. Sebar, A. Matveeva, L. Kondratenko, E .Svetlova, V. Ryzvanovich, Y. Danilova (artiste populaire de Bouriatie), I. Monastyrnaya, V. Egorov, B. Erofeev, I. Denisov, I. Nepomnyashchy, G. Kolmakov; solistes de ballet Artistes du peuple de la Fédération de Russie N. Valitova, A. Golovan, M. Leonkina - lauréate des concours internationaux de ballet à Moscou, Paris, Varna, son nom figurait dans le livre "The Best Giselle Performers" publié aux États-Unis, Artistes émérites de la Fédération de Russie L. Maslennikova, S. Kurtosmanova, V. Dragavtsev. Chaque année, de jeunes artistes viennent au théâtre: diplômés de l'Académie des arts de Voronej et des conservatoires du pays - à la troupe d'opéra, à l'École chorégraphique de Voronej - au ballet, au Collège musical de Voronej Rostropovitch - à l'orchestre et au chœur du théâtre. La géographie des tournées du théâtre est vaste. L'art de Voronej a été applaudi en Allemagne, Espagne, République tchèque, Pologne, Autriche, Japon, Finlande, pays africains. En 1996, le ballet La Belle au bois dormant est présenté dans 38 villes de France, et en 1997 et 1999 il fait une tournée en Inde. Depuis 2000, le ballet de Voronej est en tournée aux Pays-Bas, en Allemagne et en Belgique avec les représentations Giselle, Casse-Noisette et La Belle au bois dormant. En mai 2005, la compagnie de ballet a participé au Festival international consacré à l'œuvre de P.I. Tchaïkovski, qui s'est tenu en Allemagne. En 2006 et 2009, le théâtre a effectué une tournée aux États-Unis et au Canada, où il a montré les ballets Cendrillon de S. Prokofiev, Giselle de A. Adam et Mille et une nuits de F. Amirov. Représentations d'opéra "Troubadour" (direction Mechislav Novakovsky (Pologne), direction A. Zykov), "Othello" (direction Y. Anisichkin, direction F. Safarov), "La reine de pique" (direction Y. Anisichkin, réalisateur A. Zykov) en 1999 et 2001 ont été diffusés aux Pays-Bas. Le théâtre d'opéra et de ballet de Voronej, le seul de la région centrale de la Terre noire, a pour tâche de promouvoir l'art de l'opéra et du ballet dans toutes les régions de la région, en organisant des représentations en visite, en élargissant constamment la géographie des tournées. Troupe d'opéra du Théâtre national d'opéra et de ballet de Voronej Sopranos Coloratura Yekaterina Gavrilova Artiste émérite de la Fédération de Russie Lyudmila Marchenko Elena Petrichenko Lauréate du Concours international Elena Povolyaeva Elena Seregina Kristina Panova Oksana Shaposhnikova Soprano Lauréate du Concours panrusse Makna Alexandra Dobrolyubskaya Galia Salle de la Fédération de Russie Ilya Kunakovskaya Olga Maksimennova Narodnaya Narodnaya Hall artiste de la Fédération de Russie Alexandra Tyrzyu lauréate du concours international Lyudmila Solod Natalia Tyutyuntseva Anastasia Chernovolos Mezzo - soprano Tatyana Kibalova Lauréate du concours international Elena Dnyazeva Tenlia Laureateeva Bashkirov Evgeny Belov Aleksey Ivanov Artiste émérite de la Fédération de Russie Yuri Kraskov Artiste émérite de la Fédération de Russie Artiste émérite de la Fédération de Russie Yuri Kraskov Artiste émérite RF Alexander Anikin Leonid Vorobiev Oleg Guryev lauréat des concours internationaux et panrusse Igor Gornostaev Sergei Meshchersky Alexey Tyukhin Diplôme du Concours International Roman Dyudin Basy Nikolay Dyachok Artiste émérite de la Fédération de Russie Alexander Nazarov Artiste émérite de Bouriatie Mikhail Turchanis Ivan Chernyshov Chef de la Compagnie d'opéra Nadezhda Kopytina Directeurs Alfred Melukha Sofya Shalagina Assistant réalisateur, animateur du performance Travailleur honoré de la culture de la Fédération de Russie Tatiana Andreeva Victoria Maryanovskaya Anatoly Maltsev

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Opéra de Sydney(English Sydney Opera House) est un théâtre musical à Sydney, l'un des bâtiments les plus célèbres et facilement reconnaissables au monde, qui est un symbole de la plus grande ville d'Australie et l'une des principales attractions du continent - des coquillages en forme de voile qui forment le toit rendent ce bâtiment unique au monde. L'Opéra est reconnu comme l'un des bâtiments les plus remarquables de l'architecture moderne au monde et depuis 1973, avec le Harbour Bridge, est la marque de fabrique de Sydney. Le 28 juin 2007, le théâtre a été inscrit sur la liste du patrimoine mondial de l'UNESCO.

L'Opéra de Sydney a été inauguré le 20 octobre 1973 par la reine Elizabeth II de Grande-Bretagne.

Histoire de la création

L'Opéra de Sydney est situé dans le port de Sydney à Bennelong Point. Cet endroit a été nommé d'après un ami aborigène australien du premier gouverneur de la colonie. Jusqu'en 1958, il y avait un dépôt de tramway sur le site du théâtre, et même plus tôt - un fort.

L'architecte de l'opéra est le Danois Jorn Utzon, qui a reçu le prix Pritzker en 2003.

Malgré le concept appliqué de coques sphériques, qui résolvait tous les problèmes de construction et convenait avec succès à la production en série, à la fabrication de précision et à la facilité d'installation, la construction a été retardée, principalement en raison de la décoration intérieure des locaux. Il était prévu que la construction du théâtre durera quatre ans et coûtera sept millions de dollars australiens. Cependant, l'opéra a mis quatorze ans à construire et a coûté 103 millions de dollars.

Architecture

L'Opéra de Sydney est un bâtiment expressionniste au design radical et innovant. Le bâtiment couvre une superficie de 2,2 hectares. Sa longueur est de 185 mètres et sa largeur maximale est de 120 mètres. Le bâtiment pèse 161 000 tonnes et repose sur 580 pieux, qui sont descendus dans l'eau à une profondeur de près de 25 mètres du niveau de la mer. Sa consommation énergétique équivaut à celle d'une ville de 25 000 habitants. L'énergie est distribuée sur 645 kilomètres de câble.

Le toit de l'opéra se compose de 2 194 sections préfabriquées, sa hauteur est de 67 mètres et son poids de plus de 27 tonnes, toute la structure est maintenue par des câbles en acier d'une longueur totale de 350 kilomètres. Le toit du théâtre est formé d'une série de « coquilles » d'une sphère de béton portante de 492 pieds de diamètre, communément appelée « coquilles » ou « voiles », bien que cela soit incorrect en termes de définition architecturale de tels une structure. Ces coques sont construites à partir de panneaux de béton préfabriqués en forme de triangle, qui sont soutenus par 32 nervures préfabriquées du même matériau. Toutes les nervures font partie d'un grand cercle, ce qui a permis aux contours du toit d'avoir la même forme, et l'ensemble du bâtiment était complet et harmonieux.

L'ensemble du toit est recouvert de 1 056 006 tuiles azulejos en blanc et crème mat. Bien que de loin, la structure semble être entièrement constituée de carreaux blancs, les carreaux créent différents schémas de couleurs dans différentes conditions d'éclairage. Grâce à la méthode mécanique de pose des tuiles, toute la surface de la toiture est parfaitement lisse, ce qui était impossible avec un revêtement manuel. Toutes les tuiles ont été produites par l'usine suédoise Höganäs AB avec une technologie d'autonettoyage, mais malgré cela, des travaux sont régulièrement effectués pour nettoyer et remplacer une partie des tuiles.

La structure du toit en gradins est très belle, mais a créé des problèmes de hauteur à l'intérieur du bâtiment, car la hauteur obtenue ne permettait pas une bonne acoustique dans les salles. Pour résoudre ce problème, des plafonds séparés ont été conçus pour refléter le son.

Il y a des opinions plutôt contradictoires sur le bâtiment le plus célèbre d'Australie - l'Opéra de Sydney. Certains le considèrent comme un magnifique monument à une mélodie figée. D'autres sont déconcertés par la forme étonnante du toit de cette structure : pour certains, cela ressemble à d'énormes coquillages, pour quelqu'un - les voiles du galion soufflées par le vent, quelqu'un les associe à des oreilles écoutant le chant des anges, et il y a aussi une opinion que le théâtre de Sydney ressemble beaucoup à une baleine blanche jetée sur terre.

En un mot, il y a autant d'opinions que de personnes, mais personne ne doute du fait que l'Opéra de Sydney est un symbole artificiel de l'Australie.

Ce bâtiment étonnant est situé à Sydney, la plus grande ville d'Australie, dans le port de Bennelong Point (sur la carte, il se trouve aux coordonnées suivantes : 33 ° 51 24,51 S, 151 ° 12 ′ 54,95 ″ E).

L'Opéra de Sydney a acquis une renommée mondiale principalement grâce à son toit, fait de voiles (coquilles) de différentes tailles disposées les unes après les autres, ce qui le rend différent de tout autre théâtre au monde. La façade de l'opéra s'est avérée si intéressante, inhabituelle et donc reconnaissable, qu'elle est considérée comme l'un des bâtiments les plus remarquables de l'architecture moderne, inscrite depuis plusieurs années sur la Liste du patrimoine mondial de l'UNESCO.

Le créateur de ce bâtiment unique, Jorn Watson, est la seule personne au monde dont cette organisation a reconnu le travail de son vivant (il est décédé un an après cet événement, en 2008).

La description

L'opéra en Australie est principalement inhabituel en ce que, contrairement à d'autres structures de ce type, faites dans le style classique, c'est un exemple frappant d'expressionnisme, démontrant un nouveau regard sur l'architecture. L'Opéra de Sydney est entouré d'eau sur trois côtés et est lui-même érigé sur pilotis.

La superficie du théâtre est immense et s'élève à 22 000 m2: sa longueur est de 185 m, sa largeur de 120 m et le bâtiment lui-même contient un grand nombre de salles, dont plusieurs salles de théâtre, de nombreux petits studios et plates-formes de théâtre, ainsi que des restaurants, bars et boutiques , où tout le monde peut acheter un souvenir d'une visite au théâtre en souvenir.

Les locaux principaux sont quatre salles :

• La salle de concert est la plus grande salle de théâtre, avec une capacité de 2 679 spectateurs. C'est ici qu'est installé le plus grand orgue du monde : il se compose de 10 000 tuyaux ;
• Opera House - cette salle peut accueillir 1507 spectateurs, et sur sa scène, vous pouvez voir non seulement l'opéra, mais aussi le ballet ;
• Théâtre dramatique - conçu pour 544 personnes ;
• Petite scène de théâtre - conçue pour 398 personnes et considérée comme la salle la plus confortable de l'opéra.

Toit de voiles

La partie la plus remarquable du bâtiment, qui a fait de l'Opéra de Sydney l'un des théâtres les plus intéressants au monde, est son toit, réalisé en forme de coques ou de voiles disposées les unes derrière les autres. Le toit, qui mesure 67 m de haut et 150 m de diamètre, se compose de plus de 2 000 sections et pèse environ 30 tonnes.

La structure est fixée avec des câbles métalliques dont la longueur totale est de 350 km. Les deux conques principales sont situées au-dessus des deux plus grandes salles d'opéra. D'autres voiles sont situées au-dessus des petites salles, et l'un des restaurants est situé sous la plus petite.

Le dessus des lavabos est recouvert mécaniquement de carreaux blancs polis et mats crème, donnant à la surface une surface absolument lisse - un effet qui n'aurait guère été obtenu par une pose à la main. Un fait intéressant : malgré le fait que de loin il puisse sembler que le toit soit peint en blanc, selon l'éclairage, il change constamment de teinte.

Une telle structure de toit est très belle et originale, mais pendant la construction, en raison de la hauteur inégale du toit, il y avait des problèmes d'acoustique à l'intérieur du bâtiment, et afin de résoudre le problème, un plafond réfléchissant le son a dû être fabriqué séparément . À cet effet, des gouttières spéciales ont été réalisées, capables de remplir des fonctions à la fois pratiques et esthétiques : refléter le son et attirer l'attention sur les arches situées au-dessus du devant de la scène (la longueur de la plus grande gouttière est d'environ 42 mètres).

Auteur de l'idée

Fait intéressant : construire un opéra à Sydney était l'idée du britannique Sir Eugene Goossens, venu en Australie en tant que chef d'orchestre pour enregistrer un concert à la radio. On ne peut qu'imaginer sa surprise lorsqu'il découvre qu'il n'y a pas de théâtre d'opéra à Sydney.

La ville manquait également de grands auditoriums pour que les habitants de Sydney puissent venir les écouter.

Par conséquent, la décision de tout faire pour construire un théâtre, dans lequel le public aura l'occasion de se familiariser avec les œuvres classiques et les dernières œuvres musicales, a été prise immédiatement par lui. Il a immédiatement commencé à chercher un endroit approprié pour la construction - il s'est avéré que c'était le cap rocheux Bennelong Point, près duquel se trouvait le remblai, qui était un carrefour clé, car les habitants sont passés des ferries aux trains ou aux bus.

Trouver un endroit approprié (à l'époque il y avait un dépôt de tramway, qui a ensuite été démoli), Goossens a mené une campagne correspondante et, ayant infecté de nombreuses personnes influentes de Sydney avec son idée, a obtenu du gouvernement d'autoriser la construction de l'Opéra. Les autorités ont immédiatement annoncé un concours international pour le meilleur projet. Et puis l'affaire s'est enlisée : Goossens avait des ennemis. Après l'un des voyages internationaux, les douaniers ont trouvé les objets de la "masse noire", condamnés à une amende, licenciés de son travail - et il a été contraint de quitter l'Australie, malgré toutes les assurances que les choses ne lui appartenaient pas.

Concours

Plus de deux cents œuvres du monde entier ont été envoyées au concours. Un autre point important était que Goossens a non seulement réussi à sélectionner une commission qualifiée, mais a également donné une description du projet du concours.

Le projet devait prévoir deux salles - une pour les plus grandes, la seconde - pour les petites productions. Le bâtiment devait avoir des salles où il était possible d'effectuer des répétitions, des articles de magasinage, ainsi qu'un endroit pour les restaurants.

La tâche était compliquée par le fait que la zone sur laquelle il était prévu d'ériger la structure avait une taille plutôt limitée, car elle était entourée d'eau sur trois côtés. Par conséquent, la plupart des projets ont été rejetés pour une raison simple : ils semblaient trop volumineux et la façade du bâtiment était déprimante.

Et une seule œuvre a retenu l'attention des membres du jury, les obligeant à revenir sans cesse sur le projet : dans le sketch, les théâtres étaient rapprochés les uns des autres, le problème de l'encombrement était levé grâce à l'accent mis sur le blanc. toit en forme de voiles, et l'auteur a suggéré de garder les décors et les éléments de théâtre dans des recoins spéciaux, résolvant ainsi le problème des ailes.

L'auteur de l'ouvrage était le Danois Jorn Watson (cet architecte avait beaucoup de projets originaux de ce genre, mais celui-ci s'est avéré être l'un des rares qui a été mis en œuvre). Malgré le fait que le projet présenté par lui était une esquisse, le coût des travaux a été estimé à 7 millions de dollars australiens. Dollars, ce qui était un prix raisonnable. L'argent pour le début de la construction a été collecté par le biais d'une loterie.

Travaux de construction

Bien que le projet ait été approuvé, il était évident qu'il devait encore être bien travaillé (certains problèmes n'ont pas été résolus à ce jour). Le principal problème était de savoir comment créer une forme de toit non standard, d'autant plus qu'une telle expérience n'existait pas dans le monde pour le moment.

Watson a résolu ce problème en donnant à chaque évier la forme d'un triangle, en l'assemblant à partir de triangles incurvés plus petits, carrelés mécaniquement pendant la fabrication. Après cela, les voiles ont été installées sur des nervures en béton (nervures de cadre) disposées en cercle - cela a permis au toit d'obtenir un aspect complet et harmonieux.

Cette forme a donné lieu à des problèmes d'acoustique de la salle, qui, bien que l'architecte ait pu les résoudre plus tard, ont entraîné des dépenses financières considérables (par exemple, la nouvelle voûte s'étant avérée beaucoup plus lourde que la précédente, la les fondations déjà faites ont dû être gonflées et une plus solide et plus durable a dû être érigée).

Au lieu des 7 millions d'austral estimés. dollars coût de construction 102 millions. La construction avançait à un rythme très lent, ce qui ne pouvait manquer d'attirer l'attention des députés locaux et des opposants à l'architecte.

Et après que le Parti travailliste, qui soutenait la construction, ait perdu le soutien de la population et que l'opposition soit arrivée au pouvoir, l'argent collecté grâce à la loterie a d'abord été gelé (heureusement, il y avait une excuse), puis ils ont été complètement autorisés à construire routes et hôpitaux, forçant Watson en 1966 à quitter son travail et à quitter Sydney pour de bon.

Après cela, Hall a été nommé architecte en chef, qui, bien qu'il ait réussi à achever la construction en 1973, mais selon de nombreux experts, les travaux qu'il a effectués ont considérablement gâché l'apparence du bâtiment et l'intérieur s'est avéré banal ( un fait intéressant, lors des préparatifs des Jeux Olympiques en Australie en 2000, les Australiens ont suggéré que Watson revienne et finisse le travail sur l'opéra, acceptant de faire tout ce qu'il disait, mais il refusa).

Et c'est ainsi que l'opéra de Sydney, qui est l'un des bâtiments les plus magnifiques de notre époque, qui est mentionné avec le Taj Mahal et d'autres merveilles du monde, bien qu'il ait fière allure à l'extérieur, ce n'est pas différent à l'intérieur. Certes, cela n'a pas empêché le bâtiment de participer au concours pour le titre de l'une des sept merveilles du monde et, bien qu'il n'ait pas fait partie des lauréats, de figurer parmi les principaux prétendants.